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BAD 

ALCHEMY 

55 

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Everything is confused, not mysterious, but lost like a set of car 

keys or the meaning of a cliché. We look to our roots, sort of retrace 

our steps. Find some sort of primal self-awareness. We look 

to varying degrees of alterity, our own journey to the East. But 

metaphysics just aren't in vogue any more. We need a medium. Some 

means of connection. Some language bridging the gap between 

action and belief... Rhythm, steady beating... 

It is a language even if our people's politicians and business execs 

can't hear it... But what does it mean to us? Does it mean anything 

or are we inventing some sense to it does it matter?... We allow ourselves 

to be confused by it. But in the shared sound is the familiarity 

of not being alone in our loneliness; connection with something. 

A sense of something beyond the self. Music, rhythm, freedom, 

and spirituality all blend together in a way unique to the listener, 

the culture, and create the listener-already-in-culture. 

Jazz is the crossroads, the journey to and in one's culture/self. 

Tim Duggan Street Gospel Intellectual Mystical Survival Codes 

www.angelfire.com/jazz/masada/jazz23.html

...Jacopo Battaglia (Zu), Gregg Bendian (The Mahavishnu Project), Daniel Denis (Univers 

Zero), Hamid Drake (DKV, Spaceways Inc.), Lou Grassi, Paul Lovens, Paul Lytton, Sean 

Noonan (The Hub), Ray Sage (W.O.O. Revelator), Dave Smith (Guapo), Chad Taylor 

(Chicago Underground Duo, Sticks and Stones), Claudio Trotta (Testadeporcu), Christian 

Vander (Magma), Weasel Walter (The Flying Luttenbachers), Tatsuya Yoshida (Ruins, Painkiller), 

Michael Zerang (Survival Unit III)... Die Godz of Rhythm meinen es offenbar gut mit 

mir, denn all diese Taktzersplittrer und Helterskeltergroover 

brachten mich in den letzten Jahren live zum 

Staunen und vor allem zum Headbangen. 

Einer jedoch fehlt noch, MEIN persönlicher 

21 Century-Drummer, der, der mitmischt 

beim Sten Sandell Trio und Scorch Trio, 

der Territory Band und dem Peter Brötzmann 

Tentet, bei FME, Powerhouse Sound 

und nicht zuletzt The Thing. Geboren am 

24.12.1974 in Molde, aber aufgewachsen 

in einem Jazzclub in Stavanger, den seine 

Eltern leiteten. Mit 19 gründete er an seinem 

Studienort Trondheim seine eigene 

Band - Element. Ab 1996 in Oslo wurde 

er schon von den Jazzgrößen Håkon Kornstad 

und Frode Gjerstad in die norwegische 

Premier League aufgenommen und als 

Nächstes spielte er mit schwedischen 

NowJazz-Originalen wie Sten Sandell 

und Mats Gustafsson. Am liebsten aber 

mit seinem Studienzeitbuddy, dem Kontrabassisten 

Ingebrigt Håker Flaten. Die beidsind 

überall dort anzutreffen, wo der spriwörtliche 

Hund in der Pfanne verrückt wiund 

der Bär tanzt. Ach, den Namen habe 

noch nicht genannt? Der Mann heißt 

P A A L N I L S S E N - L O V E 

kurz PNL, und ist unter den Anheizern des aktuellen skandinavischen Avantfeuers 

der feurigste und gleichzeitig facettenreichste. Z. B. mit ATOMIC. Obwohl 

dieses Quintett zu den Speerspitzen des Nordland-Nowjazz zählt, kannte ich 

bisher nur ihre Nuclear Assembly Hall-Kollaboration mit School Days. Den schwedischen 

Saxophon- & Klarinettisten Fredrik Ljungkvist (*1969, Kristinehamn) hörte ich 

zudem mit der Territory Band. Und was Ingebrigt Håker Flaten & PNL angeht, da bin 

ich Groupie. Dazu kommen der auch mit Free Fall bekannte Pianist und, neben Ljungkvist, 

Hauptideenlieferant Håvard Wiik und der 1965 im schwedischen Huskvarna geborene 

Magnus Broo mit seinem flexiblen Trompetenton. Aber Knowhow allein macht 

es nicht und Cage‘sche Weisheiten ebensowenig. Entscheidend ist der Tropfen im Blut, 

der verursacht, dass einem die schöne neue Welt nicht schön und neu genug erscheint. 

Die erlöste Welt ist bekanntlich wie die unerlöste, nur ein wenig anders. Wie sich dieses 

‚ein wenig‘ anhören kann, wenn man es auf Jazz anwendet, darum dreht sich Happy New 

Ears (Jazzland Recordings, 987 655-4). Beispielhaft beim lyrischen ‚Poor Denmark‘ mit 

seinen melodiösen Konsonanzen und Unisonopassagen. Nur klappert PNL dazu seltsames 

Zeug, bis auch er sich dem Blue Note-Bop der Bläser anschließt, die aber plötzlich wieder 

von ‚hard‘ auf poetisch umschalten, während im gleichen Moment die Rhythmik wieder 

zersplittert. Die fünf beherrschen dieses In-Out-Spiel mit kleinen Abweichungen virtuos. 

So dass einen gleichzeitig immer ein Déjà vu am Haken hat, Links in alle Ecken der Jazzgeschichte, 

mit Vorlieben für Giuffre oder Bill Evans, und doch ein Element ein wenig aus 

dem Ruder läuft. Mitwippseligkeit wie beim Ohrwurmmotiv von ‚Roma‘, traumhaft Schönes 

wie das Arcointro zum schönen ‚Sooner of later‘ oder wie Broos Trompetensolo bei ‚Crux‘ 

und wie ‚Closing Stages‘ insgesamt, aber durchschauert von Frischeschocks. Denn hört 

euch nur an, wie PNL dazu trommelt - als ob er sich gegen Cecil Taylor behaupten müsste! 

Selbst wenn er Süßholz raspelt, fliegen Splitter. Durch diese spannungsvollen 

und leicht irritierenden Diskrepanzen, mit dem quirligen 

‚Two Boxes Left‘ als Merkur und dem brummigen ‚Cosmatesco‘ 

als Saturn, macht Atomic tatsächlich happy. 

3

PNL hat mit LASSE MARHAUG einiges gemeinsam, 

den Jahrgang 1974, Norwegen als Brutstätte und 

eine Vorliebe für Noise, nicht als Nebeneffekt, sondern 

als Stoff. Bei Marhaug ist das Faible für 

SchMerzPunkDaDa à la Merzbow bekannt, durch Origami 

Replika oder Jazkamer. Er und PNL kennen 

sich spätestens seit 2003, als sie auf dem NuMusic 

Festival in Stavanger zusammen spielten (Personal 

Hygiene, Utech), seit 2004 agieren sie auch gemeinsam 

in der Territory Band. Gemeinsam ist ihnen definitiv 

auch der Spaß an Höllenkrach und entsprechend 

gebärden sie sich auf Stalk (PNL Records, 

PNL001) als ‚Paranoia Agenten‘ in einem ‚Satanico 

Pandemonium‘. Zuerst hört es sich an, als ob PNL 

hier auch zu elektronischen Waffen greift, um kakophon 

zu dampfen und zu spritzen. Aber dann erkennt 

man doch deutlich inmitten von Marhaugs 

Sampling- und Feedbackknurschen wie er Alarm 

schlägt, wie seine Becken beben und rauschen, wie 

er mit Holz und Bronze schabt und kratzt und mit 

Ketten rasselt. Bei ‚The Last Exile‘ und ‚The Lodger‘ 

interagiert er mit splittrigen Flirrschlägen und rasenden 

Snarewirbeln mit Marhaugs Cut-up-Schnipseln 

von Stimmen oder aggressiv pochenden, stechenden 

Noisefetzen. ‚Tenebrae‘ ist ein nahezu manischer 

Trommel-Strepitus, zu dem Marhaug einen 

brüllenden Loop-Twister immer näher rücken lässt, 

bis man in den Mahlstrom mitgesaugt wird. ‚I Will 

Walk Like a Crazy Horse‘ lässt in der Ferne Panzer 

vorüber rollen, die Schrottteile klackernd beben lassen, 

während ein Funkgerät nur verstümmelte Laute 

spotzt. Das Grollen rückt immer näher, das gestörte 

Funkgerät prasselt ohne Kontakt. Und ich möchte 

wetten, dass zu dem, was die beiden Norweger verbindet, 

auch eine Vorliebe für nervenzerrende Action- 

und Schauerfilme gehört. 

PNL, der für Stalk sein eigenes Label installierte, hat 

zwar mit Sticks & Stones (SOFA, 2001) und 27 Years 

Later (Utech, 2005) demonstriert, wozu er alleine in 

der Lage ist, lieber aber sucht er die Herausforderung 

im Dialog mit Saxophonisten wie Vandermark, 

Gustafsson, Håkon Kornstad oder John Butcher, 

dem Moha!-Gitarristen Anders Hana, sogar mit einem 

Kirchenorganisten (Pipes & Bones, 2005). In 

der Transparenz der Trios mit Sandell & Berthling 

oder Vandermark & McBride zeigt er sich als agiler 

Teamspieler, kein Drescher, immer mit quicken, abrupten 

Bewegungen, starkem Vorwärtsdrang und 

übersprudelnder Klangvielfalt. Da zeigt sich schon 

sein vulkanisches Temprament, das ihn dorthin 

drängt, wo die Schmerzlust am grössten zu sein verspricht. 

Das flirrend Abrupte und ein sarkastischer 

Unterton erinnern an Lytton, aber PNL mischt dazu 

Free Form-Rockabilly und Hardcore. Diesen Neigungen 

entspricht auch sein halbstarker Outfit und seine 

Mimik, wenn er sich so richtig ins Zeug legt, etwa 

mit Raoul Björkenheim im Scorch Trio und beim rasanten 

Neo-No Wave von The Thing. Da explodiert er 

als Selbstmordattentäter für eine Erlösung der Welt 

durch Rhythm & Noise, wie es sich Stockhausen 

nicht besser erträumen könnte. 

4 

Eine absolute Herkulesaufgabe meisterte 

Nilssen-Love bei The First Original 

Silence (Smalltown Superjazz, 

STSJ124) von ORIGINAL SILENCE. 

Unter diesem unscheinbaren Namen 

probt ein Allstarteam den Aufstand 

gegen die Trägheit der Herzen, das 

sich zusammensetzt aus dem Zu- 

Bassisten Massimo Pupillo, den Gitarristen 

Terrie Ex und Thurston Moore, 

Jim O‘Rourke an Electronics und 

Mats Gustafsson an Bariton- & Slidesaxophon 

+ Effekten. Letztere bilden 

als Diskaholics Anonymous Trio die 

Keimzelle dieses Noisemonsters, dem 

Pupillo Säureblut durch die Adern 

pumpt mit seinem entsprechend 

monströs bratzenden Splatterfuzzbass. 

Im viertelstündigen ‚If Light Has 

No Age, Time Has No Shadow‘ legen 

sie als Grobschmiede ihre Eisen ins 

Feuer, im dreiviertelstündigen ‚In the 

Name of the Law‘ unternehmen sie 

eine Aventure und gleichzeitig eine 

Analyse des Bratzens. Während die 

Titel angeregt wurden durch Carl 

Frederik Reuterswärd, hierzulande 

bekannt durch seine verknotete Pistole 

vor dem Kanzleramt, saugt dieser 

kollektive Free Noise seine Lebensenergie 

aus mutierten Freakzellen, 

aus verzerrten Parts maudit von 

Rock, Jazz und Electro. ‚If Light...‘ ist 

hochenergetisch und PNL hat alle 

Hände voll zu tun, um dem schnell 

wachsenden Godzilla Schuppen und 

einen Zackenkamm zu schmieden. 

Man muss ein Alien sein, um zu PNLs 

Gepolter und dem Schrappeln der 

drei Stringwrestler ein Tänzchen zu 

wagen. ‚In the Name...‘ sammelt sich 

zur rasanten Schussfahrt, an deren 

Ende Gustafsson, von PNL angestachelt, 

einen Durchbruch bohrt. Nach 

allen Richtungen echolotend, durchqueren 

die Sechs eine Noiseuntiefe, 

bis erneut das Saxophon eine Membrane 

aufreißt, durch die sich bruitistische 

Ursuppe ergießt, die gemeinsam 

durchpflügt wird, um endlich ans 

Ziel zu kommen - das anfängliche 

Grundrauschen, das A und O, die 

Uroborosschlange, die diese Musik 

die ganze Zeit beschwört. PNL kann 

hier alles zeigen, den polternden, 

scheppernden Troll, vertrackt und 

groovig, den Kardiologen, der auf 

Kammerflimmern lauscht, den rasselnden 

Schamanen, der die Väter 

der Trägheit in Schach hält. An ihm 

beißen sich Zynismus und Borniertheit 

die Zähne aus.

THE THING vs ZU Live am 24. Mai 2007 

Wenn Boreas und Notos aufeinanderprallen 

Etwas Besseres als den kultigen club W71 in Weikersheim 

als zweite Etappe ihres Vierländerspringens 

mit den Stationen Schorndorf ... Wels - Stirling 

- Moers – Bergen hätten sich diese beiden Trios 

nicht wünschen können. Dazu war noch Reinhard 

Kager mit dem NOWJazz-Aufnahmewagen des 

SWR2 angereist, um die Mikrophone auf die zu erwartenden 

orkanartigen Böen zu richten. Vom 

Hausbrand der Gastgeber und Gekicke auf dem direkt 

benachbarten Sportplatz selber schon vorgeheizt, 

brauchten Mats Gustafsson, Paal Nilssen- 

Love & Ingebrigt Håker Flaten keine drei Minuten, 

um den Club von einer bereits dampfenden Sauna 

in eine Friteuse zu verwandeln und ihre schwarzen 

Ruby's Barbecue-T-Shirts noch etwas schwärzer zu 

färben. Harry Lachner spricht beim aktuellen SWR2- 

NOWJazz-Thema ‚Taktlos – vom Verschwinden des 

Beats’ von einer ‚Ästhetik des Zersplitterten’. Er 

muss dabei dieses norwegische Rhythm-Team im 

Ohr haben. Wenige zerhacken den Takt so fraktal 

und vehement wie Nilssen-Love, der mit seiner 

scheppernden, peitschenden Cut-Up-Ästhetik NOW- 

Jazz seinen Stempel aufdrückt. Håker Flaten bekrabbelt 

dazu seinen Kontrabass mit Fingern, so 

flirrend und verwischt wie futuristisch gemalt, er 

lässt die Saiten knallen und klatschen, kämpft wie 

ein Berserker, um noch die letzten Funken aus diesem 

Funk zu schlagen. Denn The Thing ist der unbändige Nordwind. Gustafsson bekommt 

einen ganz dicken Hals, kniet sich mit aller Inbrunst dem Feuerdrachen auf die Brust, entflammt 

selbst, zerraspelt und zerplopt ein Reedblättchen nach dem andern, macht sich bei 

den hohen Tönen lang und dünn wie eine Rohrdommel, schürt die Glut wie ein Speedmetalgitarrist. 

So muss das sein. 

Im fliegenden Wechsel dann Zu, sprich Jacopo Battaglia – Drums, Massimo Pupillo – E-Bass 

& Luca T Mai – Baritonsax. Gleiche Intensität, aber ganz anderes Spiel. Wenn The Thing 

Free Jazz hyperventiliert, dann mischen die Italiener Melvins, NoMeansNo und Lightning 

Bolt. Battaglia bolzt mit der Basstrommel und rifft die ‚Muro Torto‘-Marschbeats, stakkatohaft, 

brachial. Mai, ein bulliger, 

schwarzbärtiger Ahabtyp 

pusht und hält Saxdrones 

wie ein elastisches, erdbebensicheresHochhausfundament. 

Aber der Gipfel, das 

sind Pupillos Basstraktate, so 

diskant, sprunghaft und rasend, 

so ‚Wolf Day‘-fuzzig und 

knurrig, dass selbst Hölle, 

Tod und Teufel sich ein Lächeln 

nicht verkneifen können. 

Ich muss zugeben, dass 

ich die Drei unterschätzt habe, 

Zu ist eine schwarze Maschine 

geworden, unaufhaltsam 

und mitreißend. 

Jetzt erst mal Pause zum 

Luftschnappen, mit klingelnden 

Ohren und nur langsam 

abklingendem seligen Grinsen. 

5

6 

Dann Doppelpack, Nordwind und Südwind, 

verabredet zur gemeinsamen 

Himmelfahrt, im wirbelnden, fauchenden 

Miteinander. Die beiden Drummer 

kicken in sagenhaftem Rapport immer 

wieder ricochettierende Synchronzuckungen 

los, splittern kontrapunktisch 

auseinander, die beiden 

Bassisten gehen als Einzelkämpfer 

durchs Feuer, die beiden Saxophonisten 

prusten und röhren bis die Trommelfelle 

an der Schädeldecke kleben. 

Stop & Go als Blitzgewitter, dann wieder 

Headbangerriffs, die man nur 

zustimmend abnicken kann, alles bei 

furiosem Gegenwind, und plötzlich 

sind wir mitten in ‚State of Shock’ von 

The Ex! ROCK’N’ROLL!!! Fast hilflos 

wirft man sich ungläubige Blicke zu. 

Ist das zu fassen!? Zwischen soviel 

gleisender Hymnik und Intensität 

stimmt Gustafsson lyrische Töne an 

und transferiert einen Schockzustand 

in einen andern. Dann wieder Noise 

as Noise can, von Håker Flaten per 

Laptop, Gustafsson mit Effekten und 

Pupillo mit stechenden, bratzelnden 

Stromkabelstörungen gekitzelt. Und 

schon wieder piano, Nilssen-Love 

boingt seinen Gong, versetzt dem Becken 

sanfte Stüber, lässt Bronzestaub 

rieseln und Gustafsson macht sich 

weich und leicht wie eine sanfte Brise, 

während der Schweiß von seiner 

Stirn längst nicht mehr tröpfelt, sondern 

rinnt. Irgendwann sind wir bei 

der dritten Zugabe, mit mehr als nur 

heißen Händen. Und das Sextett hat 

noch ein launiges Zackzackzackspiel 

in petto, die Drummer klacken im 

Wechsel Beatfolgen an, versuchen 

sich zu falschen Einsätzen zu provozieren, 

aber die Band interagiert wie 

telepathisch auf Draht. Und geht, 

wenn‘s am schönsten ist. 

Soviel für Nichtpathetiker. 

Für die andern noch ein Nachsatz: 

Unter NowJazz verstehe ich die Art 

von Jazz, die nicht schon oder noch 

Jazz IST, sondern der Prozess eines 

WERDENS, getrieben vom Willen, direkt 

am Herzen von Musik sich die 

Lippen zu verbrennen. Ein Herz, das 

vielleicht ein weißes Rauschen ist, 

oder ein schwarzes Feuer. The Thing 

und Zu sind Zarathustrier, sowohl im 

Sinne von ‚Feueranbeter‘ wie von 

Nietzsche‘anische Dionysiker. Wer 

sich fragt, wie es klingt, wenn ‚alle 

Lust Ewigkeit, tiefe, tiefe Ewigkeit will‘, 

der hätte im W71 eine mögliche Antwort 

zu hören bekommen.

JOHN ZORNS POSSESSIONS 

Würde es nicht genügen, um At the Mountains of 

Madness (Tzadik, TZ7352, 2 x CD) zu würdigen, 

wenn ich einfach nur die Namen John Zorn, Marc 

Ribot, Jamie Saft, Ikue Mori, Trevor Dunn, Joey Baron, 

Kenny Wollesen & Cyro Baptista wie Perlen 

auffädle und feststelle, dass ELECTRIC MASADA 

live in Moskau und Ljubljana 2004 alle Wünsche erfüllte, 

die Herz & Hirn an Musik richten? Dass ich 

mir in den Arsch beißen könnte, weil bereits der 

Auftakter ‚Lilin‘ alle Register eines Updates von 

Jazzrock zog, ohne mich? Wobei der New Yorker 

Komponist & Altosaxophonist nur die dynamischsten 

und spannendsten Passagen von Mahavishnu 

Orchestra, Miles, Hancock und Zappa mit seinem 

Starkstromensemble an New York Now-Cracks aufgreift. 

Von seinen 50th Birthday-Allstars ist nur der 

Naked City-Drummer Baron auch ein weiterer Masada-Mann, 

aber mit Mori ist Zorn seit wohl 25 Jahren verbunden 

und was wären seine Filmmusiken ohne Ribot und Baptista? Dunn 

mit seiner Erfahrung als Mr. Bungle- und Fantomas-Bassist, Saft als 

der Freak In-Keyboarder des Masada-Trompeters Dave Douglas, der 

New Klezmer- und Sex Mob-Trommler Wollesen, sie alle liefern die 

Synergie, um Zorns Fächer an Vorlieben so pfauenradmäßig aufzufalten, 

wie er das liebt. Jazz von Postbop bis zum schrillsten Overthe-Top-Kreischen 

auf dem Alto inklusive Naked City-Daumenkino 

(‚Hath-Arob‘), Exotica in träumerischer und schwelgerischer Opulenz, 

durchsetzt mit messianischer Hymnik (‚Abidan‘, ‚Kedem‘). Wobei 

all diese Hybridisierungen tatsächlich Zorns Vision einer New Jewishness 

entsprechen mögen, wenn ‚Jewishness‘ heißt, aus Allem 

das Beste zu machen und dabei H.P. Lovecraft mit Sabbatei Zwi, 

Marguerite Duras mit Mickey Spillane, Morton Feldman mit Carl 

Stalling und Primitiva mit Pangaea und I sing the Body Electric zu 

vermengen. Wer hat denn in den letzten Jahren Melodien zustande 

gebracht wie ‚Idalah-Abal‘ in all seiner von den Drummern zum Gipfel 

geprügelten Großartigkeit? Einen Blues wie ‚Yatzar‘, den Ribot 

herzzerreißend spielt, bevor man auf eine Enchanted Island entführt 

wird. Ribot ist trotz seiner Distanzierung von Zorns ideologischer 

Chuzpe mit ganzer Hingabe seine süßeste und seine gewaltigste 

Stimme. Für die Flohspringprozession ‚Metal Tov‘, im Vergleich zu 

der das Naked City-Original auf Radio zum folkloresken Tänzchen 

erblasst, schwingt er die Metal-Axt, um bei ‚Karaim‘, benannt nach 

dem türkischen Jiddisch und eine der innigsten Masadamelodien 

überhaupt, eines der schönsten Gitarrensoli der Instrumentalrockgeschichte 

zu erfinden. Da möchte man die Insel des vorigen Tages 

gleich noch einmal ansteuern und genau das geschah in Ljubljana. 

Sechs Stücke kehren wieder, nur zum Auftakt kommt statt ‚Lilin‘ 

‚Tekufah‘ und beamt den 74er Miles 30 Jahre vorwärts in die Gegenwart 

und Ribot fetzt dazu einen Chorus nach dem anderen mit bisher 

unerhörten Delayeffekten. Moris Zwitschermaschine war selten so 

effektiv zu hören wie mit dieser phantastischen und toughen Wuxia- 

Musik. Jesus-Lookalike Saft läuft durch ‚Abidan‘ wie mit Katzenpfoten 

über Glas, dessen Splitter Mori funkeln lässt. Und Ribot, ach 

Ribot... Seine Gitarre killt vielleicht keine Nazis, aber sie spuckt Feuer 

und sie streut Rosen und manchmal bringt sie sogar die Rosen 

dazu, aufzuflammen. In solchen Burn, Baby, Burn-Momenten wird 

auch klar, wozu eine 3-köpfige Rhythmsection besonders gut ist. Wie 

sie bei ‚Idalah-Abal‘ Zorn auf ihren Schulten so nah ans Paradiestor 

stemmt, dass er ein Loch hinein bohren kann. Davon noch ganz fiebrig, 

federt sie durch ‚Kedem‘, das den Ljubljana-Abend mit einem 

Bitches Brew-Spektrum der elektrifizerten Masada-Ingredienzen beschließt. 

‚Jewishness‘ ist nur ein Gleichnis, das Unbeschreibliche, 

hier wird‘s getan. 

7

Die spezielle Befindlichkeit von Menschen, die ihrer ‚Jewishness‘ 

‚entfremdet‘ sind, nannte Ned Rothenberg ‚Inner Diaspora‘. Bei John 

Zorn treibt dieses individuelle ‚Ausgesätwordensein‘ erstaunliche 

Blüten. Sein Anspielungsreichtum, unnötig belächelt, umfasst allein 

hier die dämonischen Töchter Liliths und Samaels (Lilin) und die 4. 

der Ägyptischen Plagen (Hath-Arob); Tekufah heißt (Jahres)-Kreislauf 

und Tagundnachtgleiche, Kedem bedeutet gleichzeitig Vergangenheit, 

Osten und vorwärts; ähnlich mehrdeutig ist Yatzar, erschaffen, 

hebr. wajjizer (1_Mos 2,7), wobei einige meinen, dass die zwei 

Jot auf das Zwiespältige der Schöpfung hindeuten (Jezer hara = böser 

und Jezer hatov = guter Trieb). 

Zorn ist permanent bestrebt, derart Disparates und In-Sich-Widersprüchliches zu 

fusionieren: The great work is the uniting of opposites - Kenneth Anger (Lucifer 

Rising), Antonin Artaud (Le Momo), Francis Bacon (Aporias), George Bataille (Leng 

Tch‘e), Hans Bellmer (Absinthe), Walter Benjamin (Angelus Novus), Joseph Beuys 

(The Nerve Key), Hieronymus Bosch (Chimeras), Luis Bunuel (Madness, Love and 

Mysticism), Ornette Coleman (Spy vs. Spy), Aleister Crowley (I.A.O.), Maya Deren 

(Filmworks X), Marcel Duchamp (Etant Donnes), Jean Genet (Elegy), Jean-Luc Godard 

(Godard), Ennio Morricone (The Big Gundown), Man Ray (Radio), Raymond 

Roussel (Locus Solus), Weegee (Naked City). Seine Mystic Fugu-, Number of The 

Beast-, Hermetic Theater- und Oulipo-Lesarten der Kabbala, die saloppe Art wie er 

das Buch Zohar zwischen dem Book of Heads und dem 7-bändigen Book of Angels 

neben das Necronomicon stellt, sein Zappen zwischen New York und Tokyo, Cartoon 

S/M, Manga-Bizarrerie und Jüdischer Überlebenskultur (The Port of Last Resort, 

Trembling Before G-d, Secret Lives) und wie er Tabu & Exil, Splatter & Romance 

ineinander blendet, das alles lässt sich kokett als TV-Sozialisation à la Tarantino 

oder Manie kurzer Aufmerksamkeitsspannen, als Chuzpe oder als dekadenter Eklektizismus 

abtun. Dabei folgt Zorn nur dem weißen Kaninchen von einer Faszination 

zur nächsten, seitdem er mit 19 sein erstes Stück komponierte und nach einem Gedicht 

von Coleridge ‚Christabel‘ nannte. Danach - ein wucherndes Aderngeflecht 

von Game Pieces, Bebop, Soundtracks, Jazzcore, Musica Nova, Fusion, Musique 

concrète, Exotica - Naked City (1989-92), Painkiller (1991-), Masada (1994-), Tzadik 

(1995-) ... William Schuman Award 2007 (mit Vorgängern wie Gunther Schuller 1989, 

Milton Babbitt 1992, Steve Reich 2000) ... 

Das Masada-Projekt ist Asher Ginzberg aka Ahad Ha‘am (1856-1927) gewidmet, 

dem Gründervater des Kulturellen Zionismus, der zu einer Renaissance 

der Jüdischen Kultur aufrief, die diasporisch verstreut, in Genisot versteckt 

oder durch Assimilierung kaschiert auf Schnitzeljäger wartet. Zorn zitiert dazu 

den Kabbala-Experten und Sabbatei Zwi-Biographen Gershom Scholem (1897- 

1982), der von „a treasure hunt“ gesprochen hat, „which creates a living relationship 

within tradition“, selbst wenn sie außerhalb des orthodoxen Rahmens 

stattfindet. Für Zorn kann der Rahmen nicht unorthodox genug sein - Sex, Crime, 

Kitsch, Werbung, Bacharach, Bolan, Gainsbourg... POWERFUL SECRETS 

are revealed through INTENSITY and EXTREMES of experience. Das Buch, in 

dem alles steht, ist zerfleddert in Fitzelchen, wie sie auf den Masada-Covers zu 

sehen sind. Die Gnosis des Isaak Luria (1534-1572) erklärt diesen Zustand mit 

dem Schebirath ha-kelim (dem „Zerbrechen der Gefäße“) und sieht den Erlösungsweg 

in Tikkun olam („Wiederherstellung“), von der auch das Buch Zohar 

spricht. Dabei geht es darum, die zerstreuten ‚Licht- / Geistfunken‘ zu sammeln 

- „You could call it stealing, you could call it quoting, you could call it a lot of 

different things.“ Soviel zu Zorns ‚Eklektizismus‘. Es geht um „spiritual possessions“ 

im Sinne von Besitz- und Eigentum - aber vielleicht auch von Besessensein 

(wie im kabbalistischen Konzept des Ibbur) - , wobei Ha‘am das explizit 

nicht auf einen ‚Staat Israel‘ bezog, sondern auf Sprache und Literatur, auf ein 

‚Imaginäres Israel‘, ein ‚Inneres Israel‘. Jedes Fitzelchen Text ist dabei Teil eines 

größeren Puzzles, jeder Text ist Interpretation und wieder Gegenstand von 

Interpretation, Glied in einer Midrash-Kette, die um etwas Unnennbares kreist, 

das so bewusst gehalten wird. Zorn beschrieb Spillane als „a kaleidoscopic 

rollercoster ride through an imaginary narrative.“ Auch sein Lebenswerk als 

Ganzes ist damit treffend charakterisiert. 

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Die Six Litanies for Heliogabalvs (TZ 7361) hat Zorn Varèse, Crowley 

und Artaud gewidmet, aus dessen Héliogabale ou L’anarchiste couronné 

von 1934 er den Hinweis pflückte, den berüchtigten römischen 

Kaiser (+ 222) nicht als madman zu betrachten, sondern als 

rebel. Als Marcus Aurelius Antoninus war der gerade mal 13-jährige 

Teenager Kaiser geworden und durch seinen Versuch, sich selbst 

als der androgyne Elagabal des Sonnenkultes zu vergöttlichen ein 

Stein des Anstoßes für alle, die Rom lieber als Phantasma aus Disziplin 

und ‚männlichen Tugenden‘ bewahren möchten. Zorn streut 

ihm mit seinen Six Litanies Rosenblätter, wie schon Lawrence Alma- 

Tadema, der mit The Roses of Heliogabalus (1888) eine sadomasochistische 

Phantasie der Decadence ausgemalt hatte - unter 

Rosenblättern zu ersticken. Allerdings sind Zorns Rosen perverse 

Blumen, wenn nicht des Bösen, dann der Schmerzlust, gepflückt im 

Garten der süßen Qualen. Mit Joey Baron, Trevor Dunn, Jamie Saft, 

Ikue Mori und dem Komponisten selbst sind 5/8 von Electric Masada 

im Einsatz, werden aber von Zorn über Naked City-Terrain gepeitscht, 

das mit Glassplittern übersät ist. Moris Werk? Safts Beitrag 

sind wenig geheure, LeVey‘sche Orgeldrones, ein sakral und doch 

schweflig angehauchtes Pathos. An Naked City gemahnt vor allem 

die hysterische Zickigkeit von Zorns Alto und der Yamatsuke Eye- 

Kecak von Mike Patton. Patton ist der Hohepriester dieses Elagabal- 

Kultes und die A capella-‚Litany IV‘ von gut 8 Minuten ein irrwitziger, 

ein wahrhaft gott-kaiserlicher Eintrag im Book of David Moss. Und 

eine Huldigung an Artaud, die ihresgleichen sucht. Ansonsten singt 

und schäkert auch ein 3-stimmiger Frauenchor zu Füßen des Kaisers, 

sonnenhaft und im grössten Kontrast zur unheiligen Helterskelter-Musik, 

die von Baron & Dunn‘schen Metal-Dämonen 

durchzuckt und durchstampft wird. In einem Moment silbriges Gefunkel 

zum Aaah und Oooh der zarten Frauenkehlen und blitzartig 

im nächsten zerSCHRIIIIIIILLT das Universum unter Stromschlägen. 

Jede der Litanies wird von solchen Kontrasten und Schocks gespalten 

und ist doch untrennbar wie ein Terminator T-1000. Die groteske 

und in meinen Ohren doch schaurig-schöne Hochzeit von Hildegard 

von Bingen und Fantomas, von Rosenblüten und Vulkanschlacke, 

von Pathos, Bizarrerie und Gelächter sollte als einer von Zorns 

geglücktesten Versuchen, Gegensätze zum Tanzen zum bringen, 

der damnatio memoria entgehen, die ihn schon zu Lebzeiten als 

hemmungslosen Hochstapler und musikalischen Barbaren abschreiben 

möchte. 

9

B E L G I A N S O U N D S C A P E S 

Brüssel, 1977. Marc Hollanders und Vincent Kenis’ Gruppe mit dem mysteriösen 

Namen Aksak Maboul reißt thematisch, in aller Form des inszenierten 

Größenwahns, an, was dann wenig später in Großbritannien intellektuell en 

vogue sein wird, als das clever inszenierte Label PUNK vom Working Class 

Hero zum Art-School-Studenten transferiert wird: Eklektizismus, Internationalismus, 

freie und spielerische Vermischung von Formen, Kulturen und Genres 

(so wird das in den Anmerkungen zu Onze Danses Pour Combattre La Migraine, 

der ersten Platte, treffend zusammengefasst). Danach, und bis Mitte der 

1980er Jahre, ist Brüssel tatsächlich die ideale Stadt, um sich nochmals an 

den verschütt gegangenen Kunsttheorien und Utopien des auslaufenden Jahrhunderts 

abzuarbeiten - Situationismus, Lettristen, Debord, Dada, Artaud, Surrealismus, 

Futurismus, Heartfield beispielsweise - und diese musikalisch mit 

den Visionen des New Wave und neuen technischen Möglichkeiten zu konfrontieren. 

Nur logisch, dass sich mit der Gründung von Crammed Disc auch das 

R.I.O. / Recommended-Umfeld von der Ausrichtung und den Idealen des Labels 

angesprochen fühlt, denn theoretisch aufgeladen und abstrahiert kann auch 

die linientreue Linke sich dem Punk, bzw. im Falle von Hollander und Kenis der 

Freiheit des (genialen) Dilettantismus, ungefährdet annähern. Jauniaux, 

Berckmans, Leigh, Chenevier, Cutler und Frith spielen in den Reihen von Aksak 

Maboul und zum großen Teil auf dem zweiten Album Un Peu De L’áme Des Bandits. 

Die ersten Veröffentlichungen auf Crammed - außer den beiden Aksak 

Maboul-Alben z.B. Honeymoon Killers, Benjamin Lew, Minimal Compact, Tuxedomoon, 

Zazou/Bikaye, Deyhim/Horwitz, Hermine - sind dann vergleichbar mit 

der Aufbruchzeit von Rough Trade: Blueprints und Referenz für Vieles, was 

noch kommen wird. 

Michel Duval, Bennoit Hennebert und Annik Honoré rufen Les Disques Du 

Crépuscule 1980 ins Leben, und was zuerst als Factory Benelux konzipiert 

ist, schlägt schnell einen anderen, konsequenten Weg ein. From Brussels With 

Love, als Kassettenbeilage für den N.M.E. kompiliert und um textlastige Theorie 

ergänzt, gibt die Richtung vor, die später Labels wie Touch und Leaf mit einer 

ähnlichen Verschmelzung von Ästhetik und Musik verfolgen werden. Und auch 

heute noch erscheint das, was für diesen Sampler an Ideen in die Waagschale 

geworfen wurde, aktuell, clever und zeitlos; was auch immer uns das über die 

letzten dreißig Jahre Musikgeschichte sagen will. Wim Mertens, Michael Nyman, 

Glenn Branca, Marc Ribot, Cabaret Voltaire, Current 93, Ludus, Arthur 

Russell, Isabelle Antena und (auch)Tuxedomoon - die auf beiden Labels veröffentlichen 

- sind einige der Stilisten, die den Hipfaktor zwischen Kunst und Philosophie, 

Pop und Avantgarde kontinuierlich neu ausloten, justieren und vor allem 

auch mit der entsprechenden Verpackung versehen. Über die Jahre erweitern 

sich die Tätigkeiten von Les Disques Du Crépuscule um Buchpublikationen, 

Videoproduktionen bis, konsequenterweise, zu Ausflügen in die Modewelt. 

Seit 2004 liegt LDDC brach. 

Crammed Disc pflegt seit einigen Jahren seinen Backkatalog, ist aber, wie 

man weiß, vor allem zu einem der etabliertesten World-Music Labels in Europa 

aufgestiegen. Der Nachlass (?) von Les Disques Du Crépuscule wird kompetent 

von James Nice, einem Schotten, der in den erwähnten wegweisenden Jahren 

selbst in den Reihen des Labels arbeitete, betreut und ständig erweitert. Seinen 

Versuch, in den 1990ern einem “richtigen Beruf” (Anwalt) nachzugehen, 

hat er, wie soviele andere der damals Infizierten, wieder der Romantik der 

Selbstausbeutung und seinem Label mit dem bezeichnenden Namen Les 

Temps Moderne geopfert. 

In einer Stadt wie Brüssel (und in Belgien überhaupt) steht die Nostalgie allerdings 

nur bedingt im Kurs. Außer Carbon 7 mit seinem offenen Labelraster 

für Altes und Neues, das von den beiden ehemaligen Univers Zero-Musikern 

Andy Kirk und Guy Segers betrieben wird, und Sub Rosa, das die Industrial- 

Wurzeln um kontemporäre Klassik und Geräuschmusikpioniere ergänzt, gibt es 

bei den jungen, meist ebenfalls von Musikern gegründeten Mikro-Unternehmen 

wie matamore recordings., Stilll, (K-RAA-K)3 in Gent oder Ultima Eczema 

und Audiobot in Antwerpen wenig Bezugspunkte zur Historie. 

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Blessed By Sleeplessness: Half Asleep 

“Langsam begegnet eine Melancholie, die eine Melancholie durchquert, einer weiter entfernten 

Melancholie, die vergeht und sich in eine neue Melancholie verlängert “ 

Henri Michaux, Erste Eindrücke 

Mit schon drei bei verschiedenen Mikrolabels in Brüssel und 

Frankreich erschienenen Alben ist Valérie Leclerq alias Half 

Asleep für eine weitere Facette der gleichermaßen heterogenen 

wie individualistischen belgischen Szenerie verantwortlich. Träfen 

die (von der dortigen Presse behaupteten) Vergleiche mit der 

New Weird (?) Folkscene, dem mühsam heraufbeschworenen 

Hype 2007 ff, tatsächlich zu, wüßte man davon wahrscheinlich 

auch außerhalb des frankophonen Teils Europas. Der (musikalisch) 

reklusive, welt-verstreute Zirkel von Einzelgängerprojekten 

wie jene von Cécile Schott (Colleen), Islaya, Es, Matt Elliott, 

Murcof, Bark Psychosis beispielsweise, die vornehmlich von Labels 

wie Leaf, Fonal oder Ici D’ailleurs gehegt und gepflegt werden, 

scheint aber künstlerisch eher der ihrige zu sein. In der Musik 

von Half Asleep gibt es zwar bisweilen durchaus folkige Anleihen, 

aber ebenso wie auch kleine satieeske Miniaturen auftauchen 

haben die meist langsamen und mit Gitarre und Klavier gespielten 

Stücke alle mehr als einen Hauch europäischer Strenge 

geatmet. Der spröde, manchmal gar liturgisch schwere Grundton, 

und das dunkle Timbre der Stimme tun das Übrige. “Low hatten sicherlich 

einen großen Einfluß auf mich ausgeübt, indem sie mir 

den Mut gaben diese ruhige und langsame Musik zu spielen, die 

ich spielen wollte. Ich mag Tara Jane O’Neill, sie ist aber mehr 

eine Klangforscherin und kreiert musikalische Landschaften, 

während ich mehr an Melodien interessiert bin. Strukturen sind 

sehr wichtig für mich; mit zwei oder drei Akkorden kann ich nicht 

zufrieden sein, ich würde immer den Eindruck haben, dass der 

Song nicht fertig ist und etwas fehlt. Es erscheint mir deshalb 

auch bizarr, wenn man meine Musik als einfach beschreibt. Vielleicht 

bringt man da Simplizität und Minimalismus durcheinander. 

Klassische Musik ist nicht auf bloße Akkorde aufgebaut, sondern 

auf Variationen, auf erzählende Melodien, die sich ständig entwickeln. 

Das inspirierte mich auf die eine oder andere Weise. Ich 

habe keinen klassischen Background, ich kann Musik weder lesen 

noch schreiben, aber ich besuchte Musikstunden für fünf Jahre 

als ich klein war. Dies war eine spezielle Schule, in der wir lernten 

zu hören und zu spielen, aber keine Stücke zu lesen, es war eine 

sehr intuitive und spontane Annäherung.” Half Asleep's Musik hat 

grundsätzlich mehr eine Überwachheit als Somnolenz im Sinne. 

Diese scheinbar desperate Stimmung ist ähnlich den Geisterschiffelegien 

Elliotts' mit einem unwirklichen Unterton aufgeladen; 

die Geschichten Valérie Leclerqs sind zudem meist surrealironischen 

Gehaltes, so dass in der Kombination eine weitere Illusion 

einer leicht verschobenen Parallelwelt entsteht, die mich immer 

irgendwie an die Atmosphäre von Henry James’ Turn Of The 

Screw erinnert (z.B. in der Interpretation von Nicos’ Secret Side, 

in der der Gotikcharakter mit einer brüchigen Ambivalenz unterlegt 

ist). “Die Texte sind fragmentiert und visuell. Ich bin fasziniert 

von absurden Dramaturgen und Schreibern wie Henri Michaux, 

Breton, Ionesco, aber auch Gombrowicz oder Harold Pinter. Alles 

dort ist fragmentarisch und rhythmisch. Ich denke, Rhythmus ist 

mit am wichtigsten, es gibt dem Ganzen Kohärenz und Fluss. Auf 

der Seite der weiblichen Schreiber würde ich Virginia Woolf oder 

Janet Frame erwähnen, vielleicht Marina Tsvetaieva. Diese 

Schreiber haben mich sicherlich berührt und bewegt...Ich denke 

auch, dass Kristin Hersh eine briliante Texterin ist.” 

11

Alles beginnt mit dem Kontakt zu den umtriebigen 

Mikrokosmonauten von matamore.recordings., 

die 2000 noch vor allem 

Musik-, Bücher- und Filmbestenlisten 

zwischen Luxemburg und der Wallonie 

hin- und hersenden, aber auf der Netzseite 

auch ein Forum für Musiker einrichten. 

Inzwischen auch zum Label erweitert, 

ist ihnen außer der Zweitauflage von 

Learning to Swim, dem zweiten Album 

von Half Asleep, die Veröffentlichung 

solch uneinsortierbarer Songpoeten wie 

V.O. (Boris Gronemberger, der sich bei 

Liveauftritten von Françoiz Breut als 

sämtliche Instrumente der Welt beherrschendes 

Universalgenie herausstellte), 

Raymondo oder den Post-Rockern Some 

Tweetlove zu verdanken. matamore.recordings. 

hat sich zudem die Passion 

bewahrt, regelmäßig Konzerte in Brüssel 

und das jährliche Rhâââ-Festival zu organisieren. 

Für Valérie Leclerq ergibt 

dann das Eine das Andere. Über die Internetseite 

entstehen Kontakte zu Delphine 

Dôra, die später zur Zusammenarbeit 

führen sollten, und Vincent alias 

Dana Hilliot, einem der Betreiber von Another 

Record. Nach dem Zusenden einiger 

Demos erscheint dort das Debut 

Palms & Plums. Das dritte Album (We are 

Now Seated) In Profile wird bei dem 

schon semi-professionellen Toulouser 

Label Unique Records veröffentlicht, das 

Verbindungen zu den anderen beiden 

unterhält. “Diese drei Labels haben alle 

ihren eigenen Geist, den sie auch verfolgen, 

aber das Spezielle ist, das sie alle 

drei von Musikern betrieben werden. Für 

einen Musiker ist es gut zu wissen, dass 

er zu einem anderen Musiker spricht, die 

Freiheit und die geeignete Unterstützung 

erhält. Auch sind die Künstler und Betreiber 

der kleinen Labels sehr realistisch. 

Man weiß, dass man nicht reich werden 

wird, aber es geht darum, sich auf unserem 

bescheidenen Niveau an der Musik, 

die man liebt, zu erfreuen, und das würde 

man gegen nichts in der Welt eintauschen.” 

Zugesicherte künstlerische Freiheit heißt 

allerdings nicht, dass sich auch das Geschlechterverhältnis 

angeglichen hätte. 

“Matamore und Unique haben jeweils 

eine Künstlerin in ihrem Katalog, und das 

bin ich! Bei Another-Record gab es zwei 

Gruppen mit einer Sängerin und existiert 

noch das side-project musique en marge, 

bei dem es sich um die drei “genialen” 

Künstlerinnen li, Sandra und Delphine 

Dôra handelt. Auch ist das Publikum, das 

zu den Auftritten kommt, fast ausschließlich 

ein männliches.” 

Auf der Bühne wechselt sie zwischen Gitarre, 

Bass, Klavier und setzt ein Looppedal zur Variation 

ein. “Das ist noch alles sehr ruhig und 

amateurhaft, aber ich fühle mich zunehmend 

wohler. Für die Zukunft könnte es sein, dass 

ich das Konzept erweitere, z.B. mit einer 

Gruppe spiele oder mehr improvisatorisch 

vorgehe.” 

Palms And Plums (Another Record, 2003) und 

Just Before We Learned To Swim (matamore, 

2005) sind “klassische” Wohnzimmerproduktionen, 

aufgenommen mit Mini-Disc-Rekorder 

und ein bis zwei Mikrophonen, und doch läßt 

sich schon die Komplexitität der Kompositionen, 

Melodien und inszenierten Stimmungswechsel 

in der Musik Valérie Leclerqs heraushören. 

Das im Studio aufgenommene dritte Album 

(We Are Now) Seated in Profile (unique 

records, 2005) erfährt durch eine dezente Erweiterung 

des Instrumentariums (einige Tupfer 

Trompete, Glockenspiel und Perkussion) 

und die Beteiligung von Schwester Oriane (die 

auch auf dem Debut und anfangs bei Auftritten 

partizipierte), Thomas Boudineau und Produzent 

Gilles Deles bei einigen Stücken, eine 

selbstbewusstere Umsetzung. Die Art von Musik, 

die ihr vorzuschweben scheint, ist schon 

auf dem ersten Album klar herauskristallisiert. 

Während für den Moment keine neuen Veröffentlichungen 

von Half Asleep geplant sind, 

sind einige Ergebnisse von Kollaborationen 

mit befreundeten Musikern / musizierenden 

Freunden schon dokumentiert. Mit der anarchistischen, 

auf ihre Art einem weiblichen Jad 

Fair nicht unähnlichen Delphine Dôra entstand 

2005 die EP For Christmas. “Delph arbeitet auf 

eine sehr spontane Art und Weise, sie hat ihre 

völlig eigene musikalische Welt, verrückt und 

berührend zur gleichen Zeit, in der praktisch 

alles erlaubt ist. Ich schätze es sehr mit ihr zusammenzuarbeiten, 

das ist wie Alkohol trinken, 

die Selbstkontrolle wird beeinträchtigt 

und die Verkrampftheit reduziert.” Auf dem 

aktuellen Album besagter Delphine Dora 

(Delphine Dora & Friends, Greed Records) 

partizipiert neben ihr selbst auch Jullian Angel. 

Auch auf dessen eigenem, schwer psychedelisch-folkigen 

Album Life Was The Answer 

steuert sie zwei Gesangparts bei. Schließlich 

besteht, seit man sich auf dem Rhâââ- 

Festival 2005 kennenlernte, auch Kontakt zu 

Matt Elliott; bei einigen Auftritten in diesem 

Jahr spielte sie in seiner Band. 

weitere infos: 

www.halfasleep.be; 

http://myspace.com/halffasleep (sic!); 

www.uniquerecords.org; 

www.matamore.net; 

www.another-record.com/delphine; 

http://www.jullian-angel.tk; 

http://www.ikerspozio.com 

12

Ignatz – The Gloom Of The Darkest Day 

Steigt man an der Gare Du Nord aus dem Zug, bekommt 

man, sobald man der schmierigen Vorhalle entkommen ist 

und in den Himmel von Europas Hauptstadt blinzelt, einen 

ersten Eindruck von dem, was die Einheimischen Bruxellisation 

nennen. Schaerbeeck; städtebauliche Verwahrlosung, 

mit dem Ziel, die eigene Vergangenheit zu zerstören, 

um mit der Zukunft zu experimentieren; Art Nouveau, High 

Tech-Coolness, großangelegte Parks aus Zeiten Kaiser 

Leopolds II, Ruinen, wild durcheinander gewürfelt und an 

den Ringstraßen als gemeinsamer Nenner zur überdimensionierten 

Tankstellen- und Shopping Mall-Landschaft verdichtet. 

Von perverser Faszination, J.G. Ballard winkt vom 

Parkdeck um die Ecke, und natürlich wurde das alles schon 

längst von den ansässigen Comickünstlern aufgearbeitet. 

Gut vorstellbar, dass sich hier eine Maus vom Schlage Ignatz 

zurechtfände, die surreale Endlosigkeit der Kakteenlandschaft 

gegen die Stadtwüste eintauschend. George 

Herrimans minimalistisch-genialer Zeitungs(s)trip Krazy Kat 

aus den 1910-40er Jahren, in dem er mit bewundernswerter 

Sturheit in endlosen Variationen ein (Liebes-)Dreieckverhältnis 

ausleuchtet, ist in seiner untertrieben inszenierten 

Schlichtheit immer noch unübertroffen. Die verschlagene, 

aber 'very cute' Maus Ignatz wirft als Zeitvertreib vorwiegend 

Backsteine an den Hinterkopf von Krazy Kat, das 

diese (oder dieser?) als Liebesbeweis auffasst. Hund Pupp, 

der Polizist, sucht stets nach Gründen, die Maus einzulochen, 

damit er freie Bahn bei der Katze hat. 

Natürlich wählt Bram Devens Ignatz als alter ego für sein musikalisches Projekt. 

Die neunte Kunst war ursprüglich für ihn, der im beschaulich-langweiligen Hasselt, übrigens 

vorbildlich als Sohn kommunistischer Eltern, aufwuchs, für lange Zeit die erste 

und weitaus faszinierender als die Musik. Trotzdem, als Independent zum Mainstream 

degenerierte, landete er auch als mäßig Interessierter zwangsläufig in einer Band und 

versuchte sich an entsprechenden Weisen. Nach bescheidenem Amusement auf diesem 

Gebiet zog es ihn schnell wieder in die Abgeschiedenheit der eigenen vier Wände 

zurück; allerdings nun angefixt von der Welt der Töne. Über Experimente mit der Manipulation 

von Kassetten und exzessivem Improvisieren auf der Gitarre entwickelte sich 

nach und nach der Sound, der jetzt schon, nach zwei Alben, als unverwechselbar bezeichnet 

werden darf. Eskapismus ist dabei als Grundhaltung zu verstehen; nur so 

klingt die Musik wie sie klingt: Willkommen zu den magischen Klangfahrten ins Ignatzland. 

Bram Devens' Texte, sofern man sie aufgrund Verfremdung und Murmeln überhaupt als 

solche wahrnehmen kann, spielen mit Phrasen und Nichtigkeiten der Populärmusik, also 

dem Resultat von jahrzehntelanger anglo-amerikanischer Beschallung und sind, so Devens, 

“auf dem intellektuellen Stand eines Fünfjährigen, da ich ja nicht wirklich Englisch 

spreche”. 

Dass die Musik aber keinesfalls Cartooncharakter hat, sondern in gar seltsame und versponnene 

Soundmisanthropien führt, ist natürlich seiner Kunst geschuldet. Obwohl nur 

mit akustischer Gitarre gespielt, sind die Stücke mit Effekten und Bearbeitungen enorm 

verdichtet und mit Verfremdungen, minimalistischen Drones und irgendwo durch ferne 

Echokammern gejagte Melodien und bizarren Stimmen entstellt. Psychedelisch, wenn 

man will, aber wie alle Musik, insbesondere aber solche abstrakte, läßt sie sich nicht 

wirklich in Worte fassen. Es schimmert die Affinität für amerikanische Folk- und Rootsmusik 

- mehr aus der Faszination für deren schäbigen Low-Fi-Sound als aus Werkstreue 

heraus geboren – durch und gibt Struktur vor. Ignatz I [(K-RAA-K)3, KO49] ist so 

klaustrophobisch (und ironisch) wie nur irgend möglich; während des Entstehens von 

Ignatz II [(K-RAA-K)3, KO53] scheint Devens doch hin und wieder von seinem Zimmer in 

den Vorgarten gespäht und einen Streifen Licht abbekommen zu haben; trotzdem bleibt 

die vage Stimmung erhalten: irgendwie dunkel, hypnotisch, endlich und auf ähnlich unerklärlicher 

Weise so unheimlich wie Lynchs Hasen in Inland Empire; beispielsweise. 

13

Außer zwei Platten in den beiden vergangenen Jahren, veröffentlicht 

Bram Devens in loser Folge Momentaufnahmen aus seinem Wohnzimmer 

in Form der guten alten Kassette. “Der kreative Prozess ist vergleichbar 

mit dem beim Zeichnen. Es entstehen Skizzierungen, an denen ich herumspiele, 

ausbessere, ergänze etc. Intuition und innere und äußere Einflüsse 

tun das Übrige. Außer Gesang und Gitarre verwende ich nur einige 

Effektgeräte und einen Computer. Auch Samples, ohne die Auftritte nicht 

möglich wären, speisen sich aus eigenen Quellen. Die Möglichkeiten dieser 

rudimentären Ausrüstung sind für mich bei weitem noch nicht ausgeschöpft 

und erst, wenn ich mich wiederholen würde, müßte ich über Alternativen 

nachdenken. Speziell bei Liveauftritten läuft man allerdings 

Gefahr, bei den improvisierten Parts immer die gleiche Lösung zu 

wählen.” 

Nach dieser Schlußfolgerung ist Wiederholung also Stillstand und daher 

inakzeptabel. Die Stücke für die beiden (offiziellen) Alben wurden aus einem 

jeweils aktuellen Fundus von ihm und dem Plattenlabel nach einem 

Punktesystem ausgewählt. Was nicht Gnade in den Ohren der “Jury” fand, 

wurde, da Devens zudem den Anspruch hat, stets Aktuelles zu veröffentlichten, 

vom Computer erbarmungslos gelöscht. 

Die Verbindung mit (K-RAA-K)3 ist eine glückliche - und für belgische 

Musiker abseits des Gängigen überhaupt die momentan erste Adresse. 

Gerade hat man im Headquarter in Gent auf den zehnjährigen Geburtstag 

mit Nurse With Wound, Jac Berrocal und Maher Shalal Bash Haz anstoßen 

können. Was mit Toothpick als Kassettenlabel begann, mündete 

1997 in die Gründung von (K-RAA-K)3 und mit dem Versuch Label, Distribution 

und Promotion für andere Musiker und Konzertorganisation parallel 

nebeneinander laufen zu lassen. Seit 2002 konzentriert man sich auf 

Label und Konzertorganisation und wird mittlerweile auch staatlich 

(flämisch) bezuschusst, wodurch sich nun neben der von Dave Driesmans 

zwei weitere Teilstellen finanzieren lassen. Auf drei ausgewiesen anspruchsvolle 

Festivals – Pauze und Courtisane in Gent und (K-RAA-K)3 in 

Hasselt – kleinere Konzerte in Brüssel und Antwerpen, dem Herausgeben 

des monatlich erscheinenden Ruis-Magazin und ein halbes Dutzend Labelveröffentlichungen 

pro Jahr hat man sich nun eingependelt. 

Schnell tief im musikalischen Niemandsland von Drones, Psych, Minimalismus 

und Free Folk findet sich derjenige, der sich in den Katalog hineinhört. 

Die beiden Alben von Ignatz, spröde I und II betitelt, sind persönliche 

Favoriten, aber auch die sich als grimmige Vertreter des Death Metal 

gebärdenden, musikalisch aber merkwürdigerweise dann doom-folkigen 

Silvester Anfang, das zwischen Impro- und Geräuschmusik fungierende 

R.O.T.-Ensemble, die schön-seltsamen Psychedelic-Elektronica– und 

Gitarrenstücke des Einsiedlers Sami Sänpäkkilä aka ES ziehen nicht minder 

in den Bann. Tuk, das Projekt von Guillaume Graux geht live Verbindung 

mit visuellen Künstlern ein; die Stücke sind vorwiegend aus zerhäckselten 

und manipulierten Bausteinen aus Bekanntem entstanden 

und es wird zur Ratestunde eingeladen. Der Instrumentenbauer und Expunk 

Stef Heeren wirkt wie ein Sohn von Free-Folk Übervater David Tibet 

/ Current 93. Kiss The Anus Of A Black Cat läßt ein permanentes 

Augenzwinkern vermuten, lotet aber einen ähnlich globalen Spiritualismus 

aus. Greg Malcolm gehört zur jungen Generation von Gitarristen, 

die Improvisation im intellektuellen, Bailey'schen Sinn mit Folk verbinden. 

Und das nächste Ignatz–Album? Keiji Haino sei ein weiterer wichtiger Einfluss, 

mit Jack Rose oder Sunburned kollaborierte er schon – das 

(K-RAA-K)3-Netz macht es möglich - aber noch ist Devens mit Vorliebe 

Musiker und gleichsam talentierter Improvisierer in eigener Sache. Welche 

Drehungen und Wendungen das nehmen wird, interessiert hoffentlich 

nicht nur mich? 

mehr Infos: www.myspace.com/ignazt (sic!); www.kraak.net; www.mikro-wellen.net 

Michael Zinsmaier 

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AltrOck Productions (Milano) 

‚Alt‘ nicht wie alt, sondern wie alternativ. Marcello 

Marinone stellte 2005 dieses dritte Standbein neben 

www.agarthaprog.com und dem Sesto Art 

Rock Music Festival auf die Beine, um für sein 

Faible für Prog Rock, Rock In Opposition, Canterbury, 

Avant-jazz & Contemporary einen weiteren 

Kanal zu installieren. Der Auftakt, YUGENs Labirinto 

d‘acqua (ALT001), ist prompt ein RIO-Paukenschlag. 

Kopf des Projektes ist der 1972 in Milano 

geborene Komponist & Gitarrist Francesco Zago. 

Und was für ein Kopf. Ein wahrer Brainiac, der 

musikalische Artistik von Barock & Musica Nova 

bis Prog (bisher mit MusiCaMorfosi & The Night 

Watch) vernetzt mit philosophisch-literarischen 

Vorlieben für J. L. Borges (abgebildet im Booklet 

als Musiklauscher), C. E. Gadda, Ernst Jünger, 

Leipniz & Wittgenstein. Zagos Hausgott scheint jedoch 

Erik Satie zu sein, dem er mit AltrOck-Versionen 

von ‚Sévére réprimande‘ und ‚Danse cuirassée‘ 

huldigt. Kompositorisch setzt er jedoch vor 

allem um, was man in der Hohen Schule von Univers 

Zero, Motor Totemist Guild & Konsorten lernen 

kann. In den Bläserzuckungen von Peter A. 

Schmid, Markus Stauss & Marco Sorge, die das 

Klangspektrum von Klarinette und Sopranosaxophon 

bis Bassflöte, Bassklarinette, Subkontrabasssaxophon 

und Tubax auffächern, scheint beständig 

das Fagott von Lindsay Cooper oder Michel 

Berkmans anzuklingen. Ebenso markant und 

RIO-charakteristisch sind die Springprozessions- 

und Kniebrechrhythmen von Batteria und Bass 

(Mattia Signòs & Stephan Brunner), perkussiv angereichert 

mit Vibraphon, Marimba & Glockenspiel 

(Massimo Mazza). Dazu kommen noch eine 

Phalanx aus Piano, E-Piano, Orgel, Moog, Mellotron 

& Cembalo, Elia Mariani an der Geige und Zagos 

Gitarre und fertig ist ein mitreißendes Update von 

‚Electric Chamber Music‘, ein bereits von Motor 

Totemist Guild‘s Mastermind James Grigsby aufgegriffenes 

Etikett, das von Zappa seinen Ausgang 

nahm. Zago scheint Zappa aber auch darin nachzueifern, 

dass ein Orchester das ‚ultimative Instrument‘ 

ist. Daher sind seine Arrangements ebenso 

dicht wie komplex, wuchtig wie wendig, dramatisch 

wie sophisticated. Für Letzteres mag Satie 

Pate gestanden haben, aber die Univers Zero‘eske 

Orchestralität plündert hörbar auch Strawinsky 

und Prokofjew. Nur dass Zago davon die Essenzen 

auspresst und zudem ständig zappt und flippert - 

selbst das Titelstück dauert nur 1:21. So entstand, 

bewusst verschachtelt, ein Garten der Pfade, die 

sich verzweigen, gleichzeitig Labyrinth und Parco 

dei Monstri, manieristisch und neutönerisch, wobei 

jeder Splitter, ob der alchemistische ‚Corale 

Metallurgico‘, das groteske ‚Brachilogia‘ oder das 

dynamische ‚Quando La Morte Mi Colse Nel 

Sonne‘, das Ganze spiegelt, das zwischen Babel 

und Helipolis zuckt. In Tlön aber gilt solche Musik 

als entartet. 

15 

Auch beim zweiten Streich von AltrOck, 

Rational Diet (ALT002) von RA- 

TIONAL DIET, sind Musik und Sophistication, 

Schweinchen und Kopf ab 

eins. Der Gitarrist Maxim Velvetov, der 

Geiger Cyril Christya & Vitaly Appow 

am Fagott (+ tenor sax & accordion), 

das Exekutivkomitee eines streckenweise 

durch Cello, Keyboards, Bass & 

Drums erweiterten weißrussischen (!) 

Prog-Brückenkopfs, nehmen Bezug 

auf die Oberiuten Daniil Charms & Alexander 

Vvedensky und den ‚Zaum‘-Futuristen 

Aleksei Kruchonykh. Deren 

radikale poetische Experimente liefern 

die Munition für die Sprechgesänge 

eines vierteiligen, 2004 entstandenen 

Mittelblocks (der schon auf Audio- 

TONG als The Shameless zu hören 

war), eingerahmt durch ‚From The 

Grey Notebook‘ von 1999. In allen musikalischen 

Aspekten ist Rational Diet 

ein Nach- und Widerhall von RIO, weitgehend 

unplugged, Geige und Fagott 

oft verzopft, öfters noch synchron, als 

Doppelspitze und flügelstürmerische 

Leaders of the Pack, auf einem Fond, 

den E-Bass und Rhythmusgitarre bereiten. 

Stakkatohaft repetitive, folkloreske 

Zackenkämme, gekrähte Kinderreime 

oder lakonisch hingeworfene 

Oberiutensprüche und vor allem 

ein angriffslustiges Tempo bestimmen 

den Duktus, der fiebrig erregt flickert 

und krummtaktig vorwärts kapriolt. 

Keyboard und Schlagzeug spielen nur 

in der Rahmenhandlung eine Rolle, 

der Sound ist auch ohne sie dicht gewoben 

und die Rhythmik der musikalischen 

Sprache selbst inherent. Rational 

Diet, was ich mir als Kur durch 

Vernunft übersetze, klingt mal wie 

eine ‚Eastern‘ Version von Western 

Culture, mal wie Univers Zero, mal wie 

Cyberfolk oder wie aufgedrehte Verwandte 

von Metamorphosis. AltrOck 

knüpft mit dieser Entdeckung an 

‚Points East‘ an, eine von Chris Cutler 

1987 ausgegebene Parole, an die ReR 

heuer zum 20-jährigen mit The Points 

East Box erinnert. Auch wenn das 

neue Europa oft dem alten ähnelt, der 

Zusammenhang von Fressen und Moral 

steht immerhin wieder auf der 

Tagesordnung.

C I M P / C A D E N C E J A Z Z R E C O R D S (Redwood, NY) 

Die Familie Rusch und der Spirit Room in Rossie, NY, sind 

für Viele die erste, definitiv aber die heimeligste Adresse 

des Postbop. Wo sonst wird dieser Strang des Modern 

Jazz bekocht wie von Susan Rusch, bemalt wie von Kara 

D. Rusch, tontechnisch eingefangen wie von Marc D. 

Rusch und ans Herz gedrückt wie von Bob Rusch als ein 

Elementarteil der Great American Music, wie ansonsten 

nur der Blues. 

Auf Change-Up (CIMP #356), dem zweiten Band zu 3 The 

Hard Way (CIMP #346), danken es der Drummer MAT MA- 

RUCCI, der Soprano- & Tenorsaxophonist und Stritchspieler 

DOUG WEBB und der Bassist KEN FILIANO ihren 

Gastgebern mit ‚Riff for Rusch‘, ‚Spirit Room‘ und 

‚Upstate Connection‘. Um sich von Kalifornien bzw. 

Brooklyn aus auf den Weg in den St. Lawrence County- 

Zipfel New Yorks in ein Kaff mit kaum 800 Seelen zu machen, 

dazu braucht es ein besonderes Date. Aber Bob 

Rusch hatte bei Marucci die Bestellung „your originals... 

maybe one standard... no compromises“ aufgegeben und 

da sind 3000 Meilen kein Thema. Der Mehrwert für Body & 

Soul besteht im absoluten Rapport der Drei und in den 

quicken, hellen, melodiösen Schnörkeln, die aus Webbs 

Rohr sprudeln wie aus einem Wasserspeier, der Freude 

und Überfluss symbolisiert. Den ‚Spirits‘ jedoch opfert 

und dankt man bluesig und innig. 

Gut 9 Wochen später, live in der Savanna‘s Lounge in 

Sacramento, CA, zupfte mit Kerry Kashiwagi wieder eine 

verlässliche Westcoast-Cat den Bass im MAT MARUCCI 

- DOUG WEBB TRIO. No Lesser Evil (CJR 1203) hatte lediglich 

zwei der neuen Spirit Room-Stücke im Programm, 

dafür aber gleich ein halbes Dutzend Oldies-but-Goodies, 

von ‚A Night in Tunesia‘ über ‚You‘ve Changed‘ bis ‚Take 

5‘. Eine typische Mischung, bereits als „tame and tuneful“ 

gelobt, ausdrücklich weil sie Zuhörern, die wohl Jazz am 

liebsten in Bernstein gefasst hören, nicht zumutet, eine 

‚Erfahrung‘ zu machen. Schluck. 

Ist ein Piano involviert, dann muss CIMP in die Gilbert Recital 

Hall der St. Lawrence University in Canton ausweichen, 

ein ganzes Stück weit nordöstlich auf der US Route 

11. Dort entstand Ota Benga of the Batwa (CIMP #357) als 

ein erneutes Tête-a-tête des Pianisten DAVID HANEY 

mit dem Posaunenveteranen JULIAN PRIESTER. Sie 

lassen bei ihren intimen und lyrischen Meditationen einen 

Gedanken an Bebop erst gar nicht aufkommen. Dafür 

brüten sie, meist verhalten, oft leise, in Thema und Variationen 

und gedämpft Gershwin‘esken Tonfarben über das 

Schicksal des Pygmäen Ota Benga (1884-1916), der 1906 

auf der Weltausstellung in St. Louis als exotisches Exponat 

und anschließend im Zoo der Bronx als kuriose Attraktion 

ausgestellt worden war, zusammen mit den Gorillas. 

Nach Protesten wurde er in ein Waisenhaus für 

Farbige abgeschoben, von einer Familie aufgenommen 

und als er es nicht mehr aushielt, vielleicht weil er von 

seinem Lebensraum abgeschnitten ‚Like Dersu Uzala‘, 

der kirgisische Nomade, zu ersticken drohte, da verbrannte 

er seine Kleider und schoss sich eine Kugel in 

den Kopf. 

16

Für The Crookedest Straight Line (CIMP #358) erweiterte 

der Trompeter & Flügelhornist John Carlson das von Jay 

Rosen an den Drums, François Grillot am Bass und dem 

Leader an seinem Sopranosax geformte Trio zum CHRIS 

KELSEY QUARTET. Mit Titeln wie ‚Post Modern Times‘ und 

‚Heterophonous‘ deutet Kelsey schon an, dass er die üblichen 

Postbopformeln gerne etwas abwandelt. Mit einer Prise 

Lacy im eigenen Ton und Echos der Quirkyness der Dolphy-Ervin- 

und Coleman-Cherry-Couples in Doppelgezüngel 

dieser abwechselnd swingenden und bluesigen Brass Music. 

Kelseys quäkige Munterkeit, „a type of folk music for 

smart people“, wie er selber witzelt, nimmt schon bei ‚Poor 

Relations‘ einen klezmeresk klagenden Unterton an, aber 

statt klischeehaft jämmerlich klingt das bei ihm leicht grotesk 

und querulant. Carlson, zuletzt schon mit dem William 

Gagliardi Quintet ein Ohrenzupfer, folgt Kelsey wie ein 

zweieiiger Zwilling, ein eigensinniger Schatten, der bei seinen 

Solos den Reißverschluss aufzippt und die wahre Free 

Range Rat zum Vorschein kommen lässt. Auf Dauer sind 

das aber Striche, wie sie bei mir schon nach 1 Tasse Kaffee 

krakeliger geraden würden. Soviel zu ‚crookedest‘. 

Der aus Philadelphia stammende Jay Rosen gehört quasi 

zum Inventar des Spirit Room. Nach der August-Session mit 

Kelsey kehrte er im September schon wieder ein als Taktgeber 

des STEPHEN GAUCI TRIO neben Michael Bisio 

am Bass. Substratum (CIMP #359) zeigt den New Yorker Tenorsaxophonisten 

einmal mehr in übersprudelnder Spiellaune, 

mit der er am gleichen Wochenende auch noch CIMP 

360: Circle This (CIMP #360) befeuerte, als zweite Spitze 

des MICHAEL BISIO QUARTET neben Avram Fefer. Bei 

seinen eigenen Tunes nuanciert er auf der Skala zwischen 

Schrei und Lullabye vorwiegend die feinen Gefühlsnuancen. 

Der Löwe von ‚Threshold‘ wird zum träumerischen Koi 

bei ‚Branching Streams Flow In The Darkness‘ und ‚This 

Cannot Be Lost‘. Geschmeidig evoziert er die Blue Notes 

eines Sonny Rollins und stellt sich mit beiden Füßen in das 

Substrat, auf dem der CIMP-Postbop weitestgehend fußt. 

Aber gedämpfte Töne liegen Gauci näher als halbstark 

vollmundige, mit Bisio und Rosen als Dream Team, das ihm 

selbst in die tiefe Melancholie von ‚One That Got Away‘ und 

‚The Dead Can Only Live‘ wie ein Schatten folgt. Bisio hüllt 

diese Elegien in schwarzen Samt, akzentuiert aber als Leader 

des Releases, der einen kompletten CIMP-Zyklus vollendet, 

die Vielfalt der Temperamente. Beim Bläserduett ‚Its 

Own Universe‘ lässt er Gauci und Fever ihre Hörner aneinander 

krachen, ‚By Any Other Name‘ zupft er selbst auf 

der lyrischsten seiner Saiten. Rosen war an diesem Wochenende 

wieder einmal für alles zu haben, als Seelenführer 

bei Gaucis Traumwandlereien in die Unterwelt, als launiger 

Zirkustrommler bei ‚Island Circus‘, als Swingfeder für 

jede Buckelpiste. Mein Lieblingsmoment auf der 360°- 

Scheibe ist der Auftakt zu ‚Times That Bond‘, wenn Tenor, 

Sopran und diskante Strings noch zusammenhangslos 

‚gestimmt‘ werden, um sich dann kopfüber die Doppelhelix 

des Postbop hinunter zu stürzen. Bisio scheint die Turbulenzen 

einer Herzattacke und seines Umzugs an die Ostküste 

ohne Weiteres umzumünzen in Spiel- und Lebensfreude. 

Mit ‚CRT‘, kurz für Cardiac Resynchronization Therapy, 

lässt er keinen Zweifel daran, dass er Musik für die 

einzig wahre Medizin hält. 

17

Die direkte Bekanntschaft des Drummers 

LOU GRASSI mit der Sun Ra-Legende 

MARSHALL ALLEN geht zurück auf 

dessen PoZest-Gastspiel 1999 bei 

Grassi‘s PoBand. Auf Einladung des Festivaldirektors 

Ajay Heble kamen die beiden 

2001 erneut zusammen, Live at The 

Guelph Festival (CJR 1192) in Ontario, 

nur drei Tage vor 9/11. Grassis Bruder 

entkam dem Crash der Twin Towers nur 

knapp und über dem familiären Schock 

geriet die Einspielung auf die lange Bank. 

Jetzt aber lässt sich mitverfolgen, wie der 

damals 77-jährige Altosaxophonist das 

Sax-Drums-Format, wie vorher bereits 

Braxton mit Max Roach bzw. Andrew Cyrille 

oder Lyons mit ebenfalls Cyrille, auskostet 

in jenem Geist der Freiheit, der 

das Legat von John Coltranes Weltraumspaziergängen 

mit Rashid Ali ist. Dabei 

genügt Allen, ähnlich wie Coltrane, schon 

banaler Stoff wie ‚When You Wish Upon a 

Star‘ und ‚Prelude to a Kiss‘ als Sprungbrett 

für seine Expressionen, neben drei 

Ausflügen ins Blaue. Ganz vorsichtig tasten 

sie sich auf die ‚Far Side‘ hinüber, Allen 

mit zarten Flötenlockrufen, Grassi mit 

klappernden Muscheln und weichem Fingerspiel. 

Allen ist kein Wild Man from Saturn, 

obwohl ihn manche wegen seiner 

Over-the-Top-Soli im Arkestra so einschätzen. 

Feuerspucken ist nur die ultima 

ratio musikalischer Totalität, deren 

Kugelform Grassi & Allen ausloten. Nur 

um ihre Unergründlichkeit bestätigt zu 

finden. In ‚Blues for Two‘ verwischt Allen 

den Unterschied zwischen träumerischen 

Tönen und aufgekratzt ekstatischen 

in einem Atemzug. Grassis Feinarbeit 

dazu hat etwas Tatzenförmiges. Seine 

tapsige, pelzige Manier, seine Zwischensprints 

mit trommelnden Pfoten 

sind unverwechselbar. Bei ‚The Spirit of 

the Day‘ schiebt er tickelnd einen Vorhang 

zur Seite und rührt dazu sein Tambour-Trommelchen. 

Allen schreitet hindurch, 

ein feinstoffliches Geistwesen, 

schrill und kapriziös, aufbrausend an der 

langen Kette, mit der Grassi rasselt, als 

ob er andeuten wollte: Wehe, wenn ich 

loslasse. Im Ellington-Song gibt sich Allen 

schmusig, aber nicht ohne dass sein 

Temperament aufblitzt, vor allem wenn, 

wie beim abschließenden ‚Boma‘, Grassis 

Gerumpel ihn noch anstachelt. 

Adam Lanes Zero Degree Music-Trio mit Vinny 

Golia & Vijay Anderson hat am 25.2.2005, 

direkt im Anschluss an seine Spirit Room-Session, 

verstärkt mit dem Trompeter Paul Smoker, 

gleich auch noch als ADAM LANE 

QUARTET Buffalo (CJR 1193) eingespielt. 

Kein Wunder also, dass erneut ‚Spin with the 

EARth‘ erklingt, ‚Without Being‘ und das hymnische 

‚Free‘. Smoker war schon in Lanes 

Fo(u)r Being(s)-Quartett aufgetaucht. Sein 

schmissiger Ton neben Golias Tenorsaxgeknatter 

verändert Lanes ganze Taktik. Zwei 

Stürmer erlauben völlig andere Spielzüge, 

verdoppeln den offensiven Charakter und ermöglichen 

Zangenangriffe. Theoretisch. Aber 

kaum hat Golia den Ball, tribbelt er drauflos 

und hört nicht mehr auf. Toll anzuhören, aber 

halt doch das Übliche, denn Smoker macht‘s 

umgekehrt genauso. Primadonnen und tüchtige 

Wasserträger. Zwei starke Trios, aber ein 

Quartett? Spannend wird es, wenn sich die 

Bläser überschneiden, erstmals nach 10 Minuten 

und das nur beim fliegenden Wechsel 

zum Trompetensolo. Das schon nach zwei Minuten 

von einem federnden Zupfbasssolo abgeschnitten 

wird. Die Bläser biegen synchron 

auf die Zielgerade ein, Golia bringt noch ein 

paar Verzierungen an und die Erdumdrehung 

ist komplett. Die Aufnahme ist im Unterschied 

zum idiosynkratischen O-Ton aus dem Spirit 

Room absolut bassfreundlich. Lanes Arcointro 

zu ‚Without Being‘ ist auch unter diesem 

Aspekt erstaunlich. Die Bläser intonieren diese 

Elegie anfangs gemeinsam und lenken den 

Blick dorthin, wo die Erde sich von uns wegkrümmt. 

Smokers schnattriges Zackenkammsolo 

ist eines aus dem goldenen Buch. Wenn 

Golia dann als Sopranolerche aufsteigt, ist 

immerhin der Kontrast so bemerkenswert, 

dass man die Plattenbauweise dieser Musik 

eine weitere Viertelstunde wie die Himmelsschraube 

von Samara anstaunt. Beim dunklen 

Memento ‚In Our Time‘ in seiner dröhnend kakophonen 

Konsonanz kehrt endlich Magie in 

diese Musik ein. Die sich aber mit dem abschließenden 

Uptempo-Ständchen ‚Lucia‘s 

First Breath‘ gleich wieder auf das hohe Niveau 

ihrer Routine eingroovt. Nicht dass ich 

glaube, dass man diese Musik besser spielen 

könnte und dass sie das Leben nicht angenehmer 

macht. Aber when it was all over I 

said to myself, is that all there is? If that's all 

there is my friends, then let's keep dancing. 

Let's break out the booze and have a ball. If 

that's all there is to magic music. 

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CREATIVE SOURCES RECORDINGS (Lisboa) 

Thomas Pynchons Against the Day, dem mit „It‘s always night, or we 

wouldn‘t need light“ ein Ausspruch von Thelonious Monk voran gestellt 

ist, beginnt mit dem Start des ‚hydrogen skyship‘ Inconvenience mit den 

Chums of Chance an Bord. Als GROSSE ABFAHRT haben sich ebenfalls 

gleich acht ‚Freunde der Fährnis‘ zusammengetan, um sich mit erstes 

Luftschiff zu Kalifornien (CS 065) den Balken des Himmels anzuvertrauen. 

Das nicht sattelfeste Deutsch scheint gewollt und ist wohl den Copiloten 

Serge Baghdassarians & Boris Baltschun (beide electronics) geschuldet. 

Zusammen mit Chris Brown (piano & electronics), Tom Djll 

(trumpet), Matt Ingalls (clarinet), Tim Perkis (electronics), Gino Robair 

(analog synthesizer) und John Shiurba (guitar) brechen sie mit einer 

Handvoll Strohhalme einem 450 Fuß langen Proto-‚Zeppelin‘ das ‚Genick‘. 

Die überwiegend kalifornische Crew nimmt nämlich mit den Titeln ‚am anfang 

Zerstörung‘ und ‚Morrell remained hopeful‘ Bezug auf the first 

airship disaster in the U.S. In 1908 in Berkeley, Cal. a 450-foot long balloon 

collapsed and exploded, injuring 15 passengers and the inventor, 

John A. Morrell. Statt Action und Abenteuer vermittelt das Oktett jedoch 

nur die seltsam dünne Luft im Innern von ‚ein dicker gas bag‘. Ihre extrem 

rationierte Geräuschwelt scheint permanent auf Notstrom zu laufen. Jeder 

einzelne Klang ist ein Phänomen, das im Vorüberdriften einem zuwinkt 

wie eine verlorene Seele, leichter als Luft, durchsichtig und schon 

nicht mehr von dieser Welt. Mich, eh nicht schwindelfrei, beutelt doppelter 

Höhenkoller in solch gespenstischen Höhen, nur durch eine dünne, 

poröse, fadenscheinige Schallfolie vom Nichts getrennt. 

Dass E. Rodrigues die diskrete Ausrichtung seines Label nicht puristisch 

hütet, zeigt sich einmal mehr mit The Long And The Short Of It (CS 091). 

Denn der Sopranino- & Altosaxophonist STEFAN KEUNE (*1965) und 

seine Partner, der Drummer ACHIM KRÄMER (*1955) und der Kontrabassist 

HANS SCHNEIDER (*1953), sind alle drei altgediente Bergleute 

und Froschmänner im Who is Who des Plinkplonk. Keune, der mit seinem 

Solo Sunday Sundaes (CS 030) bereits das Lissabonner Terrain sondiert 

hatte, ist im Duo mit John Russell und mit dessen Projekt Quaqua seit 

Jahren direkt verlinkt mit dem britischen Way of Improvising. Krämer & 

Schneider sind sogar seit noch Längerem schon Kumpel im Georg Gräwe 

Quintett und im Grubenklangorchester, Schneider ist daneben auch noch 

in Quatuohr zu finden und immer wieder an der Seite von Paul Lytton, 

Krämer heuer in Moers bei Eckard Koltermanns Border Hopping. Die 

Hauptparameter ihrer Ästhetik als Trio sind daher nicht ‚Geräusch‘ und 

‚Reduktion‘. Im Gegenteil. Weitgehend maximalistisch spritzen sie mit quicken 

und quirligen Klangverwirbelungen um sich, interagieren mit abrupten 

dynamischen Changes. Im Austausch der Incus- & Bead-Versuchsreihen 

mit Soundaspekten der kontinentalen King Übü Orchestrü-Schule 

des Ungehorsams werden quasi Lachenmann‘sche Partituren mit der 

Virtuosität von Varietékünstlern oder Falschspielern wie Asse aus den 

Ärmeln geschüttelt. Das Cover zeigt Stapel alter Säcke. Nichts könnte irreführender 

sein, um das ständige Funkeln und Blitzen in der Trioretorte 

zu illustrieren. Selbst abgeflachte und gepresste Passagen wie etwa der 

lange Ausklang von ‚In due form‘ oder das molekular ausgedünnte ‚Three‘ 

und selbst ‚On the quiet‘ sind noch durch ihre Äquivalenz zu 

Pollock‘scher Expressivität geprägt. 19

Das Schweizer SIGNAL QUINTET hat von seiner Japantour 

2006 Yamaguchi (cut 021) mitgebracht, einen Livemitschnitt 

aus der gleichnamigen Stadt an der äußersten 

Südwestspitze der japanischen Hauptinsel Honshu, genauer, 

aus dem dortigen Center for Arts and Media. Das YCAM 

operiert mit der Agenda, Zugang zu bieten to the world 

view of the 21st century, that is, a new universe of information, 

which is made possible through the fusion of information 

society, electronic and networking technologies. 

Das Quintett, bestehend aus Jason Kahn, Tomas Korber, 

Norbert Möslang, Günter Müller & Christian Weber, ist elektroakustisch 

bestückt mit Analogsynthesizer & Percussion, 

Gitarre & Electronics, geknackter Alltagselektronik, Ipods 

& Electronics und Kontrabass. Fasst hätte ich ‚einfach 

Kontrabass‘ geschrieben, aber was Weber mit seinem Instrument 

hier macht, ist alles andere als schlicht. Etwas 

anders zwar als sein Spiel mit Day & Taxi, WWW oder Olaf 

Ton und anders auch als im Spiel mit Meursault und TGW, 

mit Kahn oder Yamauchi, wo er sich aufs Feinste auf 

Dröhnminimalismen einpendelt. Während seine vier Partner 

einen Elektronensturm anfachen, ein anschwellendes 

Sirren, Knurschen, Zwitschern, Schleifen, Pulsieren, Splittern 

und was sonst an subatomaren Delirien, in Schallwellen 

verwandelt, denkbar ist, meine ich Weber herauszuhören 

mit dunklen Plonks. Sie sind nur identifizierbar durch 

die paar Sekunden an der Rückseite des vorübergezogenen 

Sturmes, als stoische Noten, die Stand hielten, weil sie 

dem Sturm zugeneigt waren. Der dritte Flügel dieses Mikronoise-Triptychons 

zeigt, wie auch der Auftakt schon, 

wieder die Alltagsgeräusche am knisternden und wabernden 

Ground Zero des Krauchens & Flauchens, des Aasens 

& Wesens der werdenden und vergehenden Dinge. Und ist 

fast so prickelnd, wie wenn man das Ohr über ein Glas 

Sprudel neigt. 

Ellen Fullman + Sean Meehan (cut 022) beschert die Begegnung 

mit einer der Größen des Long String-Sounds. 

ELLEN FULLMAN, 1957 in Memphis, Tennessee geboren 

und heute in Seattle zuhause, mag zwar als Baby von Elvis 

geküsst worden sein und am College Janis gemimt haben. 

Berühmt wurde sie ab 1981, als sie in Brooklyn die Faszination 

dröhnminimalistischer Vibrationen entdeckte und 

ihr Long String Instrument erfand. Sie erzeugt mit 14 Meter 

langen Drähten, die sie mit kolophoniumbestäubten Fingern 

bespielt, Mikrotonschwingungen, die im Klangbild 

zwischen Glasharfe, Mundharmonika, Akkordeon und Orgelhaltetönen 

vexieren. Ihr Partner, SEAN MEEHAN, ist in 

New York aktiv als ‚abstract drummer‘ und Ultraminimalist. 

Nur mit Snaredrum und Cymbal macht er Sachen, wie sie 

auf Sectors (For Constant) (SoSEDITIONS) zu hören sind. 

Während Meehan ansonsten einem gerne zumutet, auch 

lange Stille auszuhalten, gibt es hier drei je durchgängige 

Haltetonbeben. Nur zwischendurch hört man kurz die Außenwelt. 

Fullman formt wie ein Glasbläser riesige Tonblasen, 

Kugeln und Glocken, wie sie im Garten der Lüste als 

Lustspender zu sehen sind. Meehan bringt seine Schnarrtrommel 

zum Beben oder nutzt das Sustain und das Wash- 

Rauschen eines Beckens (vermutlich, indem er mit einem 

Geigenbogen über die Kanten streicht). Sagte nicht einer 

mal: Die Welt ist Klang? Zumindest ist Physik a many-splendored 

thing, so simpel und ungeheuer effektvoll. 

20 

C U T (Zürich)

empreintes DIGITALes (Montréal) 

Der nickelbebrillte DARREN COPELAND, 1968 im kanadischen 

Bramalea geboren, fungiert als Artistic Director of 

New Adventures in Sound Art (NAISA) in Toronto. Die Kollektion 

Perdu et retrouvé (IMED0683, DVD-A) umfasst 6 Arbeiten 

der Jahre 2001-03, ergänzt mit zwei früheren Werken 

von 1991-92. Der Auftakt ‚They‘re Trying to Save Themselves‘ 

ist ein übler Fall von Ploitation, der den hysterischen 

CNN-O-Ton einer Augenzeugin von 9/11 verwurstet. Find 

ich Scheiße, sorry. Eigentlich tendiert Copeland auch zu 

eher abstrakten Sound- und Dreamscapes, wobei er 

‚falschen Fehlern‘, unerwünschten Anomalien, ein Gastrecht 

einräumt oder sogar ein ganzes Stück daraus baut 

(‚The Wrong Mistakes‘). ‚Streams of Whispers‘ hastet haspelnd 

über eine wordsoundartistische Wendeltreppe aus 

Gewisper; ‚On Schedule‘ dreht sich um Eisenbahngeräusche 

und die Strecke von London nach Moskau; das prasselnd 

überrauschte ‚Early Signals‘, entstanden zum 100. 

Jahrestag der ersten transatlantischen Radioübertragung, 

um die Radiopioniere Marconi und Eckersly; ‚On a Strange 

Road‘ mit seinem Dröhn-‚Gesang‘ aus Regengeräuschen 

und Dopplereffekten ums Dahin-Fahrn-Fahrn als Autobeifahrer. 

‚Faith-Annihia‘ verdichtet als ‚urban soundscape‘ im 

abrupten Wechsel krachige Attacken und stille Löcher zu 

Großstadtstress. In Alltagsstoffen öffnen sich leichter die 

Freiräume, in die Copeland die Imagination locken möchte, 

als im schockästhetischen Effekt. Seine abstrakten, vagen 

oder ‚unmöglichen‘ Phantasielandschaften mögen sogar 

als „new ground of experience... to cultivate sensitivity“ 

taugen mit dem Idealziel ‚Always Becoming Somebody Else‘. 

BAs letzte Begegnung mit ADRIAN MOORE liegt auch 

schon wieder gut 5 Jahre zurück, als wir Traces belauschten, 

frühe Arbeiten des Akusmatikers aus Nottingham, der 

bei Jonty Harrison studierte und nun selbst als Lecturer in 

Music an der University of Sheffield den akademischen 

Nachwuchs elektroakustisch düngt. Rêve de l‘aube 

(IMED0684) präsentiert nun zwei ca. 14-min. Kompositionen 

von 2004, ‚Dreaming of the Dawn‘, das mit Emily Dickinson- 

Flair orchestrale Klänge einkocht, während das heftige 

‚Power Tools‘ auf den transformierten Geräuschen von Rasenmäher, 

Heckenschneider und eines Stahlwerks in Sheffield 

basiert. Das nur 7-min. ‚Piano Piece (for Peter)‘ für Piano 

und Tonband entstand, mit Denis Smalleys Piano Nets 

und der Klaviersonate No.6 von Skrjabin im Hinterkopf, für 

den Pianisten Peter Hill. Die zweite Hälfte nimmt dann das 

gut halbstündige, 6-teilige ‚Sea of Singularity‘ ein, eine farbenprächtige 

Arbeit von 2001-03, die inspiriert wurde 

durch die Malerei der Fauves. Aus Moores Leinwand brechen 

Pferde, ein Akkordeon, Wassergeplätscher, Parkszenen, 

Trommler in der Berliner U-Bahn, die Glocken von 

St. Markus und die Gondeln von Venedig, ein Volksfest, Vögel, 

Grillen, blökende Schafe und nochmals Pferdehufgeklapper. 

Die Kontraste tendieren absichtlich ins Surreale. 

Moores Stillleben erfassen das Leben, wie wir es kennen, 

mit Augen und Ohren, als ob wir es nicht kennen. Harmonie 

ist weder so noch anders im Preis inbegriffen. „The white, 

fluffy clouds of a permanent ecstasy are stained with the 

grease of commercialism“ und die daraus resultierende 

Bizarrerie schmeckt nach Pfefferminzsoße. 

21

EXTREME (Preston) 

Extreme setzt seine Antripodean-Reihe fort mit Devic Kingdom (XCD-059) von Dr. RO- 

BERT VINCS. Der Australier, der heute am Victorian College of the Arts in Melbourne 

lehrt, hat als Fairlight CMI-Pioneer seit 1983 seine Spuren auf so mancher Hochglanzproduktion 

hinterlassen, aber auch für Tanztheater und Dergleichen komponiert und seit 15 

Jahren spielt er im Trio Zeno‘s Wig auch noch Jazz. Hier geht es um seine Virtuosität an 

Saxello, Tenorsaxophon und der koreanischen Knochenflöte, wobei er die Klänge mit interaktiver 

Elektronik aufmotzt. Dazu wird die Soundpalette noch erweitert durch Garry 

Greenwood mit einem ‚Lederhorn‘ & MAX processing-Rhythmik und beim letzten Track 

spielt Scott Dunbabbin einen extrem knurrigen Six String Upright Bass zu Vincs ätherischer 

Flöte. Was Trompeter von Toshinori Kondo bis Andy Diagram oder Carlos Bechegas 

schon mit elektronisch frisierter Flöte anstellten, das überträgt Vincs in unterschiedlichen 

Verfremdungsgraden (extrem bei ‚Body without Organs‘) auf Saxophon & Co., mit 

faszinierenden ‚Possible Music‘-Effekten. Beim Titelstück gleich zu Beginn, bei ‚Vision 

Quest‘, ‚Light Bomb‘ und ‚The Trainman‘ klappert dazu ein Drum‘n‘Bass-Programm vertrackte 

Tribal-Beats. Vincs beruft sich auf die Stringtheorie, wonach die Welt deshalb 

Klang ist, weil sie sich aus vibrierenden Objekten zusammensetzt. Das M der M-Theorie, 

ansonsten als Matrix, Master, mystisch oder Mutter gedeutet, steht bei ihm für Music 

Technology im Allgemeinen und für Mannigfaltigkeit im Besonderen. Stellt euch Elton 

Dean in Matrix-Virtualität vor, der in einer Cyberlandschaft, die ein wenig dem australischen 

Outback ähnelt, futuristische Songlines tiriliert. 

Mit The Garden of Forking Paths (XCD-061), einer 

weiteren Antripodean-Einspielung, lernt man den 

jungen Pianisten und Borgesleser MARC 

HANNAFORD kennen. Die komponierte Sonate 

‚I‘ll Go Down...‘ ist seine Visitenkarte, ‚222 1/2‘ 

spielt er verhalten-nachdenklich im Duett mit dem 

Drummer Ken Edie, die weiteren Stücke dann zu 

dritt oder viert mit Philip Rex am Kontrabass 

und/oder dem Trompeter Scott Tinkler. Die kantig 

intonierten Pianotrios brauchen Vergleiche mit 

den spritzig-abstrakten Modernismen des Pandelis 

Karayorgis Trios oder Eric Zinman Ensembles 

nicht zu scheuen. Tinkler brilliert bei allen seinen 

drei Auftritten, wie nicht anders zu erwarten, 

wenn man sein experimentierfreudiges Andripodean-Solo 

Backwards kennt. Aber hier ziert er 

vor allem Hannafords Opus maximus, die 17-min. 

Komposition ‚G.E.B.‘ (Gödel, Escher, Bach?) mit 

schneidigen Postbopphrasierungen allererster 

Güte. Der Pianist zieht bei diesem Stück alle Register 

seines Thinking Man-Third Streams und 

verfolgt im anschließenden ‚Pure Evil‘ mit noch 

einmal betonter Lust am ‚absolut Bösen‘ die 

‚Weiße Linie‘, die atonikale Wien-Connection, um 

sie mit einem epileptischen Nicht-Swing so zum 

Tanzen zu bringen, wie es sich der Fluch des 

‚Don‘t mean a thing‘ nicht hätte träumen lassen. 

Das Solo ist pure Op.23-Schule, verschlippenbachter 

Schönberg. Danach müssen die einen ihren 

Kopf durchchecken lassen (‚Head Check‘), 

während wir andern gleich weiter zu krummen 

Takten Bocksprünge machen. Dass Monk ein 

Leitstern für Hannaford ist, dem er im Monk Project 

mit Jamie Oehlers folgt, versteht sich dabei 

von selbst. Bei ‚What was that?‘ (gute Frage) 

schmettert nochmal Tinklers Trompete und verkündet 

Australiens Ansprüche auf Jazzlorbeer. 

22

FARAI-RECORDS (Berlin) 

Nach den ersten Minuten von Grid Mesh (frec2) zu urteilen, scheint GRID 

MESH darauf aus zu sein, das weite Feld geräuschverliebter Improvisation zu 

beackern. Nach 6 Minuten bin ich mir aber da nicht mehr so sicher. Das in Berlin 

aktive Trio aus dem 1977 in Oberösterreich geborenen Rudi Fischerlehner, 

der mir mit Odd Shot schon seine Trommelstöcke zwischen die Füße geworfen 

hat, dem Saxophonisten Frank Paul Schubert, den 1999 die Berliner von der 

Frankfurter Szene weg lockte, und dem ‚Gitarrenwilden‘ Andreas Willers 

gleicht Thomas Crown, es ist nicht zu fassen. Willers ist hier der einzige Berliner, 

mit seinen Gibsons der Mann mit der meisten Erfahrung und einer Bandbreite 

von Hendrix bis Giuffre, denen er mit Experience bzw. In the North gehuldigt 

hat, wie auch der Blechtrommel mit den Tin Drum Stories und Max 

Frisch mit Montauk (letztere allesamt auf Between The Lines). Wie man bei 

‚Wucher‘ hört, verbindet er, da wo es passt, sein Fingerpicking mit elektronischen 

Rauschwolken, um daraus dann wieder mit Figuren aufzutauchen, 

so virtuos, wie sie ansonsten Kevin O‘Neil für Braxton von den Saiten pflückt. 

Und sich anschließend kopfüber in fuzzige, feedbackumjaulte Drones zu stürzen. 

Schubert gibt dafür seine guiffre‘neske Abgeklärtheit, seine feinen Alto- & 

Sopranolyrismen preis und zeigt unvermutete Reißzähne. ‚10.KM 2_5‘ schlägt 

nach all den eklektischen Exkursionen dann wieder den Bogen zum Auftakt, 

als eine gedämpfte Undefinierbarkeit, voller surrealer Widersprüche, rasend 

klackernden Beats zu zwielichtigem Gitarrenschimmer - Willers ist wirklich ein 

Stupor mundi-Gitarrist - und einer Saxophonhummel, die im Raum Achterbahn 

brummt. Gleichzeitig kontrolliert und intuitiv, kalkuliert und mit Lösungen, die 

überraschen und unmittelbar einleuchten. 

Puristen rümpfen die Nasen, während ich große Ohren bekomme, wenn Drummer 

& Farai-Macher Rudi Fischerlehner mit PINX erneut seinen Piefkeaffinitäten 

frönt. Das Gemälde von der totalen Mobilmachung einer Metropole auf 

dem Cover von Milieu (frec3 / NRW 3051) stammt von Katrin Plavcak, vormals 

Sängerin von Blendwerk, dem ‚Streßcore‘-Quartett, in dem Fischerlehner übte, 

bis 4 zu zählen und dass Volxmusik mit x geschrieben wird. Wie Pinx, ebenfalls 

ein Vierer, mit Fabian Kalbitzer am E-Bass, Sebastian Borkowski am Tenorsax 

und dem Trompeter Nikolaus Neuser. Fischerlehner rührt seine Trommelstöcke 

auch noch in Almut Schlichtings Sextett Shoot The Moon und im Sonic Fiction-Trio 

nhf. Kalbitzer kann auch Kontrabass und bedient mit Fischerlehner in 

Belleville Swing-, Musette- & Tango-Nostalgie. Borowski ist TIAO und tanzt als 

solcher bei Brothers Keepers und liveDEMO auf wieder ganz anderen Hochzeiten. 

Neuser groovt ansonsten im Nu Jazz-Duo Trondheym und mit der Balkan-Disco-Truppe 

eto-x und macht meine Verwirrung, aber auch meine Freude 

komplett, dass derart disparate Elemente unter einen Hut passen. ‚Be a 

don‘t be a part of‘ ist dafür der paradoxe Leitspruch, ‚Schlaf ist keine Lösung‘ 

sowieso. War Grid Mesh improvisiert, so ist der Pinx-Stoff von Fischerlehner 

notiert und arrangiert. Anfänglich uptempo, aber gleich auch schon im Stau 

und auf Umleitungen dirigiert. Trotz des E-Basses nicht fusion-orientiert, eher 

von abrupten Tempowechseln bestimmt, von cooler oder angerauter Trompetenpoesie, 

kontrastiert mit dringlichen Saxophonsturmläufen. Und mit der allerzartesten 

Coda (‚Waste‘). Fischerlehners Kniebrechtakte bestimmen den 

Antrieb. Sein krummtaktiger Swing ist total abgespeckt, Ockhams Rasiermesser 

in Aktion. Rhythm, isn‘t it? Manchmal reduziert auf eine bloße Schmauchspur 

wie beim Bartleby-Auftakt zu ‚Be a don‘t be...‘. Wobei sie Bartlebys „I would 

prefer not to“ in ihr ‚It‘s not not‘ verwandeln. Ein eigener Weg als Ausweg aus 

der Unmöglichkeit zu wählen, wenn auch mit prekären Momenten im Unwegsamen, 

die Bass und Trommelstöcke vorsichtig, aber entschlossen überbrücken. 

Bei ‚Xeno‘ könnte Fischerlehner an seine Wiener Jahre gedacht haben und an 

Karl Valentins Überlegung, dass der Fremde nur in der Fremde fremd ist. Mit 

‚Copy me‘ endet Pinx mit einem weiteren Paradox. Ein Koffer in Berlin scheint 

hier tatsächlich Allerhand für sich zu haben. Oder war es die Linzer Schule? 

23

FIREWORK EDITION RECORDS (Hägersten) 

Die Kingdoms of Elgaland-Vargaland, kurz 

KREV für KonungaRikena Elgaland-Vargaland, 

haben seit ihrer Gründung am 27. Mai 

1992 durch Subversion und Annektion ihr 

Herrschaftsgebiet ständig erweitert, zuletzt 

am 10.6.2007 durch die Okkupation 

der Isola di San Michele, der Toteninsel, 

ehemals Teil der Stadt Venedig und der 

Republik Italien. Das Reichsgebiet aus „all 

border territories between all countries on 

earth, and all areas (up to a width of 10 

nautical miles) outside all countries’ territorial 

waters ... including the Hypnagogue 

State (the state between being awake and 

being asleep), the Escapistic Territory 

(conscious, mental space travel akin to 

daydreaming, telepathy, and so on), and 

the Virtual Room (a borderless digital 

space)“ ist also in beständigem Shapeshifting 

begriffen. Und es gibt dazu immer wieder 

Versuche, Kontakte zu Geistes- und 

Seelenverwandten unter sublimeren Intelligenzen 

zu knüpfen. So etwa mit dem Projekt 

“Angels via Spirits”, realisiert in der 

Robert Berman Gallery, Los Angeles, July 

17, 1999. Die KREV-Schlagzeile dazu lautete: 

LEIF ELGGREN and CM VON 

HAUSSWOLFF, founders of The Kingdoms 

of Elgaland-Vargaland and all the citizens of 

the Kingdoms of Elgaland-Vargaland establish 

contact with the angels. Live in LA (FER 

1055) dokumentiert, wenn ich die etwas 

kryptischen Mizinvormazions recht verstehe, 

den vorbereitenden Kraftakt der beiden 

Majestäten im Verbund mit PER 

SVENSSON, seit Juli 1998 KREV-Konsul in 

Smedsby, am 14.7. in den Räumen der 

Beyond Baroque Foundation im benachbarten 

Venice, CA. Wir hören Atemzüge, 

Stimmen, anrufende Morsesignale, dröhnminimalistisches 

Grundrauschen und 

Wummern beim Versuch, die dimensionalen 

Membranen über der Stadt der Engel 

durchlässig und die Atmosphäre leitfähig 

zu machen. Holziges Klappern lässt vermuten, 

dass auch bestimmte rituelle Handgriffe 

vorgenommen wurden. Wellen ziehen 

mit Dopplereffekt durch den Hörraum, 

der in seiner konservierten Schizophonie 

‚hier‘ & ‚jetzt‘ von sirrenden Mauerseglern 

und den Glocken von St. Adalbero zusätzlich 

durchstoßen wird. Eine Automatik beginnt 

gebetsmühlenartig zu rotieren, verlangsamt 

sich zu einem ‚Trommeln‘. Nach 

35 Minuten tatsächlich eine gurgelnde 

Stimme: ...I ....was ...born ...under ...a 

...wandering ...star. Die Luft wird weicher 

und harmonischer, die Kurbelwelle stampft 

und bohrt. Bis nur noch keuchende Atemzüge 

zu hören sind. 

CUNT 69 (FER 1063) ist nach Zzz..., Cod Fish 

Suit, 9.11, Two Thin Eating One Fat, The Party 

und Experiments with dreams ein weiteres 

Werk der Produktionsgemeinschaft von LEIF 

ELGGREN och THOMAS LILJENBERG. 66 

bruitistisch prasselnde, anfangs wie von 

Tambourgetrommel oder Gitarrenlärm durchzogene 

Minuten, in denen der Geist von Charles 

Bukowski herum gurgelt. Bei ‚Traumreich 

vers 2‘ lädt eine Stimme ein dorthin, wo schon 

berühmte Vorgänger der beiden Schweden, 

Swedenborg, Strindberg und Jürgenson, ihre 

Nasen hinein steckten. Bukowski war mehr 

der ‚Nose in your pants‘-Typ. Er wird beschworen 

als eine rau verzerrte Geisterstimme, 

die auf paranormalen Kanälen ‚Letzte 

Gedichte‘ stammelt (‚Röst‘). Nach diesem 24min. 

EVP-Kontakt, rezitieren und instrumentieren 

Elggren & Liljenberg Bukowski‘sche 

‚Nachlass-Gedichte‘, die ihnen 1996 in Kassel 

von einem Künstlersaufkumpan in die Hände 

gedrückt worden waren. Lakonisch kurze wie 

‚X‘ oder ‚1989‘, ‚(schl)echte‘ wie ‚Alcohol‘ 

(and pussies / masturbating in front of the Television). 

Das 3-teilige ‚Opera‘ rumort mit 

Tonbandnoise und paranormalen Gesängen 

des Phantoms der Oper. ‚Cuca Cuka‘ träumt 

einen apokalyptischen Coca Cola-Alptraum, 

‚Nose in your pants‘ und ‚Gold‘ vertauschen 

Freudianisch den Johannes des Mannes bzw. 

Gold und Scheiße. Aaaaaaiiij!!! 

PER SVENSSONs Performance- & Klangkunst 

kreist auch bei EL/ELEMENT 1 (FER 

1064) um Energie, Element, Alkemi. EL 

entstand am 6.10.1987 auf dem Gelände des 

AKWs Forsmark I-III als Aktion gegen die nukleare 

Verschmutzung. Untermischt sind industriale 

Klänge aus dem alten Kanonenwerk 

in Skeppsholmen bei Stockholm, Gehämmer, 

Schweiß- und Mahlgeräusche, Theaterblechdonner. 

ELEMENT 1 war eine Aktion am 

17.9.1987 vor den Mauern des Königlichen 

Schlosses, an die Svensson, von Polizei und 

den Wachposten beargwöhnt, Weapon Death 

Heat Food Life schrieb. Elementare Geräusche 

von Erde, Luft, Feuer, Wasser und Metall 

mahnen, dass der Umgang mit ihnen heikel 

und zweischneidig ist. Eine Frage von Macht 

und Verantwortung. Der Anspruch schwedischer 

Elektroakustiker, als Neoschamanen 

und moderne Alchemisten auf Augenhöhe zu 

Göttern und den Mächten dieser Welt zu 

sprechen, wird dabei einmal mehr deutlich. 

Symbole ersetzen keine Politik? Letztlich sind 

auch die Aktionen des schwarzen Blocks, der 

Öko-Terrorismus eines Unabombers oder 

John Zerzans neo-primitivistische Scherbengerichte 

nur handfeste Zeichensprache. 

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HIGH MAYHEM (Santa Fe, NM) 

Inzwischen überrascht es mich schon nicht mehr, dass das, was mich 

da aus Santa Fe erreicht, bezaubert und erstaunt. Mit The Defector 

(CD-R EP) debutieren THE BRILLIANT DULLARDS, ursprünglich ein 

Duo des Desertsongwriters Alex Neville mit dem Bassisten 

und Trompeter Chase Haynes. Ihre ausgedörrten 

Countrysongs mit Gitarren- oder Banjogeklampfe 

bekommen inzwischen einen federnden Untersatz 

durch das Tickling und die Besenshuffles von Grilly 

Biggs-Drummer Milton Villarrubias, der zusätzlich 

Staub mit seinem Laptop aufwirbelt. Den herzensbrecherischen 

Clou bringt jedoch der ziegenbärtige Jeremy 

Bleich ins Spiel, ansonsten Bassist von Birth und 

Oudspieler mit Eftah. Hier aber fiept er auf einer Melodica 

und verströmt mit ihrem ‚Mundharmonika‘-Quäken 

Melancholie und Untergangsstimmung. Wenn Haynes 

zu Nevilles heiserem Pathos noch Trompetentöne 

presst wie beim Abschiedslied ‚Sequester‘, dann wird 

die ‚Southern Tristesse‘ zäh und schwarz wie Teer. 

Was mit dem traurigen ‚Reveille March‘ beginnt, zieht 

wie ein geschlagener Haufen vorüber. Dass diese geprügelten 

Hunde dabei von einem wehmütigen Musette-Walzer 

träumen, bei ‚The Infraction‘ bittersüßen Klängen von South 

of the Border lauschen und doch noch mit einem weiteren kleinen Walzer, 

‚Children‘s Poems‘, schwanzwedelnd wieder Tritt fassen für den 

lärmigen, trompetendurchschmetterten ‚March Taps Out‘, das ist eine 

unerwartete Wendung. Die Southern Melancholie von Giant Sand, The 

Black Heart Procession, South San Gabriel, Souled America bekommt 

hier eine eigene Note. 

THE LATE SEVERA WIRES sind ein ganz besonderes Quartett und 

liefern mit three minutes a second (LP) die Argumente, um diese Besonderheit 

zu untermauern. Carlos Santistevan (bass), Mike Rowland 

(drumset), Ultraviolet (turntables, guitar) und Yozo 

Suzuki (guitar), außer Rowland allesamt noch mit 

Electronics verkabelt, klöppeln und häkeln anfangs 

nur fingerspitz an ihrem elektroakustischen Gewebe. 

Aber bald schraffiert Santistevan schon hitzigere 

Klangflächen und bei ‚Mass Over Volume‘ setzen Uptempodrumming 

und aufrauschender Gitarrennoise 

die Klangmoleküle massiv unter Druck. Die Wires entpuppen 

sich als Feuer spuckende Drachen mit einer 

Aversion gegen Kälte und Erstarrung. ‚No More Icebergs‘. 

Rowland klopft und tickelt, aber Struktur in 

dieses Grollen bringen allenfalls noch einige der 

plumpen Tanzschritte dieses Godzilla aus der Gila 

Wilderness von New Mexico. Bei ‚On/Off‘ zuckt er wie 

von elektrischen Schlägen gekitzelt, es macht ihn 

übermütig. ‚I‘m Feeling Lighthearted‘. In diesen vierpoligen 

Kollisionen zählt nicht mehr das Individuum, 

sondern der Überschuss an unvorhergesehenen 

Sounds. Godzilla schält und schuppt sich, sein Herz ist phosphorizierende 

Weißglut. ‚Like Shedding‘. ‚White Phosphorus‘. DJ Ultraviolet lässt 

sich zu mexikanischen Karnevalsturbulenzen inspirieren, Mariachi on 

speed. Kinderstimmen, klappernde Hufe, der Bass brummig summend, 

Singsang und näselnde Blasinstrumente, die Tonhöhe wirft Falten, die 

Gitarre krabbelt auf der Tonleiter. Glaubt man die Wires zu kennen, 

wandeln sie mit ihrem Soundmorphing schon wieder selbst die Gestalt. 

Sicher ist hier nur die Anmutung des Phantastischen, beständig nur 

der Konjunktiv, garantiert nur das Abenteuer. 

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I N T A K T 

(Zürich) 

FRED FRITH und CHRIS BROWN 

sind sozusagen ‚Mills Brothers‘. Frith 

lehrt an diesem bemerkenswerten 

College in Oakland Komposition & Improvisation, 

sein 1953 in Chicago geborener 

Kollege elektronische Musik. 

Entsprechend ist auch dessen perlendes 

oder gehämmertes Pianospiel bei 

Cutter Heads (Intakt CD 124) um ein E 

erweitert, das für interaktive Resonanzen 

und rätselhafte Phantomklänge 

sorgt. Saitenklang vexiert mit Innenklaviereffekten, 

perkussive Schläge 

traktieren den Gitarren- oder den 

Pianokörper, elektronisches Sirren 

könnte Brown, aber auch Friths E-Gitarre 

zum Ausgangspunkt haben. 

Selbst wenn Frith eine Akustische bekrabbelt, 

bleiben ununterscheidbare 

Sounds. Zu Browns Profil gehören neben 

Improvisationen mit Room und 

dem Glenn Spearman Double Trio, Interpretationen 

von Cowell, Ferrari, Riley 

und Zorn, Kompositionen wie Lava 

(Tzadik), Invention#7 & Alternating 

Currents (Ecstatic Peace) und Installationen 

wie Talking Drum und Transmission 

Temescal speziell Live Electronics-Performances. 

Die Duette mit 

Frith scheinen über die Synergie 

spontaner Erfindungskraft hinaus an 

jenem Faktor interessiert, auf den mit 

‚Dust‘, ‚Riddle‘ oder ‚Thick Air‘ hingedeutet 

wird. Dass ein drittes Element, 

unsichtbare Hände, mit ins Spiel kommen, 

wenn Browns Live Electronics 

auch Friths Gitarre mit transformieren, 

dem gemeinsamen Dritten einverleiben, 

an dem auf der vordergründigen 

Ebene weiter gezupft, geschrappt 

und getrillert wird. Wobei 

dieser Faktor, bei ‚Sings the Foundation‘ 

allerdings erst, nachdem halluzinatorische 

Loops und Drones ganz 

allmählich ausdünnen, immer wieder 

und beim abschließenden ‚The Way 

You Do The Things‘ sogar besonders 

transparente und zarte Formen annimmt, 

als sirrendes Gitarrenfeedback, 

zirpiges Geflirr, diskantes Schaben 

und träumerische Pianotropfen. 

Seit dem Deutschen Jazzpreis 2005 hat sich herum 

gesprochen, dass ULRICH GUMPERT 

(*1945, Jena) einiges mehr geleistet hat, als im 

Zentralquartett Klavier zu spielen. Obwohl das 

ausreichen müsste für ein Plätzchen in der Jazz- 

Ruhmeshalle. Aber zu seinen Meriten gehören 

eben auch Satie-Interpretationen, auf den Punkt al 

dente, oder die Filmmusik für den von Günter 

Lamprecht verkörperten Berliner Tatort-Kommissar 

Markowitz (1991-95). Eine Folge hieß Berlin - 

Beste Lage und dieser Werbespruch scheint insbesondere 

junge Jazzer angesprochen zu haben, 

den Drummer Ulrich Griener, der 1994 aus Nürnberg, 

oder Jan Roder, Bassist von Die Enttäuschung, 

der ein Jahr später aus Lübeck kam, sogar 

den Tenorsaxophonisten Ben Abarbanel-Wolff, 

den es 2001 von Washington, D.C. an die Spree 

zog und der dort im Sirone Quartett und als Leader 

eines eigenen Fuß gefasst hat. Diese Drei 

spielen nun zusammen mit Gumpert seine Quartette 

(Intakt CD 127), darunter, in Reminiszenz an 

alte Brainstormingtage mit den Synopsis / Zentralquartettfreunden 

Sommer, Petrowsky und Bauer, 

die ‚Conference at Baby‘s‘, ‚...at Luten‘s‘ & ‚...at 

Conny‘s‘, verqualmte, hochprozentige Liebeserklärungen 

an die Cats, von denen die inspirierenden 

Impulse- und Blue Note-Klassiker stammen, 

die sich dabei auf den Plattentellern in der Christburger 

Straße am Prenzlauer Berg bei Baby oder 

Conny drehten oder bei Petrowsky, der Richtung 

Flughafen Schönefeld hauste. Gumpert hat sich 

mit seiner Sammlung von Vinylpreziosen am 

Schiffbauerdamm festgekrallt, mit Blick auf 

Brechts Hinterkopf, und beschreibt sein Lebensumfeld 

in ‚Blue Circus‘. ‚Von Hier und Anderswo‘ 

pfeift mit Wehmut ein Lied aus vergangenen Tagen. 

‚Circulus Vitiosus‘ ist, was es heißt, ein 18-faches 

Play it again von 16 Takten, so wie Gumpert 

in endlos blauen Stunden die Motive seiner Helden 

umkreist, Coltrane, Coleman, Mingus, Miles, Cherry. 

Er kopiert keinen und doch sind sie alle gegenwärtig, 

die quecksilbrigen Geister aus dem Five 

Spot Cafe oder dem Village Vanguard. Die Quartette 

geben dem Stoff jeweils einen Dreh, der das 

Original aufschimmern und wie neu erscheinen 

lässt, wobei Abarbanel-Wolff vollmundig wie ein 

‚Alter‘ auftrumpft. Gumpert splittert dazu stahlblanke 

Pingkapriolen, grobe Richtung: Mengelberg 

oder Schlippenbach. Er war die treibende Kraft 

hinter Aus teutschen Landen gewesen und konnte 

dabei zeigen, dass Jazz im Grunde eine bestimmte, 

durch Erfahrungen der Migration und Verstädterung 

hindurch gegangene Weise ist, Volksmusiken 

rhapsodisch aufzupeppen, zu ‚Verzigeunern‘, 

zu ‚Amerikanisieren‘. Ganz Berlin könnte davon ein 

Lied singen. Statt dessen gefällt man sich als überdimensioniertes 

Sandbrötchen aus Hirschhornsalz 

und Zuckerguss. Bei Gumpert gibt es kein ‚Hier‘ 

ohne ein ‚Anderswo‘. 

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LAST VISIBLE DOG (Providence, RI) 

Chris Moon und sein mir mehr und mehr sympathisches Label in 

Providence, RI, stellen auf Crows of the World vol.1 (LVD 

099/100, 2 x CD) schräge Vögel vor, die den äußersten Rand 

des LVD-Biotops bewohnen. Als Vertreter der intelligenten Familie 

Corvidae begegnen einem da The Family Players aus 

dem finnischen Lutakko; als Western Automatic ein Soloprojekt 

des Zeniople-Mannes Matt Christensen in Chicago; das Organ-Duo 

Ilya Monosov/Preston Swirnoff; Andrea Belfi & 

Friends, immerhin ein Name, der in BA schon gefallen ist anlässlich 

seines Häpna-Releases Between Neck & Stomach; sowie 

Paper Wings, zu denen sich die Gitarristen Anthony Guerra 

& Antony Milton zusammentaten. Ebenfalls ein Gitarrenduo 

ist Northern Cross mit Geoff Mullen aus Providence & Kris 

Lapke; Brasil and the Gallowbrothers Band kommen aus 

Polen, finden erst keinen Anschluss unter dieser Nummer, bevor 

sie mit Gitarre, Korg, Orgel, Oszillator und hingehauchtem 

Sprechgesang in ihre Tristesse eintauchen lassen; mit Sunken 

geht ein weiteres Projekt des neuseeländischen PseudoArcana- 

Machers Antony Milton an den Start, diesmal mit Orgel, sakralem 

Murmelgesang und diskanten Rückkopplungen; daneben 

wirkt Kawaguchi Masami‘s New Rock Syndicate wie ein 

70s Rocktrio auf dem LSD-Marsch. Und abschließend hört man 

noch die weirden Freerocker Oaxacan aus Oakland mit Mike 

Guarino an den Drums, Derek Monypeny an der Gitarre und 

Amy Turgors „oo|o|oo||oo.o.oo. o.o.o....oo..o.oo.||||.ooo.o.o.o“-Vocalizing. 

Aufgefächert werden verschiedene Spielarten von 

dröhnminimalistischer Psychedelic und Ansätze von Freak Folk, 

etwa bei Digitalis-Macher Brad Rose in Tulsa, der unter dem Namen 

The North Sea zu mittelalterlichem Getrommel sein Banjo 

(?) als Laute pickt. Durch die Bank erklingt starker bis sehr 

starker Stoff, ob lo-fi, semiakustisch oder als dröhnender Feedbackmulm. 

Neuseeland ist definitiv eine Brutstätte für Freerock. THE IDLE 

SUITE ist ein Konglomerat von Leuten, die aus ihrer insularen 

Inzucht eine musikalische Tugend entwickelt haben und einen 

entsprechenden Humor: ‚We are the Urns from Undr‘. Mark Williams 

& David Hall von MarineVille spielen auf Up Two Sticks 

Road (LVD 110) Gitarre & Bass, Greg Cairns von Sferic Experiment 

und James Kirk von Sandoz Lab Technicians abwechselnd 

und im Doppelpack Drums, nur Keyboarder Kristen Wineea 

scheint ein halbwegs noch unbeschriebenes Blatt zu sein. Die 

improvisatorischen Daddeleien und Clashes kulminieren im 9minütigen 

‚Sphyma Zagaena‘, nicht zufällig benannt nach dem 

Glatten Hammerhai, und den 23 Minuten von ‚Forcefield‘. Es gibt 

sicher Musiken, die schneller auf den Punkt kommen, aber genau 

an diesem Punkt scheinen die Neuseeländer am wenigsten 

interessiert. Rock, der so ohne Netz und ohne Ziel umher 

streunt, lässt vor allem Williams die Freiheit mit seiner Gitarre 

zu tagträumen, bevor die Rhythmsection, allen voran der druckvolle 

Hall, ihn mit ihrem Acceleranto mit ins Rollen bringen. 

Aber gerade wenn der Zug abgeht, wird wieder umgeschaltet 

auf bekiffte Träumerei. 

27

Neuseeland ist eine Insel. James Kirk trommelt auch im Freerocktrio THE 

STUMPS (nicht zu verwechseln mit Kev Hoppers einst als ‚Trout Mask Replicants‘ 

gelobten Stump). Die Downunder-Stumps formierten sich 2003 

aus Kirk, dem umtriebigen Antony Milton again und Stephen Clover am 

Bass, wenn man so will, in der klassischen Guru Guru-Besetzung. The 

Black Wood (LVD 111) lässt aus den Boxen ausschließlich instrumentale 

Psychedelic dröhnen, zäh wie Teer. Die Klänge stagnieren in ihrem halbflüssigen 

Zustand, ölige Schlieren blecken ihre bizarren Paisleyzungen. 

Rock ist das nur, wenn man die Zeit von Dali‘schen Uhren abliest. Kirk 

schlägt oft minutenlang keine Beats, sondern lässt nur perkussiven Hall 

im Hintergrund morphen. Darüber wölbt Milton metallic-schimmernde 

Wellen (die bei Trk 7 besonders prächtig aufwallen). Sporadisch knickt 

und knittert Kirk den Zeitstrom, nur um gleich wieder zeitlupig dahin zu 

hinken, als ob er in eine überreife, klebrige Riesenkiwi getreten wäre. Miltons 

Gitarrensounds verziehen sich wie in einem alchemischen Ofen, 

verfärben sich vom Rötlichen ins Weißliche, knurren und wummern, 

durchmischt mit einem Bass, an dem sich ebenso wenig ein Puls fühlen 

lässt. Statt dessen hüllt sich Clover in Tintenfischwolken. Wenn sich die 

Drei mal rockig eingrooven (Trk 3), scheint Stumps Elevator Noir seine 

Tür mitten in den 70er Jahren zu öffnen. Zottelmähnige Japaner steigen 

zu und die Luft versuppt wie das Wasser des Toten Meeres. Strange. 

Providence ist uns Würzburgern ein Begriff durch die urigen, leider aufgelösten 

Urdog. Ihr Keyboarder Jeff Knoch tauchte seither in Eyes Like 

Saucers auf und nun an der Seite von Erik Carlson in AREA C. Dessen 

Loops & Gitarre und Knochs Farfisa- & Harmoniumgepumpe geben Haunt 

(LVD 113) das ganz spezielle Klangbild. Der Titel korrespondiert mit einem 

gleichnamigen Gedichtband von Keith Waldrop, Chevalier des arts et 

des lettres in Providence. Ob man sich auf Space-Trip mitgenommen fühlt 

oder in eine meditative Stimmung versenkt wird, das bleibt der jeweiligen 

Imagination überlassen. Mir scheint Area C hier näher bei Town & Country 

als bei Popol Vuh. Dröhnminimalistisch brummende Mäander, durchsetzt 

mit pulsierenden Schüben und stotternden Impulsen, atmen zuallererst 

die seltsamen Orgel- oder Akkordeonklänge von Farfisa & Harmonium. 

Das ist ‚strange‘ per se. Und entfaltet einen fast unwiderstehlichen 

Sog ist Träumerische und Geheimnisvolle, halb Exotica, halb Nostalgie, 

Fernweh und Flucht aus der Zeit. ‚Names of Places‘ bringt für knapp 3 Minuten 

eine Drummachine ins Spiel, bevor ‚Circle Attractor‘ mit hypnotisch 

repetierten Keyboardfiguren drehwurmartig hinter der Zirbeldrüse zu rotieren 

beginnt. Der Monstertrack, durchsetzt mit regnerisch tröpfelnden 

oder schleifenden Loops, spaltet sich in zwei Teile, verfällt im zweiten in 

ein schwermütiges Brüten, aus dem die Gitarre am Ariadnefaden einer 

sehnsuchtsvollen Melodie wieder hinaus führt. Absolut ‚haunting‘. 

Andrew Moon, ein weiterer Neuseeländer, spielte in den 80ern Schlagzeug 

in Goblin Mix, bevor er ab Mitte der 90er als rst monumentale Werke 

für Dröhngitarre zu erschaffen begann - The Acceleration Station (1995), 

R136a (1997), Warm Planes (2000) - , mit denen er bei Ecstatic Peace und 

Corpus Hermeticum auf offene Ohren stieß. Mit Axes (LVD 114) versucht 

er einmal mehr, die Schwerkraft zu überwinden. Dazu braucht er sich nur 

mit Mondlicht voll zu saugen und sich ganz auf den Stern zu konzentrieren, 

zu dem er sich aufschwingen möchte. Energie liefern ihm brummende 

Grundtöne, verschieden getöntes fuzziges, knurriges, wummerndes 

Dauerfeedback, auf das er eine kleine Melodie tupft oder ein weiteres, allerdings 

ganz helles Dröhnen, wie der Singsang einer Glasharmonika. 

Oder eine pulsierende Schwingung, ein zwitscherndes Sirren. Ein Titel 

wie ‚Return to the Stars‘ macht klar, was Moons kosmonautisches Streben 

antreibt - Heimweh. Seine Gitarre verwandelt sich vollständig in ein 

Sternenschiff. Was sich sonst Dröhnminimalistik oder Dark Ambient 

schimpft, will doch nur den Weltinnenraum gemütlich machen. rst ist darüber 

erhaben. Sein Mondstrahl ist stabil genug, um darauf hinaus und 

davon zu reiten. 

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THE TERMINALS sind Veteranen des Neuseeland- 

Rocks. Im selben Jahr 1986 wie The Dead C traten sie 

auf die Flying Nun-Szene. Die aktuelle Besetzung besteht 

seit 1990 aus den Gitarristen Stephen Cogle & 

Brian Crook, die auch die Musik beisteuern, aus Mick 

Elborado (keyboards), John Chrisstoffels (bass) und 

Peter Stapleton (drums). Crook, Elborado & Metonymic-Macher 

Stapleton bilden zusammen auch noch 

Scorched Earth Policy und Stapleton stünde schon allein 

von The Pin Group bis Flies Inside The Sun für ein 

Vierteljahrhundert Downunderground. Dunkel glühendes, 

eng verzahntes Doppelgitarrenriffing, tribale 

rhythmische Stoik und eine Stimme mit Brian Ferry- 

Vibrato beschwören den Geist der Gründerjahre der 

Terminals, als punkgefilterte Rückkopplung von Joy Division 

an Velvet Underground. Melodramatik, in 

schwarzem Feuer geläutert, bei ‚Different Air‘ keyboardbestimmte 

Dark Wave-Tristesse, die bei ‚Last 

Days of the Sun‘ ungeniert käsig nach 80s duftet. Eine 

von Erfahrung gegerbte Monotonie dient als Front, 

aber hinter Cogles Gesang wühlen die Gitarren und 

schüren die Glut zu White Heat, während Stapleton 

sein Maureen Tucker-Tamtam klopft. Hymnen aus den 

letzten Tagen der Sonne, der Mond blau angelaufen, 

die Liebe nur noch Asche, John Cales Fear als letzter 

Freund, doch der Sound bäumt sich auf, dass man sich 

in seiner wilden Mähne festkrallen muss. 

Still Living in the Desert (LVD 117) hat Ex-Urdog Jeff 

Knoch aka EYES LIKE SAUCERS ausgebrütet, während 

er sich allein mit seinem Hund Parmalee in einem 

VW-Vanagon in die Wüste von Nordarizona zurückgezogen 

hatte. Mit dabei hatte er sein indisches Harmonium, 

seine Farfisa, Glockenspiel und ein 4-Spur-Aufnahmegerät. 

Nicht nur das Harmonium erinnert an Nico, 

der Titel stammt aus ihrem Tagebuch und meint 

die Wüste inside my head und das Gefühl, ein Alien im 

Exil zu sein. Der Volkswagen und Nico sind nicht die 

einzigen Spuren, die Knoch nach Deutschland legt. Er 

zitiert Heidegger, Wilhelm v. Humboldt und Meister 

Eckhart, wenn er von der Suche nach mystischer Abgeschiedenheit 

und Gelassenheit spricht. Wie Bruce 

Chatwin sieht er ‚travel‘ und ‚travail‘, Reisen und Arbeiten, 

als etwas Verwandtes. Er verweist auch auf 

den von Dharma Bum Gary Snyder vermuteten etymologischen 

Zusammenhang von ‚wild‘ und ‚Wille‘, sprich, 

freier Wille im Sinne von ‚proud and free... resisting 

any oppression... spontaneous, unconditioned‘ (The 

Etiquette of the Wild). Mit Robert Wyatts ‚Sea Song‘ besingt 

Knoch „a seasonal beast“ (So until your blood 

runs to meet the next full moon You're madness fits in 

nicely with my own), in ‚Frühling der Seele‘ zitiert er 

Georg Trakl: Dunkler umfließen die Wasser die schönen 

Spiele der Fische. Stunde der Trauer, schweigender 

Anblick der Sonne; Es ist die Seele ein Fremdes 

auf Erden. Knochs Musik gleicht wenigem auf dieser 

Welt, aber sie ähnelt doch dem minimalistischen Pulsieren 

von Town & Country, als pumpendes, summendes, 

schnarrendes Dröhnen, das mit Hingabe und all 

seiner sanften Gewalt ins Erhabene strebt. Von allen 

psychedelischen Trips ist das einer der intensivsten, 

der mir je zu Ohren gekommen ist. 

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LEO RECORDS (Kinkskerswell, Newton Abbot) 

* Diese Zusammenarbeit der aus Tuva stammenden Vokalistin 

SAINKHO NAMCHYLAK mit ROY CARROLL (Electronics) 

stellt – wie der Titel Tuva-Irish Live Music Project (LR 480) vermuten 

lassen könnte – gottseidank keine Weltmusik-Fusion a la 

‚Kehlkopfgesang trifft auf Irish Folk’ dar. Die Seelenverwandtschaft 

dieser beiden Kulturkreise zeigt sich eher auf spiritueller 

Ebene, die Wurzeln in der grauen Vorzeit zu haben scheint. Zum 

Konzept dieser Live-CD gehört die Idee, ihre „Songs“ (streng genommen 

sind es keine) so aufzuführen, wie es in der prä-medialen 

Zeit üblich war: bei jeder Aufführung wurde das Liedgut der 

jeweiligen Situation angepasst und verändert. Selbst der Laptop 

von Carroll wurde so programmiert, dass die Electronics bei jeder 

Aufführung anders daher kommen. Dies ist auf den in Warenform 

starr gepressten Konzertmitschnitten naturgemäß nicht 

nachvollziehbar. Hier trifft Namchylaks Stimme, die sich zwischen 

tuvanischer Gesangstradition, Textrezitation und teilweise 

eher flächigem Gesang bewegt, auf elektronische Sounds. 

Diese hauen selten (und dann auch nur dezent) auf die Pauke, 

knacksen und kruschpeln gerne und gemahnen auch mal an 

Neue Musik aus der Ferne. Spannung kommt dabei leider keine 

auf. 

Anlässlich des 50. Geburtstages von SAINKHO NAMCHYLAK 

ließ es sich Leo Feigin nicht nehmen, ihr zu Ehren eine Compilation 

namens Nomad (LR 482) zu veröffentlichen, die ihre Wanderschaft 

zwischen Folk, Weltmusik, Jazz und Improvisation illustriert. 

Wobei wir wieder mal bei einer Aufzählung von Schubladen 

sind, die es eigentlich zu ignorieren gilt – auch für Namchylak 

sind diese Abgrenzungen zwischen den Genres offensichtlich 

nicht relevant. Zu hören ist sie hier nicht nur solo sondern 

auch mit Tri-o, Kieloor Entartet, The Moscow Composers 

Orchestra und vielen anderen. Wobei sie zwischen den faszinierenden 

tuvanischen Obertongesängen und easy Exotica in der 

Tat eine große Bandbreite vorzuweisen hat. Nicht alle Facetten 

stoßen da auf Gegenliebe. Aber wenn sie dann beispielsweise 

mit dem verstorbenen Peter Kowald im Duett zu hören ist, weiß 

man ihre Kunst wieder zu schätzen. GZ 

* Das Konzept dieser Zusammenkunft unter dem Motto Tenderness 

of Stones / Zärtlichkeit der Steine, Parts 1 – 10 (CD LR 481) 

von LAUREN NEWTON, JOACHIM GIES und Gästen (Michael 

Walz, Koho Mori) dreht sich um ein achtzeiliges Gedicht von Michael 

Speier, das hier in vier verschiedenen Übersetzungen (3x 

ins Englische, 1x ins Japanische) dargeboten wird – ohne die 

deutschsprachige Ursprungsversion zu rezitieren (ob da wohl 

einer in seinem früheren Leben Germanistik studiert hat?). Wobei 

mich diese Lyrik genauso wenig anspricht wie Rilke, den Gies 

bei einem seiner früheren Projekte beehrte. Newton benutzt ihre 

Stimme zumeist als Instrument, das selten Worte artikuliert. Wobei 

sie die volle Bandbreite zwischen geräuschhaftem, flächigem 

Vokal-Klang und extrovertiertem non-verbalen Gesang und 

klarer Text-Rezitation drauf hat. Und einmal sogar in unvermutete 

Tiefen vorstößt, aber auch in Konkurrenz zu den Saxophonen 

ihres Duo-Partner Gies tritt – in manchen Fällen fragt man sich, 

wer von beiden da denn jetzt so kiekst. Als Grundierung dienen 

diskrete Electronics zwischen Knistern und ruhigen Klangflächen, 

die für eine unaufdringliche Geräuschkulisse sorgen; nur 

zwei Stücke dieser knapp 58 Minuten kommen ohne diese aus. 

Insgesamt für mein einfaches Gemüt etwas zu verkopft, mehr 

Spontanität und Energie hätte diesem Werk gut getan. GZ 

30

2004 hatte Leo Records sein 25-jähriges Bestehen gefeiert, mit einem Leo-Festival 

im Kölner Loft. Während Joachim Gies & Denis Silke ganz leise in ihren Reeds- 

Drums-Dialog einsteigen, nutze ich die Gelegenheit, um daran zu erinnern, dass 

Leo nicht nur als Synonym für New Music from Russia steht und als treues Forum 

für Anthony Braxton, John Wolf Brennan oder Eugene Chadbourne; Leo Feigin hat 

auch immer wieder unverdrossen Delikatessen angeboten wie Joe & Mat Maneri, 

Pandelis Karayorgis, Metamorphosis, Gaël Mevel, The Remote Viewers, Wally 

Shoup, Who Trio. Delikatessen sag ich, auch wenn sie oft kaum beachtet vom Tisch 

gewischt und nur von Vögeln aufgepickt wurden. Einige seiner so geförderten Lieblinge 

spielten im Loft nun auf, um Leo Feigin zu gratulieren und zu danken, Gebhard 

Ullmann mit seinem Clarinet Trio, Frank Gratkowski im Duo mit Xu Fengxia 

und ihrer Guzheng und im Trio mit Paul Lovens und dem Pianisten Simon Nabatov, 

einem weiteren Leo-Favoriten, der Peter Ustinov immer ähnlicher wird. Das 

Trio erweiterte sich dann noch zum Quartett mit der wie eh gertenschlanken und 

zickenterroristischen Vokalistin Lauren Newton, die zudem ein Soloständchen 

zum Besten gab, für mich die ideale Pinkelpause. Und Aki Takase begoss im Rapport 

mit dem einmal mehr sensationellen Rudi Mahall die Purity & Sweetness von 

Musik mit Bier und macht Leo Records 25th Anniversary Loft, Köln (LR 483/484, 2 x 

CD) als aktuelle Leistungsschau der kompromisslosen Leo-Familie komplett. 

Celebrations (LR 485), ein weiterer Loftabend Anfang 2006, hatte einen anderen 

Anlass zum Feiern, den 47. Geburtstag von SIMON NABATOV an diesem 11.1. 

In seiner Partyband, die zum ersten Mal in dieser Besetzung antrat, standen dem 

Poeten am Klavier, der sein Instrument einsetzen kann wie ein Erzsucher seinen 

Prospektorhammer (Nietzsches berühmten Philosophenhammer) oder mit E-bows & 

Cracklebox erstaunliche Sachen macht, nur alte Bekannte zur Seite, der tiefgründige 

FRANK GRATKOWSKI mit seinem Altosax & Klarinetten, der gedankentrunkene 

Trompeter & Kornettist HERB ROBERTSON und der erfindungsreiche DIETER 

MANDERSCHEID am Kontrabass. Das Cover zeigt vier tote Heringe, zwei mehr als 

Jesus für die Speisung von 5000 benötigte. Aber statt nun zwei Improfans in 5000 

zu verwandeln, würde er ihnen wohl eher die Dämonen austreiben wollen. Die Daimones 

sind Wesen, die, wie Plato schrieb, man sich selber als Schutzengel oder Totems 

wählt und keine Zeit und keine Macht zerstückelt, laut Goethe, diese geprägte 

Form, die lebend sich entwickelt. Obwohl an den Dämonenhaaren herbei gezogen, 

scheinen mir doch die Celebrations wie eine Verlebendigung jener ‚dunklen Kraft‘, 

in der Freiheit und Notwendigkeit oxymoronisch eins werden. Formgebung und Geformtes, 

Suchen und Finden vibrieren in Unschärferelationen, Lauschen und Hörbarmachen 

und wiederum Belauschen erzittern in Zeitparadoxien so paradox wie 

Nietzsches Werde, der du bist. Für den war letztendlich alles nur ein Singen und 

Tanzen, ein Feiern und Bejahen der Daimones, des lebendigen Sich-Entwickelns, 

mit einem Wort: Improvisation. 

Philosophisch geht es auch zu beim DIETRICH EICHMANN ENSEMBLE und The 

Hot Days (LR 486). Eichmann, ebenfalls Pianist und ebenso wie Nabatov & Co. ohne 

Scheu vor dem Paradoxen und Komplexen, unternimmt sogar explizit ‚tests of 

ethics‘, mit musikalischen Mitteln und politischem Beigeschmack. Worüber er sich 

Gedanken macht, zeigen Titel wie ‚sweets from above‘, ‚low income seniors‘, 

‚fingerprint of new security trend‘, ‚five star tragedy‘, Titel, die manchmal erst auf 

den zweiten Blick ihre Stoßrichtung offenbaren. Eichmann beginnt und endet in Duetten 

mit Gunnar Brandt-Sigurdsson, der mit Electronics & Hörgerät (?) jämmerlich 

jaulen kann. Zwischendurch wechselt er vom Piano zum Cembalo und mit dem 

Drummer & Perkussionisten Michael Griener zu einem weiteren Duopartner, der 

seinen gehämmerten Stakkati oder Innenklavierpizzikati mit aufrauschendem Getrommel 

begegnet. Chris Heenan an Altosax & Kontrabassklarinette stößt hinzu und 

für die 8 Min. von ‚the worm from the void‘ erweitern die beiden Kontrabassisten 

Alexander Frangenheim und Christian Weber Eichmanns flexibles Ensemble sogar 

zum Quintett. So auf subtile Weise spitz und kritisch wie seine Ethik, so diskant und 

ruppig, schnarrend, spotzend und rappelig ist die zugehörige Ästhetik. Der Kapitalismus 

scheißt und die New Security-Sheriffs bewachen vielleicht die größeren 

Haufen. Aber man muss kein ‚public servant‘ und low income senior in spe (wie ich) 

sein, um zu kapieren, dass Süßigkeiten schon lange nicht mehr vom Himmel fallen. 

31

ANTHONY BRAXTON ist inzwischen so etwas wie der Leo-Star, 

obwohl seine Kreativität über das Fassungsvermögen eines Label 

hinaus geht. Mit Trio (Glasgow) 2005 (LR 487 / 488, 2 x CD) 

sind wir im Kalender nur 4 Tage weiter gerückt seit 4 Compositions 

(Ulrichsberg) 2005 Phonomanie VIII (-> BA 52) und begegnen 

Braxton selbst an Altosax & Electronics im Verbund mit dem 

Kornettisten & Flügelhornisten Taylor Ho Bynum und der neuen 

Gitarrenentdeckung Tom Crean. Zusammen 

performen sie in zwei einstündigen Sets die 

‚Composition 323 a & b‘. Crean verdiente sich 

die Möglichkeit, in diesem ‚Diamond Curtain 

Wall Musics‘ Trio die Rolle eines Kevin O‘Neil 

oder einer Mary Halvorson zu spielen, durch 

sein Studium bei Braxton an der Wesleyan University, 

einer Reihe von Kompositionen wie ‚4 

Maps of Infinite Possibility‘ and ‚XXXX‘ für Gitarre 

& Computer, sein Mitwirken an Braxtons 

‚Sonic Genome‘-Project 2003 und der Aufführung 

mehrerer seiner Ghost Trance-Werke für 

Quartett 2004. So erlebt man nun das Phänomen, 

dass Ho Bynums stupende Virtuosität, 

die allein schon Aufmerksamkeit erregen 

könnte, nur ein Pol in einem Dreieck ist, das in 

Creans struppigem, unjazzigem Gitarrenspiel 

und in Braxtons auffällig zarten und quecksilbrigen Altoklängen 

ebenso starke Anziehungs- wie Abstoßungskräfte ausstrahlt. 

Und damit des Besonderen nicht genug, legt Braxton über weite 

Strecken mit seinen interaktiven Supercollider-Electronics einen 

irisierenden Schleier über diesen Tripol, schimmernde Gespinste 

aus feinen, leicht diskanten Drones. Crean kratzt und plückt 

dahinter auffällig stottrige, aleatorisch gestreute und rasante 

Kürzel von seinen Saiten, Ho Bynum sprudelt dazu ebenso 

schnelle, meist gepresste Linien. Dass Braxton sich aufs Alto beschränkt, 

stand eigentlich nicht auf dem Programm. Aber all seine 

übrigen Intrumentenkoffer gingen auf der Tour verschütt. 

Nach einer Dreiviertelstunde von ‚323a‘ keucht er Worte durchs 

Mundstück, eine weitere Irritation, die aber den freien Umgang 

dieses Trios mit flüchtigen, undefinierten Klängen und seinen 

Spaß an Noise, an Tempo und unvermuteten Träumereien demonstriert. 

Nicht umsonst hebt Ho Bynum unter seinen Erfahrungen 

mit Braxton zwei Punkte besonders hervor, „his insistence 

to keep challenging himself and his audience, and his refusal 

to accept any boundaries on his work.“ 

Diese Suche nach Selbstherausforderung und Grenzüberschreitung 

ist wohl der Motor für Braxtons unermüdlichen Selbstbefragungen. 

Die aber ähnlich wie bei Picassos oder Max Beckmanns 

Selbstporträts nie bloß Suche nach dem eigenen Wasauchimmer 

oder eitle Blicke in den Spiegel sind, selbst wenn man dabei das 

Publikum als Spiegel ansieht. Solo (Pisa) 1982 (Golden Years, GY 

28) ist wie Solo (Köln) 1978 oder Solo (Milano) 1979 in erster Linie 

eine Befragung und ein Härtetest des Materials, eigenem 

und ‚klassischem‘ - ‚Round ‘Bout Midnight‘, ‚You Go to My Head‘ 

und vor allem ‚Giant Steps‘. Coltranes Eckstein war für Braxton 

die Herausforderung, um daran seinen Schnabel zu wetzen und 

seine gleichzeitige Nähe und Distanz zur Jazztradition im allgemeinen 

und zur Saxophonartikulation im Besonderen mit kreativer 

Spannung aufzuladen. Das Publikum in Pisa brachte er mit 

seiner rasenden, flatterzüngelnden, schädelbohrenden Hypervirtuosität 

völlig aus dem Häuschen, zu einer nicht enden wollenden 

Ovation. 

Im Übrigen ist ‚323 b‘ ebenso verblüffend und entgrenzt wie ‚323 

a‘, ein funkelnder Diamant in der Braxtonia-Krone. 

32

Weiß der Teufel, der sie reitet, warum Akkordeonisten oft eine manische 

Ader haben. ‚El Acordéon del Diablo‘ ist zu einem festen Begriff 

für diesen diabolischen Pakt geworden. Auch EVELYN PE- 

TROVAs Temprament lässt einen infernalischen Antrieb für ihr extrovertiertes, 

rauschhaftes Spiel auf der ‚Quetschkommode‘ vermuten. 

Ihre Leo-Scheibe Year‘s Circle (2004) hatte ihr internationale 

Nachfrage eingetragen. Für Upside Down (LR 489) konnte Alex Kan 

ihren Wunsch nach einem Teufelsgeiger als Partner übererfüllen, 

indem er ihr die Bekanntschaft mit ALEXANDER BALANESCU 

vermittelte. So kann sich nun ihre slawisch-folkloristische Furiosität 

reiben und immer wieder entflammen an dessen rumänisch-jüdischen 

Tiefenerinnerungen. Der 1954 in Bukarest geborene Violinist 

kam zu Weltruhm mit seinem Balanescu Quartet und in der Michael 

Nyman Band im Crossover von Klassik, Film- und Popmusik. Die sieben 

von Petrova komponierten Duette erfinden mit meist rhythmisch 

pumpender und schneidender Uptempoverve eine 

‚Imaginäre Folklore‘ aus stürmischer Fiedelvirtuosität und akkordeonistischer 

Artistik à la Piazzolla. Petrovas Akkordeonfuror reimt 

sich auf Tribe und ebenso auf ‚crazy‘, schwelgt in dramatischen 

Verwicklungen (Journey‘, ‚Hungry Wind‘) oder heizt Party- (‚Torn 

Dress‘) und Feststimmung (‚Mouse Wedding‘) an und manchem wird 

dabei die ‚File under popular‘-Stoßrichtung einer Iva Bitova oder 

Amy Denio in den Sinn kommen. Nur ‚Shout‘ und ‚Dream‘ lassen im 

Bann von dunklen Stimmungen oder Sehnsüchten das ständige 

Stampfen und Wirbeln ganz. Petrova setzt durch Vokalisation zusätzliche 

Akzente, besonders effektvoll als keckernde Hexe bei 

‚Hungry Wind‘. 

Eigentlich hatte ich die leise Hoffnung, dass es bei Radio Free Europe 

(LR 490) zwischen mir und dem Gitarristen Mark O‘Leary endlich 

funken könnte. Immerhin hat er im UNDERGROUND JAZZ TRIO 

den Tortoise- und Powerhouse Sound-Drummer John Herndon und 

den Isotope 217-Bassgitarristen Matt Lux an der Seite. Er vermeidet 

es jedoch, in die Stiefel eines Jeff Parker steigen zu wollen und 

macht sein Ding. Das ist sowohl gut als auch schlecht. Gut, weil eigenständig, 

weniger toll, weil O‘Leary wie immer seine quecksilbrigen 

Singlenotetiraden nudelt oder die Sounds zieht und dehnt wie 

Kaugummi und in beiden Fällen in meinen Ohren Scheiße klingt. Es 

muss am Gitarrenklang, an der Art sie zu stimmen oder an mir liegen. 

Herndon und Lux sind leider nur brave Staffage für O‘Learys 

Geblubber aus dem ECM-temperierten Jazzmesolithikum. So wird 

das wieder nichts mit uns beiden. 

RAMON LOPEZ, wie O‘Leary ein typischer Leo-Act, hatte zuletzt 

im Trio mit Agustí Fernández & Barry Guy mit dem äußerst lyrischen 

Sound von Aurora (Maya) überrascht. Mit Swinging with Doors (LR 

491) knüpft der Spanier, wie der Untertitel Drums Solo II hervor 

hebt, an sein Leo-Debut Eleven Drum Songs an. Rhythmik spielt dabei 

nur eine Nebenrolle. Indem er zwei, drei Geräuscherzeuger herauspickt 

aus einem Riesenfundus an Perkussionskrimskrams, dessen 

Namen schon Musik machen - Balafon, Bamboo Chimes, Brushes, 

Cajon, Castanets, Cowbell, Darbouka, Djuju, Drumsticks, Kasa 

Kasa, Metal Chimes, Metallophone, Plastic Mallets, Ratatak, Sleigh 

Bells, Tabla, Talking Drum, Temple Block und sogar eine Okarina -, 

erzeugt Lopez kuriose Geräuscheffekte und phantasievolle Soundscapes. 

Er ‚malt‘, manchmal sogar nur mit bloßen Händen, wie mit 

Fingerfarben zwölf Variationen von Exotik oder rappelt in seinem 

Sammelsurium wie im sprichwörtlichen Karton. Der Clou ist jedoch 

Teppo Hauta-Aho als Türschwinger. Der finnische Kontrabassist 

knarrt und quietscht in Reminiszenz an Pierre Schaeffers Variationen 

für eine Tür und einen Seufzer, dass sich einem die Zehennägel 

rollen. Für Perkussionsliebhaber ein Gedicht. 

33

Der seit 1999 in Los Angeles ansässige Neuseeländer 

ANDREW PASK hatte mich schon 

als Choir Boy beeindruckt im Duo mit dem 

pfMentum-Macher Jeff Kaiser (-> BA 46). Sein 

Spiel auf Sopranosax oder Bassklarinette, obwohl 

pur schon ausdrucksstark und poetisch, 

bekommt durch feines Liveprocessing Schatten 

oder Spiegelreflexionen, unscharfe Konturen, 

Fransen, wallende Schleppen. So auch bei 

Griffith Park (pfMENTUM CD041), Spaziergängen 

mit dem Pianisten JONATHAN BESSER. 

Die beiden kennen sich schon von Down Under, 

wo der 1949 in New York geborene Besser seit 

1974 lebt, waren sich zuletzt aber 1996, während 

Pasks Zeit als Cantopopbegleiter in Hongkong, 

in Macao begegnet, als Besser mit den 

Triphonics auf Chinatour gewesen war. Der 

Pianist ist in seiner Wahlheimat ein profilierter 

Komponist, von Tangos bis zu Opern, und präsentiert 

mit dem Ensemble Bravura ein ‚Arts on 

Tour‘-Programm. Die Impressionen und Meditationen 

mit Pask frischen gegenseitig Erinnerungen 

auf an das ‚Auenland‘. Mit Titeln wie ‚Steam 

Engine Love Letter‘, ‚Dust Bunny Meditation‘, 

‚Coldwater Lightbulb‘ oder ‚Cloud Formation 

Microscope‘ kitzeln sie die Einbildungskraft, die 

alles Mögliche assoziieren kann, nur, von den 

52 erruptiven Sekunden von ‚Geosynchronous 

Hibernation‘ abgesehen, keinen Jazz. Allenfalls 

lässt Pask mal den Ausnahmetonfall von Lol 

Coxhill anklingen. Bessers Schachzüge und 

Tagträumereien sind ‚einfach Musik‘, sparsam 

und doch reizvoll durch das Wechselspiel markanter 

Anschläge mit gezielten Atempausen, 

exemplarisch bei ‚Chessboard Cowboy‘. Die 

Spaziergänger entwerfen Bilder, Landschaften, 

Stimmungen, und dann verschwinden sie darin. 

Wer ihnen gefolgt ist, muss sich fragen, ob er 

das alles selber träumt, oder ob er im Traum 

von jemand anderem gelandet ist. 

34 

pf MENTUM (Ventura, CA) 

Auf Sulphur (pfMENTUM CD046) präsentiert 

STEUART LIEBIG mit seinem Kammermusikquartett 

MINIM drei neue Kompositionen. 

Das dreiviertelstündige ‚Kaleidoscope‘ 

besteht aus 23 auf Haikus basierenden 

Miniaturen. ‚The Cherry Blossom Is 

Only Perfect When It‘s Falling From The 

Tree‘ ist ein harmonisches Palindrom aus 

13 Teilen in einem durchgehenden Satz 

und operiert dabei mit Terzinen, dem von 

Dante erfundenen Terza Rima-Reimschema 

a-b-a, b-c-b, c-d-c, d-e-d. Das kurze 

Quasirequiem ‚Necrological Pieties‘, für 

eine Choreographie geschrieben, hat seinen 

Titel von J.L. Borges entliehen. In Minim 

begegnet man erneut Andrew Pask an 

Klarinette & Bassklarinette, Sara Schoenbeck 

spielt Fagott, Brad Dutz Marimba, 

Percussion & Drums und der Composer 

selbst ist an seinen, zum Teil präparierten 

Kontrabassgitarren zu hören. Liebig 

macht die ‚Kaleidoscope‘-Miniaturen betont 

transparent und, der Haikupoesie 

entsprechend, frei von allem Überflüssigen, 

indem er die Vierstimmigkeit immer 

wieder ausdünnt. Der Klangfächer 

wird gebunden durch die Bass- und Kontrabasstonlagen, 

die oft holzigen Percussiontupfer, 

das schnarrende Röhren des 

Fagotts, das Schoenbeck selten in die Tenorlage 

aufhellen darf. Drei- & vierstimmige 

Momente wie XI und gleichzeitig quicke 

wie XII, XIII oder XVI wirken prompt opulent 

und übermütig. Mimin komplett, wie bei 

XIV, XVIII oder XXIII, ist fast schon Artrock. 

Der Gesamteindruck ist der einer originellen 

Simplizität, einer skurrilen Nyktophilie 

mit einer Vorliebe für die 17 (den 5-7-5 

Moren eines Haiku) und den sprunghaften 

Humor eines Kobayashi Issa. Eine sprung- 

und geräuschhafte Pointillistik bestimmt 

auch den Charakter der pietätischen Miniatur. 

Der Tod schleift seine Sense, die 

Uhr tickt, die Noten tropfen von Stimme zu 

Stimme. Diesen Effekt nutzt Liebig auch 

zum Auftakt des Kirschblütenstücks und 

setzt dann die Terza Rima-Spirale in Bewegung, 

durchwegs animiert. Der Minim- 

Ton und Liebigs Konzept verschütteln die 

66 Minuten miteinander zu einem einzigen 

Sulphur-Kaleidoskop. iTunes spielt schon 

die ganze Zeit ein Bisschen at random und 

ich merke es erst jetzt.

psi records (London) 

Music from ColourDome (psi 07.01) führt die Imagination in die 

‚Fabulous Sound Machines‘, die der Eyemusic-Artist Peter Jones 

mit seinen aufblasbaren bunten Röhren und Kuppeln erschaffen 

hat, zusammen mit dem Liveelektroniker LAWRENCE CASSER- 

LEY und dem Flötisten SIMON DESORGHER, die sie beschallen. 

Auch schon hierzulande, in Kaiserslautern 2001 oder in Köln 

2006. Seit Ende der 80er ziehen die beiden bereits mit ihrer Music 

in Colourscape durch die Lande und organisieren Colourscape 

Music Festivals, zu denen sie befreundete Künstler einladen wie 

Evan Parker mit seinem Sopranosaxophon, den Geiger Philipp 

Wachsmann oder den Elektroniker David Stevens. So geschehen 

zum ColourDome in Exeter, wo vorliegende Einspielungen im Juli 

2006 entstanden sind. Sowohl der im Kontext mit Psi-Macher Parker 

bereits mehrfach begegnete Casserley als auch Stevens verwenden 

nur Instrumentalklänge als Livesamples, wobei Casserley 

mit ‚drum-pad controlled delay lines and frequency shifters‘ operiert, 

während Stevens Processing auf Granulation und real-time 

sequencing basiert, wobei seine Sensoren sogar durch die Körperbewegungen 

der Musiker beeinflussbar sind. Und natürlich 

auch Geräusche von außerhalb der Gummiwände und von Passanten 

mit einfangen. Nur die Farben muss man sich noch selber 

einbilden. Da Casserleys Zwitschermaschinenspeicher mit Flöten-, 

Geigen- und Sopranosounds gespickt sind, hört man ‚Parker‘ oder 

‚Wachsmann‘ auch, wenn sie nicht persönlich mitmischen. Insofern 

könnten selbst die Duos von sich sagen: Wir sind viele. Nicht 

wirklich vermittelbar ist freilich die räumliche, farbliche, sinnliche 

Dimension. Aber es gibt schließlich auch Telefonsex. Hier gibt es 

quick zuckende und wischende Klangschraffuren zu hören, permanent 

und eifrig morphende Frequenzbänder einer aus Flöte, 

Geige etc. destillierten Sonic Fiction, Kammermusik aus der Zukunft, 

die längst begonnen hat. 

La lumière des pierres (psi 07.02) führt einen in die Kappelle zum 

Guten Hirten nach Montréal, wo es im Rahmen der Konzertreihe 

‚Innovations‘ zur Begegnung des Klarinettisten FRANÇOIS HOU- 

LE und von EVAN PARKER mit BENOIT DELBECQ am präparierten 

Klavier gekommen war. Der Pariser Pianist hat sich Mitte 

der 90er mit The Recyclers (w/ Akchôté & Argüelles) profiliert und 

dabei auch einigen Eindruck auf Houle gemacht, woraus dann 

zwei Duoeinspielungen für Songlines resultierten. Houle, der mit 

seinem kanadischen Quintett eine eindrückliche Aufnahme für 

Between The Lines gemacht hat (Cryptology, 2000), ist ein starker 

Vertreter der, wenn man so will, ‚europäischen‘ Schule und Parker 

beschränkt sich neben ihm ausschließlich auf sein Tenorsax, was 

ich als Zeichen des Respektes auffasse. Und außerdem erweitert 

es das Klangspektrum. Dem hellen Sonnen- und Mondlicht der Titel 

stellt Parkers Tenor das Gewicht von Steinen entgegen, etwas 

Raues und Schartiges. Dazu kommen die Splitter, die Delbecq aus 

seinen Tasten meiselt, meist mit Bedacht wie ein Bildhauer, der 

mit Marmor arbeitet, aber sporadisch rüttelt er auch Kies im Pianokasten 

hin und her. Nur zeigen die drei Klangbilder ‚stone 

through sunlight‘, ‚moonlight through stone‘ und ‚stone on stone‘, 

dass Stein Licht speichert und selber lichthaft wird und dass andererseits 

auch Licht bricht. Die Gegensätze werden leicht und 

flüchtig, wie Staubpartikel, die im Licht tanzen. Wenn Houle ganz 

hoch und hell pitcht, muss man die Augen zukneifen. Parker wiederum 

spielt gern den Demosthenes, der mit Kieselsteinen im 

Mund gegen sein Stottern angeht und über die Meeresbrandung 

hinweg seine Philippiken deklamiert. 

35

BARK! formierte sich 1991 in Manchester 

als Kollaboration des Stock, Hausen & Walkman-Mitbegründers 

Rex Caswell (an der E- 

Gitarre) mit dem Perkussionisten Philip 

Marks, der seit 1995 auch im Grew Trio 

agiert. 1999 kam der von Furt her bekannte 

Knöpfchendreher Paul Obermayer dazu, der 

mit seinen Samples das Bark!-typische bruitistisch-quecksilbrige 

‚Pollocking‘ kongenial 

komplettiert. Je weiter man aber in Contraption 

(psi 07.03) hinein taumelt, desto undurchsichtiger 

wird das Ganze. Das Plinkplonking 

mit Stricknadeln, Stöckchen oder 

Krimskrams, das ist Marks, die knurpsigen 

Mad Movie-Sounds, die kommen vermutlich 

von Obermayer, aber was heißt hier E-Gitarre? 

Sie geistert als Phantom in der Rappelkiste 

herum, als schnurriges, blinkendes, zirpendes 

Psi-Phänomen. Wer es spleenig mag, 

der kommt hier garantiert auf seine Kosten, 

insbesondere, wenn er ein Faible hegt für 

nervöse Tics oder polymorph-perverse 

Heimlichkeiten unterhalb der Grasnarbe. 

Musik für Köpfe, die schon mit ihrer Buchstabensuppe 

das Scrabblen anfingen und 

kryptische Hinweise herauslesen, dass die 

Welt vertrackter und das Leben übler ist, als 

Eltern ihren Kindern gegenüber zugeben 

möchten. Mr. Pointy, übernehmen Sie! 

36 

Auf dem FREE ZONE APPLEBY 2006 

(psi 07.04) hatten sich Paul Rutherford, 

Evan Parker, Rudi Mahall, Philipp Wachsmann, 

Alexander von Schlippenbach, Aki 

Takase und Paul Lovens zu 5 ‚Favourite 

Fruit Trios‘ und 4 ‚Favourite Fruit Duos‘ 

formiert, benannt nach einem Gemälde 

des Psi-Hofmalers Phil Morsman. Einmal 

bekommt man sogar einen Vierling aus 4 

älteren Buben auf die Pokerhand: R + P + S 

+ L. Anders gesagt, die Klänge von Posaune, 

Soprano- oder Tenorsaxophon, Bassklarinette, 

Violine + Electronics, 2 Pianos 

und Drums mischen sich zu einem Best of- 

Plinkplonk-Kaleidoskop, mit Takase & 

Schlippenbach als Pianopärchen zum Abschluss. 

Dem gehen derart facettenreiche 

Improvisationen voraus, dass, ob für abgebrühte 

Kenner oder neugierige Anfänger, 

alle Perspektiven zu Entdeckungen führen. 

Man kann der Spur der Klaviere folgen in 

ihrer jeweiligen Handschrift, oder viermal 

über Lovens und sein Geklapper staunen. 

Keine Vermutungen möchte ich jedoch anstellen, 

warum das Duett von Wachsmann 

und Takase keine 4 Minuten dauert und 

warum er auf dem Gruppenbild mit Dame 

derart Sicherheitsabstand zu ihr hält und 

Madame dabei fast den Rücken zudreht.

Wie schon beim George Lewis-Projekt Sequel für das NEWJazz 

Meeting 2004 gab der SWR2-Jazz-Redakteur Reinhard Kager 

auch den Anstoß für die spin networks (psi 07.06, 2 x CD) von 

fORCH beim Meeting 2005. Kagers Vorliebe für Grenzüberschreitungen 

zwischen Improvisation, Komposition und Elektronik hat 

nicht nur etwa das Otomo Yoshihide Quartet nach Donaueschingen 

gebracht, er regte auch das Electro-Duo Furt (Richard Barrett 

& Paul Obermayer) dazu an, sich mit John Butcher (soprano & 

tenor saxophones), Rhodri Davies (harps), Paul Lovens 

(percussion), Wolfgang Mitterer (prep. piano & electronics) und 

den Vokalisten Phil Minton & Ute Wassermann zu einem 

‚Orchester‘ auszudehnen. Das Projekt sprengte prompt alle Dimensionen, 

so dass die prallen 146 Min. vorerst nur 2/3 ausmachen 

(das dritte folgt demnächst als equals). Furt zapft einerseits 

die neuen KollegInnen als Klangquellen an. Andererseits sind in 

die voluminösen Oktettblöcke kleinere Verbindungen eingefasst, 

ein Duo von Davies & Wassermann, zwei Furt-Trios mit Minton bzw. 

Mitterer als drittem Mann und zwei elektrofreie Quartette, ein 

stimmloses und eins mit Minton & Wassermann. Den Oktetten liegen 

16 ‚basic improvisational models‘ zugrunde und entsprechende 

Proben. Statt eines bloßen Ad hoc-Jams steuert also, ähnlich 

wie bei Mitterers 2002 in Donaueschingen aufgeführter elektroakustischer 

Collage Radio Fractal / Beat Music für 7 Improvisatoren 

und 8-Kanal-Tonband, der Versuch das Geschehen, Automat 

und Physis, Computerspeicher und Spontaneität kreativ zu 

verschalten. Das fORCHT‘sche Orchestrion als ‚Organische Konstruktion‘ 

konstituiert sich durch Parameter wie ‚temperature‘ und 

‚pressure‘ und als ‚nekton‘, ‚plankton‘ oder Spinnennetz bio-metaphorisch. 

Die Klangwucherungen und Elektronenflüsse, abwechselnd, 

meist aber gleichzeitig fraktal, algorithmisch und biomorph, 

klingen entsprechend fiebrig, dicht, verwirbelt oder mild, entropisch. 

Mit den Vokalismen als Geist in der Maschine und speziell 

Minton in seinem Element. Caliban meets Cybertech in einem bizarren 

Total Music Meeting. Der Grad der Integration ist dabei 

ebenso erstaunlich wie die Klangoberfläche schillernd und prismatisch. 

Wenn Bark sich Bark! schreibt, dann fORCH mindestens 

fORCH!!!!!!!! 

Hook, Drift & Shuffle (psi 07.07), ein Livemitschnitt von EVAN 

PARKER, GEORGE LEWIS, BARRY GUY & PAUL LYTTON vom 

4.2.1983 in Brüssel, hat die LP Incus 45 am Haken. Einen dicken 

Fisch, dem Meer des Vergessens entrissen. Nicht einmal überkritische 

Nasen werden daran Es war einmal-Geruch wittern. Die 

Scheibe, in der sich Parkers Erfahrungen in den Zwiesprachen mit 

Lytton (seit 1971), mit Lewis 1980, mit Guy (seit 1981) und im 

Parker/Guy/Lytton Trio (seit 1983) verzahnen, hat in allen Aspekten 

das Format des Zeitlosen. Dem Brüsseler Konzert im Februar 

zu viert war nur die Tracks-Studiosession im Januar voraus gegangen. 

Es gab somit Vertrautheiten und gleichzeitig den Reiz von 

etwas noch relativ Neuem, der durch Lewis durch Devices und 

von Guy durch Electronics noch zusätzlich gekitzelt wurde. Tatsächlich 

wird man dazu verführt, meist zu vergessen, dass Lewis 

Posaune spielt, so geräuschhaft ist sein Zuspiel, das von Guy mit 

Allem, nur nicht gewöhnlicher Pizzikato- und Arcotechnik 

durchwebt wird, während Lytton mit Cymbals, Gongs, Woodblocks 

und ebenfalls Verstärkung anstelle einer perkussiven oder gar 

rhythmischen die bruitistische Seite hervor kehrt. Wer ein Missing 

Link der Energy Play-Linie sucht, wird auch diesen Moment finden. 

Aber eigentlich ist Incus 45 ein Vorläufer und Evolutionsschritt 

der Impro-Bruitistik mit extremen, mehr als einmal schmerzhaft 

schrillen Spitzen ins Diskante und genüsslicher Wühlarbeit am 

Fundament, auf dem die abendländische Wohltemperiertheit ruht. 

37

RuneGrammofon (Oslo) 

Der Bassist Eivind Opsvik stammt ursprünglich aus Oslo, lebt aber seit 1998 in New 

York und ist dort mit seinem eigenen Projekt Overseas (w/ Kenny Wollesen, Craig 

Taborn, Jacob Sacks & Tony Malaby) zugange und daneben noch in Dave Binney's 

Out of Airplanes oder mit Tone Collector und mit Rocket Engine spielt er sogar 

Black Sabbath-Kracher, „in an effort to find the missing link between early heavy 

metal and free jazz.“ Commuter Anthems (RCD2062) 

zeigt ihn erneut zusammen mit Aaron Jennings, einem 

Gitarristen, den es von Tulsa nach New York gezogen hat 

und der mit Opsvik auch noch in Hari Honzu groovigen 

Nowjazz spielt. OPSVIK & JENNINGS werden bei ihren 

handkolorierten Träumereien noch unterstützt von Rich 

Johnson an der Trompete und Ben Gerstein, einem Posaunisten 

mit einer denkwürdigen MySpace-Visitenkarte. 

Aber je mehr ich aufzähle, desto weiter drifte ich ab von 

der Simplizität der so smooth dahin fließenden ‚Pendler- 

Hymnen‘. Die wird man wohl als Folktronic oder Easy Listening 

etikettieren dürfen, wenn man im gleichen Atemzug 

die Software und die Sophistication erwähnt, die dafür 

aufgewendet wurden. Ganz entspanntes und federleichtes 

Postrockdrumming, Dadada-Singsang, Banjo, 

Concertina, Lap Steel- und Thereminwellen, ein Piano 

oder Percussion, die wie Spieluhren ticken, liefern feine Farbtupfer, einen Hauch 

von Country oder Hawaii, Melodienseligkeit in Exoticagefilden, der Van Dyke Parks- 

Bläser zwei-, dreimal einen fast wirklich hymnischen Schwung verleihen. Dann 

streicht Opsvik auf seinem Bass wieder mollige Töne, die Stimmung am ‚Silverlake‘ 

oder der ‚Lorinda Sea‘ wechselt mit den Wolken. ‚Ways‘ schwelgt in Harfenarpeggios 

und Streicherschmelz, bevor trockene Banjozupfer zu einem schlaffen Posaunentrott 

abbiegen und ‚I‘ll scrounge along‘ anschließend sogar in einen Trip- 

Hopgroove verfällt. Aber vielleicht sollte ich gar nicht soviele Worte machen, um 

diese Musik nicht aus ihrer Tagträumerei aufzuschrecken. 

Mit Amateur (RCD2063) legen Dag-Are Haugan & Espen Sommer Eide ihre bereits 

vierte Scheibe aufs Rune-Grammofon. Ihren ALOG-Erstling Red Shift von 1999 fand 

ich kürzlich second-hand, Duck-Rabbit (2001) und Miniatures (2005) vertieften inzwischen 

noch ihre spezielle Mischung aus organischer Electronica und handishem 

Gekruspel mit Found Objects und Selbstbauklangerzeugern. Der Ansatz ist in doppelter 

Hinsicht minimalistisch, als Arte Povera mit immer 

wieder repetitivem Duktus. ‚Exit virtuoso‘, Hallo simplicity. 

Der Cellist Nicholas H. Mollerhaug mischt mit, wie auch 

schon bei Sommer Eides Phonophani, explizit mit Vocoder-Singsang, 

aber ansonsten ebenso undefiniert wie 

Alog selbst. ‚Son of king‘ zum Auftakt gibt in seiner hingeklimperten 

Pascal-Comelade-istik die abgespeckte und 

verspielte Richtung vor, die ‚a throne for the common 

man‘ mit perkussivem Gedonge und monotoner Schrammelgitarre 

stoisch fortsetzt. Animal-Collectives Freakdom 

ist gleichzeitig der Weg und das Ziel. Romantisch? Der A 

capella-Song ‚Write your thoughts in water‘ spielt immerhin 

auf Keats an. SOPHISTICATION wird, wenn auch nur 

auf Wasser, definitv groß geschrieben. Dafür sprechen 

Titel wie ‚a book of lightning‘, das ausnahmsweise dröhnminimalistisch 

schimmert, ‚the future of norwegian wood‘ (es wird gehackt, geknarrt, 

genagelt und gesägt), ‚bedlam emblem‘ und das ppp-Pssst bei ‚sleeping instruments‘. 

Gefolgt vom mechanischen, thereminumjaulten Gamelan-tingtingtingtingtingting 

von ‚the beginner‘. Schon ab diesem Town & Country-Derivat und erst 

recht ab dem freakish angetwangten ‚the learning curve‘ oder der melancholischen 

Glockenspielmelodie von ‚exit virtuoso‘ kann man mich zu den Alog-Bekehrten zählen. 

Um Bedlam braust ein Sturm, der Flötenklänge mit sich reißt. Die Freaks sind 

längst ausgeflogen und haben sich unter uns gemischt. 

38

Obwohl beide erst Mitte 20, spielen Anders Hana & Morten J. Olsen schon 

10 Jahre zusammen. In Stavanger macht man das so. Mit Norwegianism 

(RCD2064) haben sie nun aber die Parole ihres MOHA!-Vorgängers Raus 

aus Stavanger in die Tat umgesetzt, die Einspielung entstand in Genf, engineered 

wurde sie in Berlin, das Mastering erfolgte in Bergen, Kim Hiorthøys 

Cover zeigt eine asiatische Schönheit in MoHa!-Ekstase. 

Schon mit den ersten Riffs von Hanas Gitarre 

und Olsens supercollider3-frisiertem Drumming 

leuchtet einem ihre Verzückung auch unmittelbar 

ein. So rasant und diskant ist selbst NorWave nicht 

alle Tage. Beim Knallfrosch-Doppelschlag ‚Gay‘ sind 

wir bereits bei den Tracks 5 & 6 und noch keine 9 

Minuten um. Schroff und splittrig fliegen die Fetzen, 

Hana lässt sein Casio detonieren, eine Drum Machine 

sich selber überschlagen. An ‚Entry One‘ würden 

sich andere die Finger verbrennen, hier ist der 

weißglühende Strich in der Landschaft eine quasi 

ambiente Atempause. ‚Entry Two‘ ist dann nur noch 

als Spuren subatomarer Partikel wahrnehmbar, bevor 

‚Home Four‘ wieder die Ohrenschraube fester 

zieht und die Wände mit Wasauchimmer bespritzt. 

Nur von Lightning Bolt habe ich bisher Ähnliches gehört. 

Mit der stillen Gedenkminute ‚Jolly One‘ (White 

Guilt Fills The Room)‘ verbeugt sich MoHa! vor den Wegbereitern ihrer Door-die-Zuckungen 

- Napalm Death, Yamatsuke Eye, Squarepusher... Als Höhepunkt 

dann der epische Zwilling ‚Ibiza One & Two‘, 6:50 & 5:30, ersteres 

auf Naked City-Wellenlänge entschleunigt, Letzteres ein manisches Punktschweißen 

in Zeitraffer, elektrisches Gepratzel zu perkussiven Detonationen 

und Ricochets. Mir bleibt die Spucke weg. 

Hana & Olsen befeuern auch das Jazzcorequartett ULTRALYD, das, von 

Altmeister Frode Gjerstad mit initiiert, inzwischen zum Schwelbrand geworden 

ist, nicht zuletzt dank der Kohlen, die der Noxagt-Bassist Kjetil D. 

Brandsdal nachschaufelt. Die Saxspitze bildet nun der 1976 in Bergen geborene 

Kjetil Møster, der schon mit Steinar Raknes The Core, dem MZN3 (Z 

wie Zanussi, N wie Nordeson) und seinem K. M. Sextet 

aus MZN3 + Hana, Olsen & Håker Flaten Freejazz 

auf norwegisch buchstabiert. Conditions For A Piece 

Of Music (RCD2065) hört sich schon vom Titel her 

anders an als Kick out the jams oder Full Blast. Wie 

der Hals eines Untiers, dem der Held den Kopf angeschlagen 

hat, hat Ultralyd zu wuchern begonnen und 

bildete Saprochords, Comphonien, Pentassonanzen 

und andere musikalische Imperative aus. Statt Noiserock 

und Powerjazz erklingen rätselhafte Träumereien 

(‚Pentassonance II‘), seltsam gebundene rockige 

Repetitionen, umsponnen von abschweifenden, 

teils auch verfremdeten Saxophon- (‚Low Waist‘) 

oder Gitarrenklängen (‚Comphonie V‘). ‚Débitage‘ 

verblüfft dann als kakophones Puzzle aus Plinkplonk, 

Drones und Musica Nova, deren Horizonten sich 

auch das von Olsen allein komponierte Titelstück annähert. 

Peter van Bergens Loos oder Kompositionen von Alex Buess setzten 

sich ähnlich zwischen die Stühle. Strenger Duktus, bei ‚Figurae‘ sind es 

Sax‘n‘Drum-Loops, aber ‚schmutziger‘ Klang, urige E-Bassriffs, rockiger 

Schub, diskante Gitarrentöne in Etudes Australis-Aleatorik. ‚Comphonie IV‘ 

verfällt in träge Zeitlupenbewegungen, die sich bei ‚Pentassonance I & III‘ 

noch weiter verlangsamen als über den Sternenhimmel verstreute Tupfen, 

wobei Olson meist nur sein Vibraphon pingt. Der Bass versinkt in Abgründe, 

das Saxophonröhren ist bis zur Unkenntlichkeit geronnen, die Musik 

insgesamt ein melancholisches Brüten darüber, was einem am Ende der 

Milchstraße erwartet. 

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7HINGS music (Edinburgh) 

Von Seven Things als Forum für exklusive mp3-Downloads war bereits in BA 51 die 

Rede anlässlich von KOJI ASANOs Live in Glasgow, der 3. Veröffentlichung einer im 

März 2006 gestarteten Reihe, die inzwischen anderthalb Dutzend Angebote umfasst. 

Den Auftakt machte CHARLEMAGNE PALESTINE mit The Golden Mean, recorded live 

at the Music Lover‘s Field Companion Festival May 2005 in Gateshead. Chaim Moshe Tzadik 

Palestine spielte dabei zwei Pianos gleichzeitig wie andere Leute Doublebassdrum. Er 

wird manchmal als Minimalist geführt, aber nichts ist irreführender. Das Unikum aus 

Brooklyn ist ein Maximalist vor dem Herrn, der mit ausdauernd repetitivem Gehämmer 

die Welt erschüttert und Obertöne zum Schwingen bringt. So auch in Gateshead. Die aus 

den Pianos aufsteigenden Klänge ähneln eher dem Läuten von Alarmglocken und gehören 

zu den markantesten im musikalischen Pluriversum. 

Auf dem gleichen Festival wurde Nmpering Live mitgeschnitten. Das Duo NMPERING 

aus Bhob Rainey und Greg Kelley machte zurecht Furore in der Improszene durch seine 

Geräuschhaftigkeit, die ebenso radikal wie virtuos ihre Quellen, einfach nur Saxophon 

und Trompete, verwischt und einen oft zweifeln lässt, wie das alles ohne elektronische 

Hilfsmittel zugehen kann. Dieses spuckige, gepresste Zischen, dieses spukige Fauchen 

oder Knurren lassen alle Vorurteile gegen Plinkplonk vergessen. Hören wird unmittelbar 

zum gespannten Lauschen, zum Staunen, zum Abenteuer. Was wird sich in den nächsten 

Sekunden aus der Stille heraus schälen? Welcher Geist will sich hier manifestieren? Das 

ist gleichzeitig gothic und spiritualistisch. 

Magnetic Migration Music beschert mir meine erste Begegnung mit der schottischen 

Künstlerin ZOE IRVINE. Aus dem Mitschnitt einer Liveperformance mit Mark Vernon 

(Vernon & Burns, Hassle Hound) mischte sie einen neuen Soundtrack. Stoff lieferten ihr 

Tonbandschnippsel aus ihrem Found-Sound-Archiv, für das sie lose Bänder aus der ganzen 

Welt aufsammelte und wieder aufspulte. Nach einem dramatischen Opernauftakt 

wird der Trip über eine imaginäre Geographie aus Sprache und Sound surreal und märchenhaft. 

Irvine, zurecht verliebt in das Patina ihrer Fundstücke, schnitt und klebte, manipulierte 

die Geschwindigkeit und setzt so einen ebenso selt- wie unterhaltsamen Erzählstrom 

in Gang, 4/5 Musique concrète, 1/5 Hörspiel, zwar ohne die Tapebeatles-Verjuxtheit, 

aber dafür mit einem pathetischen Finale aus Allah ou akbare und ‚The Windmills 

of Your Mind‘. 

Gleich noch toller ist das Rebetika-Projekt der Unsounds-Partner YANNIS KYRIAKI- 

DES & ANDY MOOR. Aus alten Rembetiko-Scheiben, Computer- und Gitarrensounds 

lassen der zypriotische Elektroakustiker, der mit conSPIracy cantata, Spinoza (or I am 

not where I think myself to be), The Buffer Zone und Wordless in BA vorgestellt wurde, 

und der Londoner, seit 1990 von Amsterdam aus operierende Gitarrist einen alten europäischen 

Blues neu entstehen. Moor hat von seinem The Ex-Mutterschiff längst Explorerkapseln 

in unerschlossenes Gebiet ausgesandt, Kletka Red in Richtung Klezmer-Punk, 

Thermal (mit den Copiloten John Butcher & Thomas Lehn) in Richtung Free Impro, mit DJ 

Rapture bricht er in negrophonische Worldbeat- und Sampladelixzonen auf. Hier improvisiert 

er zur haschischumnebelten Emigrantentristesse der 1922 aus Kleinasien Vertriebenen, 

den schellackkonservierten Gesängen und Bouzoukiklängen, die Kyriakides knurschig 

rotieren lässt und elektronisch umspinnt. Migration Music zeigt ihre dunkle Seite. 

PETER DOWLING ist ein Elektroakustiker in Glasgow von einigem Renommee. Für 

Don‘t Touch Me! (I Hate You Sometimes) ließ er, live auf dem Le Weekend Festival 2005 in 

Stirling, aus Knacksern und dem Brummen eines Gitarrenverzerrerpedals sein dröhnminimalistisches 

Noli me tangere entstehen, das lange wie von einer Totenuhr durchklopft 

wird. Das Klopfen wird zum Furzeln, das Brummen schwillt immer mehr an und wandert 

wummernd durch den Raum. Das Gefurzel beschleunigt zu trippelnden und kullernden 

Kobolden, zu platzenden, prasselnden Detonationen. Und in den zweiten 11 Minuten wird 

es erst richtig bewegt, mit Pustegeräuschen, mehreren motorischen Störsendern, zunehmend 

hektisch durcheinander laufenden Pulsen von unterschiedlicher Frequenz, 

plötzlich sogar streitenden Stimmen. Der Puls schlägt bis zum Hals, die Nebennieren 

pumpen Adrenalin und nur mit Mühe kriegt Dowling seinen Stress wieder in den Griff. 

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Der DJ, Komponist und Sounddesigner Dan Williams, der unter dem nom-de-disque 

VINTAGE 909 operiert, hat sich vor allem als musikalischer Direktor von Anton Adassinskis 

Tanzkompanie Derevo in Dresden einen Namen gemacht. Sein Soundtrack Scanning 

zeigt oberflächlich einige Gemeinsamkeiten mit Dowlings Don‘t Touch Me!, ein 

dröhnminimalistisches Mäandern, hintergründiges Pochen, verhuschte Stimmen. Aber 

nach 8 Minuten ist plötzlich alles anders, die Musik zerreißt zu Tonbandfetzen, die in 

‚falscher‘ Geschwindigkeit eiern. Der 2. Satz kommt als dunkel atmende Brandung daher, 

mit flatternd gerippelter Oberfläche und einer von feinem Glockenspiel akzentuierten 

simplen, melancholisch angehauchten Orgelmelodie, die ganz allmählich zum Stehen 

kommt. Der 3. Teil variiert den melancholischen Grundton mit Orchesterfetzen, die 

unter schwarzen Segeln vorüber ziehen, von spitzen und dröhnenden Spuren umspielt. 

Das romantische Tristan-Pathos schwillt immer mehr an und hüllt das Gemüt in eine 

dunkle Wolke. Die Noise Culture erobert Bayreuth. 

Der allgegenwärtige baskische Provokateur MATTIN schockierte 

das Le Weekend Festival-Publikum 2006 mit Wrong Commodity. Anfangs 

stand Mattin im Dunkeln nur da und man hörte - außer einem 

Rummsen nach 3 1/2 Minuten - nichts als Grundrauschen. Oder 

was man bei einer extended Version von 4:33 eben hört. Nach 4:53 

dann - TERROR, WEISSES RAUSCHEN bis das Zahnfleisch blutet. 

Nach 14:09 Schnitt, so abrupt, dass man das innere Ahhh im Publikum 

nachhallen hört. Dann wieder Stille bis 27:14 - und nochmal 

HARDCORE MIT GEBRÜLL BIS ZUM ANSCHLAG, eine knappe Minute 

lang. Dann ist irgendwie Schluss und das Publikum klatscht und - 

ein Teil zumindest - lacht. Soviel zu Provokation und Terror 2006. 

MAX RICHTER lieferte mit seinem 52-minütigen From „The Art 

of Mirrors“ den vorerst längsten Beitrag zur 7hings-Reihe. Der 

deutsch-schottische Komponist, der mit Future Sound of London, 

Roni Size oder Vashti Bunyan auch schon seine Kompetenz auf 

populären Feldern zeigte, führte beim Le Weekend 2006 als Auftragswerk 

eine Musik auf, die zur Begleitung von Derek Jarmans 

Archiv von S8mm-Filmen der Jahre 1970-83 dient. Richter selbst 

spielte dabei Piano und Laptop, Louisa Fuller & Nathalie Bonner 

Violine, John Metcalfe Viola und Chris Worsey & Ian Burdge Cello. 

Mit diesem Stringensemble schwelgte Richter melancholisch-minimalistisch 

in Gefilden, die am Rande von Simon Fisher-Turner und 

Karol Szymanowski beschallt werden, im Zentrum aber von Michael 

Nyman und Wim Mertens. Ich kann mir nicht helfen, Richter klingt 

kitschig und epigonal und nur mein innerer Schweinehund findet 

sein Gefiedel trotzdem ganz nett. 

LUC FERRARI (1929-2005) starb, bevor er seine Auftragsarbeit für 7hings vollenden 

konnte. Das Werkverzeichnis führt das angedachte Werk als Dérivatif (Archives SM, est 

resté inachevé en 2005). In seinem Andenken spielte The Scottish Flute Trio sein 

Madame de Shanghai pour 3 flûtes et son mémorisé (1996) noch einmal ein, mit 15 Minuten 

den bisher kürzesten Download (10/06). Ferraris Reminiszenz an Orson Welles 

Film Noir The Lady from Shanghai mit Rita Hayworth als Femme fatale beginnt mit chinesischen 

Frauenstimmen, Gelächter, trappelnden Schritten, Popsongfetzen, bevor die 

Flötisten Haltetöne dazu anstimmen. Die Szenerie eines Großstadtrottoirs mit offenen 

Geschäften wird beibehalten, es werden Kontakte geknüpft, um Verständnis in mehreren 

Sprachen gerungen. Die Flöten intonieren dazu weiterhin Haltenoten und hübsche 

Zackenlinien. Gläser oder Glöckchen blinken dazwischen und immer wieder hört man 

‚Chinatown‘-Gesprächsfetzen. Dann plötzlich Schüsse und ein letzter Dialog, eine Chinesin 

mit unverständlichen Zischlauten und Orson Welles selbst als Michael O‘Hara, der 

immer wieder „Not again“ murmelt. Stark. 

Monat für Monat kamen inzwischen neue Arbeiten hinzu, von Alessandro Bosetti, John 

Butcher, Spring Heel Jack, Bill Thompson, David Fennessy, aktuell Neil Davidson und 

demnächst Ute Wassermann & Aleks Kolkowski. Mit der Downloadwelt als solcher werde 

ich nicht so recht warm, aber die Musik ist von feinster Güte. 

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TOCADO-RECORDS (Rotterdam) 

Keine Ahnung, wie die Tocado-Macher auf BA 

gekommen sind. Sie stehen seit 1997 in Rotterdam 

ein für Blast-, Party- & Streetpunkrock, Hard-, Metal- 

& Emocore, Psychobilly und Jungsein, was eine 

gemeinsame Schnittmenge mit BA von Nullkommajosef 

ergibt. Doch halt, Acts wie Stöma oder Bruno 

and Robin schimpfen sich ‚avantgarde‘, Anderes 

wird als ‚alternative‘ oder ‚nu-wave‘ beworben. 

Hören wir einfach mal, was Sache ist: 

HARRY MERRY läuft unter Singer/Songwriter 

und die Songs seiner zweiten, nur 28-min. CD The 

Shunt (tocado 0043) gelten als ‚catchy‘. Vor allem 

hat Harry Merry einen Haarschnitt und einen Matrosenanzug, 

als ob er gerade mit Prinz Eisenherz 

gesegelt wäre. Knallige Op Art-Tapeten auf dem 

Cover geben seinen gesanglichen Eskapaden einen 

60s-Anstrich. Nichts Genuines, dafür sind die 

6 Songs zu meta, gleichzeitig käseorgel-trashig 

und sophisticated, grobmaschig und finessenreich, 

psychedelisch und parodistisch. So großspurig 

die Arrangements sind, so überkandidelt 

und rotznasig geben sich Harry Merrys Reim-dichoder-ich 

fress-dich-Lyrics: We sing and we swing a 

capella / Under the Venus-umbrella / With pictures 

of Barbarella / Her favourite magazine is Ella. So 

waren sie, die Swinging 60s, garantiert. 

Julie Scott ist die alleinige Songschreiberin und 

Sängerin von CAN_OF_BE. Zusammen mit dem 

Keyboarder Roeland Drost, der früher bei De Kift 

gespielt hat, einer Herman van Veen-Ausgabe von 

The Ex, mit Mark van Dijk an der Gitarre, Drummer 

Lesley Strik und Jaco van der Maarel am Bass 

dreht sie bei Don Quichot (tocado 0046) heftig an 

der Pathosschraube. Dabei werden Gefilde gestreift, 

die man mit Namen wie Patti Smith und PJ 

Harvey verbinden kann, aber nicht muss. Dass 

Scotts allenfalls mit Heroin überzuckerte Lovetroubles 

nicht bloß rammdösig Gitarrenwände 

hoch ziehen, dafür sorgt, neben weiteren irritierende 

Einsprengseln, mit Cello und Singender 

Säge Jan Willem Troost, der ansonsten mit Amago 

Tango spielt. Das verhalten beginnende ‚Mistletoe‘ 

wirkt gerade als ein gedämpfter und depressiver 

Moment besonders eindringlich. 

Wie Dutch Metalcore klingt, das lerne ich kennen 

mit Stainless (tocado 0047). Darauf kompiliert 

sind mit When All Life Ends, Mindscan und 

Drainlife drei Rotterdamer Bands, dazu Return 

To Reason und Until We Bleed aus Amsterdam, 

Facewreck aus Delft, Dominator aus Den Haag, 

Last Breath Denied aus Lisse und See My Solution 

aus Zwolle, allesamt live. Kein Klischee 

wird ausgelassen, was sicher auch das Schöne 

daran ist, jung und laut zu sein. Etwas verschämt 

krame ich nach meinen seit 10 Jahren nicht mehr 

gehörten Grind-Crushern von Earache. Und bin 

beruhigt. Metalcore ist ein Thema mit Variationen, 

die gegen unendlich gehen. Unkaputtbar, wie Jazz, 

und was da etwas streng riecht, ist nur Gouda. 

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Lushus: Sascha Hacska Merel Koning 

43 

Tocado 0050 wurde reserviert für 

die Nik Nok-7“ von STÖMA, dem Rotterdamer 

Drums & Bass-Duo von Wouter 

van Wijk & Bruno Xavier Ferro da 

Silva. Die beiden kennen sich gut aus 

DooDoo‘s Coffe, in The Must sind sie 

die Backup-Band von Harry Merry, 

Bruno ist daneben auch der Bruno neben 

Robin etc. etc. Nicht Lightning Bolt 

oder Raxinasky sind ihr Role Model. Sie 

ziselieren ihren Stoff verhaltener, Bruno 

singt den Titelsong, van Wijk bringt 

auf der instrumentalen, schallgedämpften 

B-Seite feine Effekte und 

Loops ins Spiel. 

Armand & Barry Hofstede und Henk 

Jan Hoekjen haben sich in Heerde, einem 

Kaff in Nordostholland, vor 6 Jahren 

zusammengetan zu THE STILET- 

TOS. Zum fetzigen Upbeat von 

Hoekjens Fender Telecaster und dem 

krachigen Rock‘n‘Roll-Drumming seines 

Bruders spuckt Armand wie aufgedreht 

wilde Zeilen ins Mikro. Ihr testosteron-gepeitscher, 

tuffer 60s-Beat, in 

den Garagenjahren durchlauferhitzt, 

klingt auf Stimulusblackboxresponse 

(tocado 0051) immer noch fast wie 

ernst gemeint. 

Im Kontrast dazu bestehen die SUI- 

CIDAL BIRDS aus Jessie & Chay und 

einer Drummachine. Jessie schrubbt 

Gitarre und schrei-kräht, Chay spielt 

Bass. Versus Life (tocado 0052) ist das 

zweites Lo-Fi-Manifest der friesländischen 

Riot Grrrls, deren Lieblingswort 

No ist: No Nada, No Way, No Fun No Art, 

No Use, No Summer, No Light. Jessie 

verwandelt Neil Youngs ‚Into the Black‘ 

in ein perfektes Patti Smith-Statement. 

Mit dem 5 Min.-Epos ‚Sensible Sinners‘ 

sprechsingt sie sich in die Liga der 

Denkwürdigen. Auch musikalisch nicht 

auf eine Masche beschränkt, da muss 

man nur zu ‚Salt Sugar‘ springen, zählen 

die Suicidal Birds definitiv zu denen, 

die bei ihren Selbstmordattentaten 

an der Genderfront auf mein Sympathisantentum 

rechnen können. 

LUSHUS schließlich knüpft mit Big 

Fat Man (tocado 0054, 7“) verblüffend 

originalgetreu an Postpunk- und Proto- 

Riot Grrrls wie The Slits oder Liliput an. 

Merel Koning & Sascha Hacska spielen 

beide Bass und singen von Bierbauchtypen 

oder fragen nach irgend 

einem Grund, es länger mit einer 

selbstsüchtigen Kreatur auszuhalten. 

Jorg van der Plank klopft und tickelt 

dazu die Beats. Sowas Freches finde 

ich wunderbar!

TOSOM (Memmingen) 

Durch die Wüste mit Tosom. Desert Space (TOSOM 025, 3 x CD-R), das sind Dünen, 

die sich bis zum Horizont wellen, ein Sonnengong, der alles Denken und 

Fühlen durchbebt, Eintönigkeit, Wind und Sand als das einzige, das dort billig ist. 

Antonio Amoroso hat Erfahrungsberichte zusammengestellt von Expeditionen 

und Durststrecken durch ganz unterschiedliche Wüsten. Einige davon Outer Space, 

als Driften in gähnender, sternenstaubiger Unendlichkeit, andere beginnen 

gleich vor der Haustür. Bei ‚Apathie Im Supermarkt‘, dem seligen Seufzer von 

Seppuku Boogie über soviel Sand im Sonderangebot, ist sogar der Humor trocken. 

Davor hatten sich Halo Manash (unter dem Auralhypnoxdach im finnischen 

Oulu zuhause), N.Strahl.N (Mario Löhr), Tardive Dyskinesia, Feu Follet 

(Tobias Fischer in Münster), Aidan Baker aus Toronto und Roy-Arne 

Knutsen im steinigen Norwegen auf den Weg gemacht, eine Karawane aus Einzelgängern, 

mit ausgetörrten Kehlen, müden Füßen, zähem Durchhaltewillen, 

durch Halluzinationen desorientiert und im Wahn bestärkt, dass man nur dem 

großen Ommm folgen muss. Jeder hat seine eigene Wüste, jede Wüste ihre eigene 

Poesie. Die bei den einen hinein führt in das dunkle Ambiente imaginärer 

Landschaften, bei einigen in einen melancholischen Gemütszustand, bei wieder 

anderen zu einem meditativen Brüten. Bei Compest dreht sich eine von Wind 

umfauchte monotone Mühle, die die Zeit klein schrotet. Karl Bösmann hat für 

‚Medan Marked-Place - Pt. 2 & 3‘ Stimmengewirr zum Röhren von Wüstendämonen 

vermahlen. In der zweiten Gruppe ziehen Closing The Eternity, Oophoi 

aus Italien, False Mirror (Tobias Hornberger in Ulm), Netherworld (Alessandro 

Tedeschi), Phelos (Martin Stürtzer in Wuppertal), Vivian Gabin (Lars Dietrich 

aka Vernom, der mit Stimmengewirr und Akkordeonvolkslied einen ‚Persian 

Love Song‘ faket), der martialische Atrox (Andy Stöferle in Bad Saulgau) und 

Brandkommando vorüber. Der eine einsam wie Pluto, der andere nicht einsam 

genug, dem einen zerrinnt die Zeit zu Nichts, der andere löst sich selber auf wie 

Zucker in Sirup. Und da kommt noch ein Nachzügler, Tesendalo, absolut unwüst, 

im Hawaiihemd mit ner Flasch Bier und einer aufgekratzt abgespulten 

Drehwurmmelodie. Stillstand (wie Compest ein Projekt von Martin Steinebach in 

Kahl, bei dem ‚Europa‘ eine Zukunft als Wüste droht), Cria Cuervos (Eugenio 

Maggi), Shrine (Hristo Gospodinov aus dem bulgarischen Weliko Turnovo), das 

nordfinnische Duo Aeoga, Rotationszentrum, Steinfeld, Baradelan 

(Thomas Sauerbier mit einer sprudelnden Fata Morgana) und Festung Kronstadt 

(Stephan Rolf Schilling aus Leipzig) bilden die dritte Reisegruppe. Auch sie 

hüllt ein ‚Swarm of Drones‘ aus schwarzen Bienen oder grünen Dämonen ein. 

Matamore (Theremin Noise Club-Macher Chris Huber & Stephanie Gagne in 

Salzburg) mit dem rosenfingrigen ‚Church of Dawn‘ oder Agenda Kokon (aus 

Essen - Kompliment für den Namen) mit ‚Serafimgluten‘ nähern sich dem ‚Throne 

of Drones‘. Als ein ‚Storm of Drones‘ öffnet das Erhabene seine Tore, die höchste 

Stufe sombienter Einkehr und von psychoakustischem Deep Listening. 

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TOUCH (London) 

Die Begeisterung der Touch-Macher für die Vox Dei hält an. Und 

beschert als weiteres Kapitel Grand Mutation (Tone 30), den Zusammenklang 

von Lasse MARHAUGs Sinuswellenoszillationen 

und laptopgeneriertem Noise mit Improvisationen des Organisten 

Nils Henrik ASHEIM. Der konnte dabei in einer stillen Juninacht 

2006 auf seiner Lieblingsorgel spielen, der Ryde & Berg-Orgel in 

der Domkirke Oslo, installiert 1998 und eingeweiht mit Asheims 

Werk Salmenes Bok für Chor und zwei Orgeln. Die von Thomas 

Hukkelberg, zu dessen Referenzen schon Huntsville und diverse 

Sofa-Releases gehören, mit aller tontechnischen Sorgfalt mitgeschnittene 

Stunde wurde in 5 Tracks gegliedert. Deren Namen 

‚Bordunal‘ - ‚Phoneuma‘ - ‚Magnaton‘ - ‚Philomela‘ - ‚Clavaeolina‘ 

deuten den jeweiligen Akzent an: monochrome Haltetöne - die 

Blasebalg-Pneumatik, gleichzeitig auch ‚klingende Zeichen‘ 

(Neumen) - den ‚großen Ton‘, eine Reihe von vierhändigen Zackenkammsalven 

von nur knapp 2 Minuten - die abgeschnittene 

Zunge und ihre Metamorphose zur Nachtigall - die frei schwingende, 

auf einen Eisenbügel geschweißte Zunge der Äoline, einem 

um 1820 entwickeltem Orgelregister. Marhaug tritt zu Asheims 

Schillern zwischen Palestine und Messiaen den Blasebalg, 

d. h. er gibt dem Spiel Luft. Statt bruitistisch zu konkurrieren, 

webt er sublime elektronische Schleier. Asheim, 1960 in Oslo geboren, 

ist Komponist der Kirchenoper Martin Luther Kings himmelferd 

und preiswürdiger Orchester- & Kammermusiken. Sein 

Kompositionsstil ist dabei von seinen improvisatorischen Erfahrungen 

mit geprägt, etwa seinen 16 Pieces for Organ, die er 

ebenfalls schon auf der Osloer Domkirke-Orgel intonierte. Er evoziert 

etwas Erhabenes, ohne direkt sakralen Anklang. Seine 

Schwebklänge beben dennoch in der Luft, wie nur Licht, das 

durch Buntglasfenster fällt, in kühlen, hohen Kirchenschiffen stehen 

kann. Sie wallen, pulsieren und raunen, wie nur Prinzipale, 

Gedackte, Aliquotregister, Klangkronen und Kornette fiepen, 

raunen und aufrauschen können. Mit zwei Worten: magnum opus. 

Der österreichische Electronica-‚Gitarrist‘ Christian FENNESZ 

und der japanische Piano-Soundtracker Ryuichi SAKAMOTO 

fanden nicht nur im Laptop einen gemeinsamen Nenner für ihren 

Zusammenklang bei Cendre (Tone 32). Ehrlich gesagt, ist Sakamoto, 

bei allem Renommee (Merry Christmas Mr. Lawrence, 

1983, The Last Emperor, 1988, Sheltering Sky, 1990 etc.), in meinen 

Ohren immer ein Garant gewesen für gefälliges Geplimpel, 

ein Clayderman für Ansprüche, die Feuilletonschmocks für gehoben 

halten mögen. Er klimpert auch hier, wie zu erwarten, verhalten 

und zeitlupig seine ‚verträumten‘ Pianoetüden und Fennesz 

‚antwortet‘, indem er Sand und Asche darüber streut. Bei manchen 

Stücken machte der Wiener auch den ersten Zug, freilich 

ohne den lyrischen Grundtenor seines Seniorpartners (1952 vs. 

1962) anzutasten. Wie atmosphärisch er auch die 11 Klangbilder 

mit feinkörnigem Knurschen und feinelektronischen Schwaden 

überzieht, das Piano streut mit gleich bleibendem Aschermittwochsgestus 

seine pianistischen Krümel unter die Tauben. 

Einige werden den nachdenklichen Duktus als melancholisch 

empfinden und die Tristesse mit „Bye-bye happiness, Hello loneliness, 

I think I'm gonna cry“ begrüßen. Aber nur das Titelstück, 

bei dem das Klavier fast gänzlich weggemischt ist, findet meine 

seufzende Zustimmung. Ansonsten ist mir speziell Sakamotos 

‚Stimmungsmalerei‘ zu soundtrackpsychologisch, zu sehr 

‚Gefühlsklaviatur‘. Beim diesjährigen Moers-Festival sprang Fennesz 

mit Mike Patton wieder ans andere Ende der Sakamoto- 

Skala. So muss das sein. 

45

VICTO (Victoriaville, Québec) 

Les Disques Victo hat 2007 einen Grund zum Feiern. 

20 ans déjà. Um zum Jubeljahr die Qualität zu 

liefern, für die Victo steht, greift Michel Levasseur 

nunmehr zu Mitschnitten der FIMAV-Ausgabe 

2006. Downpour (VICTO cd 104), der Clash von 

NELS CLINE, ANDREA PARKINS & TOM RAI- 

NEY vertritt neben der NOWness von My Cat Is An 

Alien, Fieldwork, Huntsville, Mandarin Movie oder 

SunnO))), dem Charme von Charming Hostesss 

und Fe-Mail oder der Power von Etage 34, KTU 

und Zu fast schon eine Seltenheit: No Nonsense- 

Impro, allerdings als Fusion- und Elektro-Update. 

Clines Einfallsreichtum an der Gitarre, gespickt 

mit Effekten und Härte, lassen nicht einmal mehr 

ahnen, dass er 1979/80 als kalifornischer Nine 

Winds-Softie begonnen hat. Aber mit Rhythm Plague 

hatte er auch damals schon Neigungen gezeigt, 

die Schubladen zu verwischen. Längst lässt 

er ebenso gern mit Mike Watts, den Geraldine Fibbers 

oder Thurston Moore die Drachen steigen 

wie mit Gregg Bendian‘s Interzone, Vinny Golia, 

Steuart Liebig und den Nels Cline Singers. Seine 

exzessive Kunstfertigkeit vielseitig zu nennen, 

wäre untertrieben. Die Konstellation mit dem Tim 

Berne-Drummer Rainey, der ja mit Marc Ducret gitarristische 

Herausforderungen gewohnt ist, und 

mit Parkins und ihren Sampler-, Akkordeon- & 

Keyboardsounds war bereits im New Yorker Tonic 

als Ash and Tabula (Atavistic) erprobt worden. 

Rainey wartete in Victoriaville mit einer Summe 

dynamischer Beatverschachtelungen auf, jenseits 

dessen nur noch das Berserkertum des Skronk- & 

Dirty Jazz existiert. Wenn er und Cline einen in die 

Zange nehmen, reichen die Sinne nicht aus, um 

die unkalkulierbaren Wendungen dieses Freispiels 

auf einmal zu erfassen. Besonders undurchsichtig 

ist die Rolle, die Parkins spielt. Die Cousine von 

Zeena Parkins, trioerprobt durch ihr jahrelanges 

Engagement mit Eskelin & Black, behauptet sich 

dort wie hier als elektrifizierter Luft-Geist, als 

‚Drittes Element‘ (Daz dritte element daz ist der 

luft der besluzit in sich die ersten zwei). Schimmernde 

Haltetöne, zart bebende Zitterwellen, die 

Clines dröhnende oder abgerissene Kakophonie 

und Raineys knackiges Gerumpel und quecksilbrige 

Spritzer gleichzeitig von ‚Innen‘ durchzucken 

und von ‚Außen‘ umwölken. Gibt sie selbst sich 

diskanten Launen hin, versucht Cline sie mit eindringlich 

singendem Riffing zu beschwören, zu 

besänftigen. Hartnäckig wiederholte Bassfiguren 

der Gitarre und Marschrolls der Drums versuchen, 

die nesselnde Giftigkeit der Elektronik in einen 

Groove einzubinden. Aber so simple Lösungen 

werden schnell wieder verworfen zu Gunsten 

von ständiger Gärung, quicken Volten, Dynamik 

mit Effet. Wer das als orientierungslos abtut - Unfortunately, 

taken together, the trio’s music too 

often simply did not seem to go anywhere“ - , wie 

M. Bélanger in All About Jazz, überreizt die Rolle 

des abgebrühten Connaisseurs. 

46

Die Symphonic Wind Band der Shanghai Jiaotong Universität, Wong Kar-Wais 

2046 und FujiN RaijiN (VICTO cd 105) haben nicht nur gemeinsam, dass sie sich 

als persönliche Sinneseindrücke im Mai 2007 mischten, es sind auch asiatische 

Weisen, Östliches und Westliches zu hybridisieren. Die Wind Band aus Shanghai 

als unchinesisches Blasorchester in der Mixtur von Erhu-Volkstümlichkeit mit 

Sousa und Mancini; 2046 als von Peer Raben und Nat King Cole beschallte Melancholie 

im Hongkong der 60er Jahre; und das SATOKO FUJII MIN-YOH EN- 

SEMBLE mit 2 neu arrangierten und 4 von Fujii neu komponierten japanischen 

‚Volksliedern’. Ich kann daran allerdings nichts ‚typisch Japanisches’ erkennen 

und bin nicht sicher, ob Japaner sich dabei gleich ‚wie zuhause’ fühlen. Eher 

scheint mir das, was die Pianistin und ihr Mann Natsuki Tamura auf der Trompete 

zusammen mit dem Posaunisten Curtis Hasselbring und Andrea Parkins am Akkordeon 

spielen, nur einen Katzensprung von Gato Libre entfernt. Das Wiegenlied 

‚Itsuki No Komoriuta’, das schon von Baden Powell oder Helen Merrill und immer 

wieder auf der Shakuhachi angestimmt wurde, klingt hier ernst und kunstvoll, wie 

ein Kunstlied ohne Worte, das Allzubekanntes quadriert und eher verschlungene 

Wege als den direkten Weg zum Herzen geht. ‚Kariboshi Kiriuta’, ebenfalls ein 

Shakuhachi-Standard, bezaubert sogar als tatsächliches Min-Yoh-Lied, von Fujii 

selbst großartig gesungen, lange nur von der Trompete begleitet. Fujii vermeidet 

sowohl volkstümliche wie exotische Klischees und operiert doch mit Dramatik und 

starken Gefühlen. Sie lässt das Blech melodiös singen, harft und klimpert Innenklaviersplitter, 

hämmert und pocht den ausdrucksstarken Duktus ihrer strengen 

Stimmführungen. Parkins fällt dabei die Rolle eines Phantoms zu, ihr Akkordeon, 

ansonsten der weltmusikalische Hansdampf, sirrt und dröhnt so elektro-alchemistisch, 

dass eher Teodoro Anzellottis Neutönerei als Folklore mitschwingt. All diesen 

Schraubendrehungen zweiter und dritter Ordnung traue ich den Ehrgeiz zu, 

Third Stream- und Eine Welt-Musik sublimieren zu wollen zur Musica Nova eines 

globalen Utopia. Aber kann man von einer Frau, die zusätzlich zu ihren diversen 

Trios und Quartets mit 4 Big Bands gleichzeitig jongliert, weniger erwarten? 

47

Das FIMAV ist beispielhaft für die Suche nach der ‚Summe aller Töne‘. 

Diese Suche stellte 2006 Mike Pattons Projekte mit Fennesz, Rahzel 

und Zu neben das Mei Han Ensemble, das Nunavik Project von Think Of 

One und den extremen Noise Terror von BORBETOMAGUS & HIJO- 

KAIDAN. Die Saxophonisten Jim Sauter & Don Dietrich und Gitarrist 

Donald Miller pulverisieren seit 1979 die Schallmauer. Jojo Hiroshige 

versucht seit 1979, den Stillen Ozean auszusaufen. In Osaka wurden 

er und seine Crew beim Versuch, Hawkwind, Faust und vor allem die 

LAFMS-Freaks Airway japanisch zu überbieten, einer der Stammväter 

des Nippon-Noise. Seit 1982 intensiviert die Fluxus-gestählte Junko als 

Screaming Banshee sein Gitarrengemetzel. Bei Both Noises End Burning 

(VICTO cd 106) brachten am 21.5.2006 noch die Tinnitus-Furie 

Nao Shibata, die ansonsten bei Doodles oder New Rock Syndicate 

trommelt, und der Bankangestellte Toshiji Mikawa mit seinen Mr. Incapacitants-Electronics 

die Luft zum Brennen. Die 7-stimmige Kakophonie 

vexiert, während das schon nach wenigen Sekunden durchgegrillte 

Gehirn nicht weiß, ob es implo- oder explodieren soll, zwischen Wall 

of White Noise - „monolith of sound“ hat Dietrich das mal genannt - 

und einem stechenden Beschuss mit Myriaden von Feuer- & Eisnadeln, 

einem furiosen Schwarm unablässig attackierender Mikrodämonen. 

Verursacher dieses Hirnsausens sind ältere Glatz- und 

Grauköpfe, bausbäckige Brillen- und BubikopfträgerInnen. Sie dienen 

den Godz of Noiz nicht in jugendlichem Übermut, sondern mit reiflicher 

Überlegung und hartnäckiger Treue zur Mission, einen zu zernichten, 

als ob man unter dem Niagarafall duschen würde. Decode, 

rewire, letztendlich in die Auferstehung jagen. Als Einzelquelle erkenntlich 

bleibt weitgehend nur die hoch gepitchte Stimme Junkos, die 

‚wie am Spieß‘ kläfft und kirrt und dabei oft mit den Saxophonen verschmilzt, 

wenn diese nicht mit Gummischlauch angeblasen werden 

und dabei einen dunkleren Ton annehmen. Dazwischen verklumpen 

sich die schrillen Lärmspuren zu einem konvulsischen Knäuel junger 

Raketenwürmer. Der rauschende Mahlstrom ihres Düsendonners wirkt 

wie ein Schwarzes Loch im Ocean of Sound, als ‚The Challenger 

Deep‘, der einen zu nihilieren droht oder verspricht. Und nach knapp 

72 Minuten nur Beifall erntet. Ich kann Stockhauses Kummer gut verstehn. 

Wenn Japaner dieses ‚Schwarze Loch‘ ansteuern, nennen sie das Psychedelia 

(die Lettern des bekanntesten Labels für japanischen Extremismus 

PSF stehn für Psychedelic Speedfreaks) oder Alchemy (so 

heißt Mikawas Label in Osaka). Von Außen wurde das interpretiert als 

Ästhetik des Erhabenen oder Totalitären, als Sado-Masochismus oder 

Fetischismus, als Identifikation mit der Moderne als Aggressor oder 

terroristische Subversion gegen eben diesen Unterdrücker und Nihilierer. 

Nach Michel Henritzi geht es Noise-Musik um „losing control 

over oneself, about losing one‘s relationship to the world.“ Sie sei „a 

music of catharsis and hysteria“, die in erster Linie dem Lustprinzip 

gehorcht. Falls je Zustands- und Konsumkritik eine Rolle gespielt haben 

sollte, wurde sie längst selbst zur Konsumdelikatessware. Henritzi 

zufolge wurde daher die Phase des Experimentierens mit „saturation, 

overdrive and multiple stratifications“ abgelöst durch dekonstruktivistische 

Strategien, wie Otomo Yoshihides ‚Sampling Virus‘, und vor allem 

durch „a minimal aesthetic, working with the infinitesimal and the 

inaudible“ (Onkyo) [-> Japanese Independent Music, Sonore, 2001] Die 

Renaissance der Old School- und Overdrive-Phase (mit Keiji Haino und 

Merzbow als allgegenwärtigen Festival-Hoppern) kommt einigermaßen 

unverhofft. Und erklärt sich am ehesten durch die Quest nach der 

‚Summe aller Töne‘, die auf ein synergetisches All together now zu 

setzen scheint - SunnO))) + Haino + Wolf Eyes + Braxton + Patton + Zu + 

Hijokaidan + Borbetomagus... Free + Freak + Doom + Noise + Exotik... 

Alchemie für Maximalisten? Here come the Harvest Buns, A belly full 

for everyone. 

48

DAS POP-ANALPHABET 

BURKHARD BEINS Disco Prova (Absinth Records, Absinth 013, in 7“-Cover): 

Perlonex-Perkussionist Beins auf Musique concrète-Pfaden. Mit Analogsynthesizer 

und einer zerkratzten italienischen Hifi-Testplatte (‚EQ-20‘), sowohl out- wie 

indoors ‚Fieldrecordings‘ aus Brooklyn (‚Schaltkreis‘), einem elektrischen Gasanzünder 

(‚Igniter‘), Schnipseln von Joy Division-LPs (‚For Ian Curtis‘), mit einer großen 

Styroporkiste, an die eine 12 Meter lange Schnur angebracht wurde und 

Wassergeräuschen (‚Sekante‘); nur ‚Reel‘ und ‚Slope‘, ersteres weniger und in 

Verbindung mit der selben Testplatte wie ‚EQ-20‘, letzteres relativ pur, lassen 

den perkussiven Beins anklingen. In meinen Ohren besteht der Witz dabei darin, 

dass bruitistische und perkussive, ‚verfremdet‘ konkrete und handish-analoge 

Klangkreation, ineinander fließend, ihre Verwandtschaft zeigen. Dass etwa Asmus 

Tietchens oder Keith Rowe bei Nacht ununterscheidbar werden als zwei 

graue Katzen, dass das Pluriversum der Klänge und Geräusche nicht pythagoräisch, 

sondern heraklitisch einem um die Ohren wummert, brummt und plätschert. 

BERTHIAUME, BRZYTWA Bebe Donkey (Ambiances Magnétiques, AM 163): Die 

Begegnung mit Derek Bailey 2002 war schon ein Schlüsselerlebnis für den Gitarristen 

Antoine Berthiaume, aber ein Semester am Mills College bei Fred Frith und 

Joëlle Léandre verschob seine Perspektive ein weiteres Mal. In Oakland traf er 

auch auf die Flötistin & Laptopelektronikerin MaryClare Brzytwa, die sich als ein 

Wurmloch in ein Riot Grrrl-Wunderland entpuppt. Die 1981 in Youngstown, Ohio, 

geborene Tochter sehr katholischer Polen ist eine rasiermesserscharfe ‚Queen 

of B-bands‘: In Bolivar Zoar mit Ava Mendoza & Theresa Wong halbwegs zwischen 

Äffchen und Engeln, oder wie Mendoza meint, halbwegs zwischen Bo 

Diddley und Hildegard von Bingen; als Byznich setzt sie im Alleingang ihr Mysti 

Marie Teater in Szene; und bei Slow, Children improvisiert sie mit der Kotospielerin 

Kanoko Nishi & der Drummerin Shayna Dunkelman E!!!!!motronics. Womit klar 

sein dürfte, warum Carla Kihlstedt sie auf das Unlimited 21 nach Wels eingeladen 

hat. Das MySpace-Wurmloch hat mich inzwischen über The Norman Conquest zu 

Nuclear Times rutschen lassen, dem Trio von Norman Teale mit Quentin Sirjacq 

und - Berthiaume (-> BA 47). Schwindlig gewirbelt durch diese Oakland-zentrierte 

MySpace-Zentrifuge, lande ich erst jetzt wirklich bei Bebe Donkey, benannt 

nach dem Donkey Punch Who is Really A Roller Derby Girl from Philadelphia. 

Berthiaume & Brzytwa scheinen da ihre Bewerbung abzugeben für eines dieser 

Akusmatikstipendien, die man nur bekommt, wenn man Bruitismus als ernste Sache 

betreibt. Alle Anklänge an Quirky-Pop, Frauenpower und Anti-Bush-Politik, in 

der Oakland-Szene allgegenwärtig, werden abgeschliffen zu schimmernden Gitarrendrones 

oder im Laptop zerschrotet, um damit abstrakte Gemälde zu bespritzen. 

Knispelige, knarzige Clicks, spotzige Störsignale und brummig verzerrte 

Wellen rauschen vorüber, ab und zu auch ein Anhauch von Flöte und keuchender 

Stimme. Bis ‚Punch‘ mit elegischer Zartheit und gezupfter Gitarre einem unerwartet 

direkt in die Augen schaut. Und ‚She also‘ tut das einige knurschige und 

pfiffige Minuten später noch einmal, mit orgelähnlichem Melos. Als Clou schließt 

‚Alitron‘ mit einer verrauschten Hommage an Derek Bailey. 

TIM CATLIN Radio Ghosts (23five 011): Sechs dröhnminimalistische Brummer, 

konsequent monochrom, setzen ihren Bohrstift an meiner Zirbeldrüse an. Zweimal 

mit akustischer Gitarre, dreimal mit E-Gitarre als Klangquellen, jeweils als 

präparierte Tabletop und speziell gestimmt. Ein Motor versetzt die Saiten in Vibration, 

einmal kommt noch ein Radio dazu. Beim sechsten Anlauf sirrt ein Becken. 

Ich könnte mit solchen Dröhnwellen inzwischen einen Whirlpool füllen, was 

sag ich, eine ganze Second Life-Welt aus dem Boden schießen lassen voller surrender 

Transformatoren, dopplereffektiver Geschäftigkeit, vorüberbrummender 

Motorflugzeuge, Rasenmäher, Zambonis, Bombuskolonien. Brumm, ergo sum? 

Halt, bei meiner Tirade hätte ich fast überhört, dass der Mann aus Melbourne bei 

‚Black Magnet‘ die Saiten pluckernd propellert, bis sie Obertöne ausspucken. Danach 

legt das Radio einen prasselnden Film und Jaultöne über das Titelstück. 

Und schließlich bekommen Cymbals das Zipperlein und mein Wohnzimmer fängt 

an, sich in einen Hubschrauber zu verwandeln. 

49

DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE Gleis3eck / 

Görlitzer Tunnel (Antiinformation, AICdisc 008, 2 x CD 

in DVD box): Vergangenheit ist ein heikles Ding. 

Manchmal will sie vergehen und kann nicht, manchmal 

soll sie vergehen und will nicht, manchmal ist sie schon 

verschwunden, bevor man sich‘s versieht. Das S-M hegt 

und hütet seine Vergangenheit und vergegenwärtigt 

damit mehr als nur sich selbst. Die Entstehungsorte von 

‚Görlitzer Tunnel‘ (1986) und ‚Gleis3eck‘ (1987) sind 

nach dem Fall der Mauer dem Vereinigungsfuror und 

Hauptstadtbaufieber zum Opfer gefallen. Der verpisste 

Fußgängertunnel unter Kreuzberg ist ebenso verschwunden 

wie die S-Bahndrehscheibe, die allerdings 

schon eine Industrieruine war, als Das S-M sie unbefugter 

Weise als Performancebühne okkupiert hat. Nur 

überholte Stadtpläne und alte Fotos konservieren ihre 

Existenz. Und in Spurenelementen sind sie aufgehoben 

auf diesen Bändern, von denen Auszüge bereits auf 

‚casual praise of domestic calamities‘ (Hypnagogia), 

‚intransitive 23‘ (Intransitive Recordings) und ‚Inventaire 

and contradictions‘ (Vinyl-On-Demand) herumgeistern. 

Hier kriecht nun die von Yref & G.do Hübner 

hergestellte ammoniakhaltige Langfassung ihrer bruitistisch-olfaktorischen 

Tunnelbohrung aus den Boxen (45:38). Ein diskantes Konzentrat 

aus Gestank und Geräusch unter schäbigem Neonlicht. Von oben dröhnt Kreuzbergverkehr, 

von unten klopfen die Untoten, auf die Berlin gar nicht genug Beton 

wuchten kann, dazwischen pfeifen Ratten mit Stammbaum bis in den Führerbunker. 

Alte Funksprüche suchen immer noch ihren Empfänger in dieser Pissrinne, die sich 

anhört wie eine Musique concrète-Disco für Morlocks, von denen auch einige lallend 

und gröhlend entlang torkeln. Was macht ihr denn da? Musik? ‚Gleis3eck‘, ein Triptychon 

von gut 80 Minuten, entstand als Probelauf des ‚The Spinal Column‘-Projektes 

für das Festival En la Frontera / n.o.v.a. far in Zaragossa in großer Besetzung mit 

Chavez, T.O.W. Richter, Isabelle Chemin & Jean René Lassalle. Selbstgebaute 

Streich- und gefundene Percussioninstrumente, Klangskulpturen, Tableguitar, Ventilator, 

Pick-ups, Miniverstärker, Feedbackloops etc. etc. wurden traktiert mit einem 

Spieltrieb, der längst zum Selbstverständnis als Installations- und Performancekünstler 

aufgeblüht war, und mit der zeittypischen Bruito- & Art-Brutophilie, wie sie 

auch die Einstürzenden Neubauten, P16.D4 oder Kapotte Muziek auslebten, indem 

sie Schrott zu Pflugscharen umschmiedeten. Damit wurden vor 20 Jahren Furchen 

gezogen, um Drachenzähne anzusäen, aus denen ein neuer Typus hätten sprießen 

können, Geniale Dilettanten, Künstler als Jedermensch, sentimentale Urbanisten, 

Spaßgewitterdandies. Statt dessen... 

AXEL DÖRNER sind (Absinth Records, Absinth 010, in 7“-Cover): Die Formel ist immer 

die selbe - 1≤n≤22 - die Ergebnisse der 22 Anläufe gehn jedoch gegen unendlich. 

Man kann versuchen, aus Kaffeesatz das Schicksal zu deuten oder sich Dörners 

Spucke in die Ohren schmieren und Öffne dich! murmeln. es wird immer Leute 

geben, die dabei ihre Zukunft erkennen können oder „Ich kann wieder hören!“ rufen. 

All music by Axel Dörner Trumpet lauten die spärlichen Angaben. Schon gut, man 

muss es nicht Musik nennen, hinter Trompete wird mancher ebenfalls ein dickes ? 

setzen und zudem zweifeln, wie das ohne Elektronik gehen soll. ‚Das‘ ist ein spuckiges 

Schmurgeln und gepresstes Fauchen in immer wieder von Stille unterbrochenen 

Variationen. Was Dörner da am und durch das Mundstück erzeugt, klingt teils 

‚Polnisch‘, teils wie walisische Ortsnamen, ein einziges przedmuchiwac, terkotac, 

skwierczec, chleptac, wybuchac zloscia und Llanfairpwllgwyngyllgogerychwyrndrobwllllantysiliogogogoch. 

Wobei blasen nur meint, dass gepresste Luft Reibegeräusche 

macht, Töne ‚sind‘ nicht vorgesehen, zumindest nicht in dem Sinn, dass der 

Natürlichkeit der Luftverwirbelungen Gefälligkeit aufgezwungen oder untergeschoben 

werden soll. Dörners Experimentenreihe sucht die seltsame Begegnung von 

Physis und Physik, von Wasser und Luft am Ground Zero von Mund und Metall. Im 

Otomo Yoshihide Quartett konnte man sehen, wie er das macht und dass einige der 

undeutbaren Geräusche entstehen, indem er mit Dämpfern am Trichter schabt. 

50

EGLE SOMMACAL Legno (Unhip Records, Unhip 012): Dieser 

Gitarrist in Bologna, der lange in Massimo Volume gespielt hat, 

bevor er ein Gastspiel bei Ulan Bator gab, hat John Fahey für 

sich entdeckt. Er bestreitet sein Solodebut mit 8 hochkarätigen 

Fingerpickingkreationen auf der Akustischen. Der Fahey-Einfluss 

ist allgegenwärtig in dieser Edelfolklore, die einiges an 

Virtuosität investiert, um derart klare und doch dichte Blockhauskonstruktionen 

aus purem Saitenklang zu fügen. ‚Holz‘ 

meint hier nicht hölzern, vielmehr natürlich, ehrlich, gewachsen. 

Ein blauäugiger Traum von Amerika. Aber schon bei Sergio 

Leone hatte der Böse blaue Augen. Dafür war Antonioni mit 

seinem terroristischen Zabrieski Point-Finale für Fahey ein 

Perverser. Sommacal scheint die Neue Welt noch einmal mit 

Auswandereraugen als offenen Horizont zu sehen. Greil Marcus 

nennt das gesuchte Utopia American Pastoral und zeigt, 

wie dahinter schon American Berserk lauert. Sir Richard Bishop 

zupft im Vergleich zu Sommacal assyrische Italowesternmusik. 

Aber womöglich geht es Sommacal gar nicht 

um die Neue Welt und das blaue Gras im Westen. Oh Boy, es ist 

einfach nur zauberhafte Gitarrenmusik. 

BRIAN ELLIS The Silver Creature (Benbecula Records, 

BEN042): Ein Jungtwen aus San Diego debutiert 2007 gleich 

doppelt auf dem schottischen Label Benbecula, zuerst mit 

Free Way und kein halbes Jahr später mit dieser virtuosen Demonstration, 

dass man auch allein Nu Jazz spielen kann, für 

den sich ansonsten ein Sextett anstrengen müsste. Ein opulentes 

Sextett mit Squarepusher an den Drums, Laswell am Bass 

und einer Phalanx an Keyboardern vom Kaliber eines Hancock 

oder Taborn, dazu Aphex Twin als Mann für ambiente Electronicaflächen. 

Titel wie ‚Basement Boogie‘ und ‚Home Cookin‘‘ 

lassen durchblicken, dass diese Allstarformation nur virtuell in 

Ellis Vielspurretorte synthetisiert wurde. Dabei liegt Funkyness 

im permanenten Widerstreit mit ätherischen Sounds. Silberrückengitarren 

werden durchfiebert von mindestens fünfhändigem 

Frickeldrumming, Keyboards tupfen versonnen in der linken 

Box, quellen dröhnend aus der rechten. ‚Flute Salad‘ quillt 

über vor Flötengetriller in exotischen Klangfarben. Verfremdete 

Bläserstimmen, synthetische Gitarren als Geisterfahrer, ein 

Saxophon, sogar eine Pipa werden von Ellis verquirlt. Carl 

Craigs Innerzone Orchestra ist der Blueprint, seine Ambition, 

Schönheit und Technik miteinander in Einklang zu bringen, 

scheint auch Ellis anzutreiben. Die durchwegs übereifrigen 

Beats zeugen dabei freilich von einem Schönheitsgefühl, das 

auf einer schnelleren Zeitspur dahin rast als meine. 

FAGO SEPIA l'âme sûre ruse mal (Aposiopèse Rec. / Bolton 

Wonderland Rec.): Ein Quartett aus Rennes, bestehend aus 

(und bestückt mit) pit (huge strings), jams & gis (little strings) & 

jerome (wood and skin) aka bass, guitar, guitar & drum. Instrumentaler 

Postrockminimalismus, mit einiger Sophistication 

konstruiert. Amor Belhom und mehr noch Jean Michel Pires 

Projekt Headphone können einem dabei in den Sinn kommen, 

hierzulande bietet sich vielleicht die ähnlich mathematisch 

fundierte Ästhetik von Ilse Lau als Vergleich an. Die transparente 

und dennoch indierockig dynamische Verzahnung der 

Gitarren, das animierte Midtempo mit sogar Handclapping- 

Rhythmik bei ‚trois‘, immer wieder melodiöse Doppelläufe von 

einnehmender Eleganz auf dem schmalen Grat zwischen kuschelig 

und cool, damit sammeln die Jungs aus Rennes Sympathiepunkte. 

Ob das ausreicht als Minimum Programme of Humanity, 

ist allerdings fraglich. 

51

FORMICATION Icons for a New Religion (Lumberton Trading Company, 

LUMB007): So mancher hat schon versucht, sich durch Spöttelei 

über den Namen - von wegen Sex mit Ameisen - erhaben zu dünken 

und wurde doch mitgesaugt auf die Rite de passage, auf die Alec 

Bowman & Kingsley Ravenscroft mit ihrer Sonic Fiction aufbrechen. 

Aber bestehen noch Zweifel daran, dass alle ausgesandten Spaceexplorer 

immer wieder nur den Weltinnenraum ausloten und die Abgründe, 

in denen man die menschlichen Daimones vermutet? Die 

Odyssee-im-Weltinnenraum-Psychedelic von Formication durchquert 

‚Dead Underground‘ und ‚The Void‘, um vorzudringen ‚In the Kingdom 

of the Electronic Eye‘ und in die ‚Faces of Fire‘ zu blicken. Was sich 

immer als ‚Introspection‘ gestaltet. Als Antrieb für ihre Ultrasound- 

Maschine benutzen Bowman & Ravenscroft (ein Name, in dem Namensvettern 

wie der musickalische Thomas und der Spear of Destiny-Schleuderer 

Trevor unwillkürlich mitgeistern) zwar einen Pool an 

akustischen Instrumenten, aber nur um die Klänge sonisch so zu alchimieren 

und zu rhythmisieren, dass 11 Phasen oder Etappen eines 

space-technoiden Läuterungstrips erklingen, der in einem sakralen 

Singsang mit Steve Reich-Puls gipfelt und mich fragen lässt, was eigentlich 

aus Cold Meat Industry geworden ist? Aus den Stirb & Werde- 

Ambitionen von Brighter Death Now, In Slaughter Natives oder Raison 

d‘être? With the new knowledge society was reborn; new culture, new 

architecture, new sience; a gleaming civilization enveloped the world 

and shone back through the stars. Scherz beiseite, wird Formication 

demnächst bei Ant-Zen andocken? 

FUNCTION The Secret Miracle Fountain (Locust Music, locust76): Du 

im Voraus verlorne Geliebte, Nimmergekommene, nicht weiß ich, welche 

Töne dir lieb sind. Indem er diese Rilke-Zeilen säuselt, übersetzt 

als „Beloved, lost to begin with“, entführt Matthew Liam Nicholson auf 

ein musikalisches Abenteuer, das ihn selber vier Jahre lang beschäftigte. 

Dabei reiste er um die Welt und brachte Aufnahmen mit zurück 

nach Melbourne von den Fidschi-Inseln, dem Sinai, aus Kyoto, Hawaii, 

Oxfordshire, Venedig, Holland und den USA. Mehr als ein Dutzend Musiker 

konnte er als Helfer gewinnen oder durfte er sampeln (Stuart 

Dempster, Robert Dick, Lakshmi Shankar) für einen Trip von über 72 

Minuten. Einsprengsel von Feuerknistern, Brandungsgeplätscher, Vögeln 

oder Gewitter, Cellos hier, Posaunen da, nette Effekte wie ein 

gestrichenes Banjo, Waldhorn, Flöten und allerhand Processing trugen 

Nicholsons psychedelischem Geschwurbel erstaunte Aahs und 

Oohs ein. Und ich steh wieder mal da und versteh den Rummel nicht. 

Vielleicht sind es die ‚anspruchsvollen‘ Titel wie ‚prayer in tonal 

forest‘, ‚mad light obviating things‘ oder ‚new music for bowed animals‘ 

(das als Stalling‘scher Looney Tune beginnt und sich dann mit 

Sand im Getriebe Richtung Nirvana loopt)? Dem Anspruch gerecht 

werden sicher nicht die Rockstücke und der Lalala-Pop, mit denen 

Function immer wieder von der Spinner- auf die Innenbahn einbiegt, 

sondern so Durchgeknalltes, dabei in seinem Vielspuroverkill nicht 

Unkomisches wie ‚unshaken (positively implacable)‘, ein Sursum Corda 

in den Brian Wilson-Himmel mit Posaunen, Rückwärtsgitarren und 

Kindergebrabbel, wie das hymnisch-delirante ‚hanalei (alone with the 

real magig dragon)‘ oder der Große Bombay-Schwindel ‚the broken 

shaman‘. Nicholson nennt sein Gesinge mal ‚falsetto dimentia choir‘, 

was meiner Hoffnung auf die Freiwilligkeit seines Humors Auftrieb 

gibt. Aber Sätze wie Have you noticed this place is on fire / what‘s 

your conclusion, how are you going to fly? und I must care for freedom 

/ in this freaksome hullabaloo hätten etwas Besseres verdient 

als Gutmenschengeschrammel. Und ist ‚thunder‘s freshwater tears‘ 

nicht bloß eine Lo-Fi-Version von CSN & Y? Hm, ich kann es letztlich 

nicht besser formulieren als das Pitchfork-Review: The Secret Miracle 

Fountain is very far from a perfect record; still, despite its 

length and meandering nature, it's rarely dull. 

52

GENARO Genaro (Benbecula Records, 

BEN038): Craig Snape hat manchmal etwas 

Helles und Klares in seiner Stimme, 

das mich an den jungen Peter Thiessen erinnert. 

Zusammen mit drei Freunden 

macht er in Carluke bei Glasgow allerdings 

erzbritisch eingefärbten Gitarrenpop, mit 

Wall of Sound-Sound, der durch fein geschwungene 

Synthesizergraffitis eine eigene 

Note bekommt. ‚Breakout‘ steht prototypisch 

für Genaros optimistische Ausstrahlung, 

ihren animierenden New Pop- 

Tenor, der auch in ‚Walk into the Sun‘ den 

Du-schaffst-es-Nerv stimuliert. In den ‚Dark 

Corners of the Mind‘ lagern zwar Atombomben 

und Maschinengewehre und 

‚Once in a While‘ bekommt die Fassade 

Risse und das Leben kann einen in seiner 

‚Forward Motion‘ rechts überholen, aber 

Genaro zwingt dark raus und mit hymnischen, 

absolut motiviertem Überschwang, 

wie ihn nur wahrer Britpop versprühen 

kann, all das rein ins Leben, was Du 

brauchst, nämlich POP. POP & Du, ‚Friends 

to the End‘. Doch selbst Genaro enden mit 

‚Throw it Around‘ als betrippste Bedenkenträger. 

Ja wer soll denn demnächst den 

Laden hier schmeißen, wenn alle nur Fussel 

aus dem Nabel popeln? 

GUILLAMINO Atzavara (Third Ear Recordings, 

3ECD-064): Piano und eine zischende 

Kaffeemaschine, dazu ein Kontrabass, 

eine Jazzband aus der Retorte, lässiges 

Whistling und souliger Gesang, nicht 

schön, aber naja. Pau Guillamet fädelt seine 

Eklektizismen zu einer Modeschmuckkette, 

wie man sie Spanientouristen andreht, 

unterlegt ‚anestesia‘ mit Triphopbeats 

und Vocalloops. Piano und Bass bestimmen 

aber vorerst noch den Grundton, 

über den immer wieder mal eine spanische 

Gitarre schrammelt. Der Gesang bleibt ein 

zwiespältiger Bonus, den launige Episoden 

wie ‚lupu el lladre‘ mit munterem Synthiebassgehoppel 

zwar wett machen, aber 

schon hat Guillamet die nächsten Anwandlungen 

als Soulcrooner, mal ‚alone & in 

danger‘, mal in ‚sexy daze‘. Dazwischen 

gibt er sich als Flamencogockel, schwingt 

die Hüften mal zeitlupig, mal uptempo zu 

Dubriddims; mit den Blasmusik-Samples 

von einer Sardana-Cobla bei ‚el mal moment 

a eivissa‘ gelingt ihm nochmal ein 

Highlight. 67 Min. sind reichlich lang, auch 

wenn Gedudel und Geloope wie ‚castanyada‘ 

oder ‚broken C‘ von sich aus keinen 

Wert darauf legen, aufmerksam gehört zu 

werden. Guillamino hat sich eingegroovt 

als Alleinunterhalter für Gäste, die erwarten, 

dass Barcelona sich à la Sonar schminkt 

und dazu auf der Hirtenflöte bläst. 

JEAN-LOUIS HUHTA Halfway Between The 

World And Death (Slottet, SLM5): Laptopnoise 

und Stringloops, gespenstisches Rauschen 

und minimalistisch repetitives Riffing auf einer 

Akustischen. Ist die schwedische Undergroundlegende 

zur Folktronic gewechselt, womögliche 

sogar zur düster-melancholischen 

Neofolkfraktion? Seine anderen Aktivitäten, in 

Audio Laboratory, Skull Defekts, Brommage 

Dub und dem Discogeisterfahrertrio Ocsid, 

machen das wenig wahrscheinlich. Andererseits 

deuten ‚Objects are sinister‘ oder 

‚Helvete‘ in ein bedrohliches Dunkel, in dem die 

Endstation Hölle winkt. Alles nur ein Spiel? 

‚Truth is in the sound‘. Und der ist monoton 

perkussiv, unheilschwanger, weniger durch 

wechselnde Thrills, als durch die Mechanik unbeirrbar 

dahin rollender Beats. Die Nebelfetzen, 

die sie umschleiern, und mondbleiche Orgeldrones 

lassen ahnen, dass die Membrane 

zwischen dem Nichtsein und der Welt aus 

‚furniture to sit on kitchens to cook in cars to 

drive‘ fadenscheinig ist. ‚Each day‘ pendelt 

müde am Einerleifaden zwischen so oder so. 

Die Hölle selbst entpuppt sich als geschäftiger 

Betrieb. ‚Suddenly there is a change‘ deutet einen 

Wechsel an, als E-Gitarrenakkord. Liegt 

darin die Wahrheit? Oder hingetröpfelt unter 

Stühlen und Autorädern? Den Dingen ist nicht 

zu trauen und ‚Memories‘ noch weniger. 

‚Straight to you‘ tupft in Zeitlupe verzerrte Keyboardnoten, 

die Gitarre klampft geduldig Begleitschutz, 

der teuflische Betrieb rollt sich zusammen 

und schnurrt. In den Nachhall von 

Beats mischt sich sirrend eine Mundharmonika 

- Schnitt. Beinahestille, Stille. Der Klang taucht 

weg, die Wahrheit verbirgt sich. Und taucht 

wieder auf, als Maschinenbeat mit Pokerface, 

durchpulst vom immer gleichen Orgelcluster. 

Am Ende bleibt nur ein Keuchen, wie durch 

eine Gasmaske. Jelp. 

53

A.J. HOLMES The King Of The New Electric Hi- 

Life (Pingipung, Pingipung 12): Alexander John 

Holmes ist ein Tausendsassa, als Mitbegründer 

von They came from the stars I saw them, mit der 

Rumba-Truppe Les Beaux Gosses de Berlin, als 

Vanishing Breed oder DJ Eskimo Tears. Und als 

Kreuzberger Starsongwriter mit Popappeal, der 

hier seine Wahlheimat Berlin mit dem Sound von 

Accra und Lagos kurzschließt, den highlife-typischen 

Jinglegitarren und dem Rumbapuls eines 

S.E. Rogie, E.T. Mensah und Emile Ogoo. Das 

‚Intro: The Story of the New Electric Hi-Life‘ 

spannt ein Netz von der Westcoast bis zum Eastend, 

von Kuba über Paris und Johannesburg und 

verbindet englische und deutsche Städte, sogar 

Würzburg mit seinem International Afro Roots 

Festival, mit Freetown, der Hauptstadt des bürgerkriegsgeschundenen 

Sierra Leone. Holmes 

lernte Highlife kennen durch den nach London 

emigrierten Folo Graff. Bei der Umsetzung der 

euphorisierenden Klänge konnte er sich wieder 

auf Dan Hayhurst aka Sculpture verlassen, dazu 

auf Anne Laplantine und ein weiteres halbes Dutzend 

Freunde als Sänger und Bläser, Zither- und 

Congaspieler. Dabei bleibt der überwiegend per 

Computer, Programming und Mixing kreierte, um 

nicht zu sagen gefakete Klang immer durchsichtig, 

um in erster Linie Holmes Songwriter-Sophistication 

und sein Storytelling zu befördern, die 

unter der elektropoppigen, oft euphorischen 

Oberfläche mit Paradoxien jonglieren. ‚Home‘, 

‚For Export Only‘ und ‚Still nothing to declare...‘ 

singen von Emigration, Heimatlosigkeit, Exploitation. 

Der meiste Afropop ist derart doppelbödig, 

nur dass wir die Texte nicht verstehen oder ignorieren. 

So entging einem, wenn man heuer auf 

der 19. Ausgabe des Würzbuger Africa Festivals 

den Maloya-Folk des eigenwilligen Griot Grrrls 

Nathalie Natiembé bestaunte, was sie da in La 

Réunion-Kreol sang. So unterschätzt man die 

Electric Griot-Radikalität von Ba Cissoko aus 

Conakry, die verstärkte Koras als Schweinerockgitarren 

aufjaulen lassen, als bloße Headbanger. 

Die London-zimbabwische Chimurenga-Lady Netsayi 

gibt sich dafür ganz demonstrativ als Teil der 

Schwesternschaft von Nina Simone, Meshell Ndegeocello, 

Mariza, als urbane und selbstbewusste 

Songwriterin, die ernsthaft und verständlich Bürgerkrieg, 

Migration, dirty laundry, Love & Money 

thematisiert und sich auch nicht für Tanzgrooves 

zuständig hält, wenn sie auf Shona singt. Holmes 

achtet umgekehrt darauf, nicht in die Exploitationfalle 

zu gehen. Sein Afropop, der klingt wie „a 

Europeans idea of African music, something like 

Van Dyke Parks 'Discover America' but with 

Highlife instead Calypso“, hat Gänsefüßchen, mit 

denen sich‘s zwar bestens tanzen lässt. Aber das 

evozierte Worldmusic-Paradies somewhere over 

the rainbow versucht nicht zu kaschieren, dass 

es eine Fototapete oder eine Fantasy von Rousseau 

ist. Die Sehnsucht ist paradiesisch, die Zustände 

nicht. 

54 

KATAMINE Lag (Tinstar Creative Pool): 

Katamine ist im wesentlichen ein Lofi- 

Projekt des Singer-Songwriters Assaf 

Tager. Im Geräuschnebel, der ihn und 

seine akustische Gitarre dabei einhüllt, 

deutet lange nichts auf die Präsenz von 

Freunden wie Haggai Fershtman und 

Uri Frost hin, deren Drums und Gitarre 

nur selten hörbar werden, sondern nur 

das Rauschen, das Katamine zur ‚quiet 

noise band‘ macht. ‚Winchester Gun‘ 

singt Tager im Duett mit Sharon Kantor. 

Sein angeraut nuscheliges Timbre passt 

perfekt für seine melancholisch-introspektive 

Folklore, für Zeilen wie: „Only 

blood in your pen, blood on the forskin / 

Tags on their bones, the rest is what 

your going to live with“ (How quiet 

should I be) oder wenn er im gespenstischen 

‚Pulse Song‘ „A dead man loves 

to sing“ murmelt. Noch schauriger wird 

es bei ‚Creep in the Cellar‘ und allmählich 

wird einem klar, warum Tager Michael 

Gira, Jarboe und Nico, Kafka und 

Dostojewsky verehrt. Beim morbiden 

Blues ‚Where the Ambulance rolls‘, bei 

dem eine Hochschwangere überfahren 

wird, mischen Gitarre und Cymbals 

‚wine and fire‘. Dass Tager zusammen 

mit Fershtman & Zoe Polanski als Ex- 

Lion Tamer seinem Faible für Joy Division 

und Sonic Youth in Tel Aviv frönt, 

bestätigt zwar die Vermutung, die sein 

Name weckt. Aber es bestätigt auch die 

irritierende Tatsache, dass American 

Blues und Folk perfekt als ‚Lingua franca‘ 

für den Tauschhandel von Gefühlen 

taugt.

KTL 2 (Editions Mego, eMEGO 085): KTL steht für Kindertotenlieder, 

ein Tanz/Theater/Stück von Gisele Vienne & 

Dennis Cooper, zu dem Stephen O‘Malley (SunnO))), 

Æthenor) & Peter Rehberg (Pita, Fenn O‘Berg) die Musik 

schufen. Weder Teil 1 (eMEGO 084, 2006) noch diese 

Fortsetzung sind allerdings identisch mit dem Soundtrack, 

sondern je eigenständige Sound- oder Dreamscapes. 

Wenn man unter Sound etwas Dramatisches versteht 

und Traum als Tauchfahrt auffasst in überwirkliche 

und unterweltliche Zonen. Ein Update von Mahler mit 

‚strings, fx, amps, digital osc, apps & drives‘? Um der 

Großartigkeit von ‚Theme‘, einer Himmel- & Höllenfahrt 

von 27 Minuten, oder den 21 Minuten von ‚Abattoir‘ in der 

Musikgeschichte Vergleichbares an die Seite zu stellen, 

könnte man sie tatsächlich auf die großorchestralen Prototypen 

von Bruckner und Mahler zurückführen. Nur dass 

KTL auch alle donnergöttlichen Dröhnwellen und Noisefrequenzen 

der Zwischenzeit mit dazu komprimierten! 

Die Kompression staucht sämtliche Beats zu einem einzigen 

Rauschen, zu einer frenetischen Raserei der Klangmoleküle. 

Dunkel brausende und noch finsterer grollende, 

stehende, schwellende, leicht schwankende Klangstrahlenbündel 

drehen ud drehen und drehen sich in einem 

Hochofen, der beheizt wird mit Carcass, Earth, Fear 

Falls Burning, Furudate, Nadja, Organ Eye und dergleichen. 

Schwarze Wolken werden so sehr gepeitscht oder 

erhitzt, dass sie die Schwerkraft überwinden. Vorher hatte 

sich ‚Game‘ leise dröhnend und wummernd in die Gehörgänge 

gegraben. Und abschließend flattert, sirrt, 

dröhnt und twangt ‚Snow 2‘ fast schon wieder irdisch, wie 

Desertrock mit Monument Valley- und Morriconepathos. 

Mir ist selbst das noch dramatisch genug. 

LES KLEBS Les Klebs (Ouie/Dire Production, in DIN A 5- 

Plastikbriefumschlag mit Comic): Wer Gesellschaft vermisst, 

sollte Seinesgleichen etwas bieten - Hunde lieben 

Knochen. Diese lehrreiche Geschichte ohne Worte stammt 

von Blex Bolex und landete als Phonographic Envelope in 

meinem Briefkasten. Den Phonopart lieferte der Klarinettist 

Xavier Charles zusammen mit David Chiesa am Kontrabass, 

wobei sie von Marc Pichelin mit elektronischen Modulationen, 

Jean-Léon Pallandre mit phongrafischen Projektionen 

und Laurent Sassi per Live Mixing & Processing 

in eine schizophone Szenerie integriert werden. Es erklingt 

eine elektroakustische, bruitistische Serenade im Grünen. 

Ein Symbiose von improvisierten Instrumentalklängen und 

elektronischem Noise, die sich mitten und quasi als Teil einer 

Illusion von Natur präsentiert. Ringsum zwitschern Vögel, 

summen Insekten, plätschert Wasser, quaken Frösche, 

rauscht das Meer. Das Schnarren und Kirren der Klarinette, 

vom Kontrabass umknarrt, umzirpt und umplonkt, und 

das elektronische Sirren, Stechen und Glitchen mischen 

sich ‚Ton in Ton‘. Dazwischen Muezzin- und Schäferrufe, 

Fahrzeuge brummen vorbei. Nach einer halben Stunde eskaliert 

diese plastische Geräuschwelt in einem kakophonen 

Rausch, in schrillen Turbulenzen. Dann ein stummes 

Loch, eine Spieluhrmelodie und Kuckucksuhrrufe, ein gellender 

Pfiff, eine zweite Lärmspitze mit Charles als Evan 

Parker unter elektronischem Beschuss, aber auch selbst 

als aggressiver Schädelbohrer. Jetzt Pianissimo, Rascheln 

im Wald und ganz leise verschmilzt Les Klebs mit dem Hintergrund. 

Ein starkes Stück. 

55

D e r P r o v o k a t e u r u n d d i e D a m e 

KOMMISSAR HJULER UND FRAU live in der Hörbar, Hamburg, 29.06.2007 

* Jeden letzten Freitag im Monat veranstaltet der Hörbar e.V. im Kino B-Movie auf St. 

Pauli Konzerte mit elektroakustischer improvisierter Musik. Dass dort auch Kommissar Hjuler 

und Frau auftauchen würde, habe ich durch Umwege erfahren – nämlich bei meiner Internet-Recherche 

zum Stichwort Dieter Roth. Ausgerechnet bei einem bekannten Internetauktionshaus 

stieß ich in diesem Zusammenhang auf unseren alten Bekannten, der in einer 

Artikelbeschreibung zu einem seiner Elaborate auf diesen Termin und ein etwaiges Anti-Konzert 

hinwies. Wenn das kein Grund ist, endlich mal in der Hörbar vorbeizuschauen! 

Auf der ansonsten leeren Bühne war nur ein Stuhl mit einem riesigen Teddybären, ein 

Verstärker und eine von der Decke herab hängende Polizeiuniform zu sehen. Irgendwann 

wurde Musik (so nenne ich das einfach mal) abgespielt. Monotoner Rhythmus, Frauenstimme, 

Geschrei, Freddy Teardrop, wieder mal eine Cover-Version, diesmal muss Suicide dran 

glauben (fast hätte ich Teddy statt Freddy geschrieben…). Das geduldige Publikum lauscht 

und wartet ab, ob da auf der Bühne noch mal was passieren wird. Nach geraumer Zeit erhebt 

ein Herr im Publikum seine Stimme und beginnt zu meckern – wie lange soll das denn 

noch so gehen? – passiert da noch was? – vorspulen! – das kann ich auch! Besagter Provokateur 

geht nach vorne, reißt die Uniform von der Decke und bringt die Leute am Mischpult 

dazu, ihm eine monotone Basstrommel einzuspielen, betritt die Bühne und beginnt mit zwei 

kleinen Schellenkränzen und Stimme in diesen primitiven Rhythmus einzusteigen – um zu 

beweisen dass er das halt auch kann; sich dabei aber auch irgendwie zum Affen macht. 

Kurz darauf betritt eine junge Dame die Bühne, setzt sich auf den vorher vom Teddybären 

belegten Platz und beginnt mit schriller Stimme zu singen. Natürlich war der Provokateur 

Kommissar Hjuler höchstpersönlich, die Dame seine Ehefrau Mama Bär und die Überraschungs-Aktion 

mit den mitspielenden Veranstaltern abgesprochen. Sonst hätte vielleicht 

noch jemand die Polizei gerufen. Das Publikum hat den Braten frühzeitig gerochen und 

machte eher einen amüsierten als einen irritierten Eindruck. Endlich mal Humor und echte 

Unterhaltung! Nicht immer nur Lauschen, Lauschen, weißes Rauschen. Haben wir Hjuler 

die ganze Zeit verkannt? Ist er so etwas wie ein verkappter Helge Schneider der Noise-Kultur? 

Nein, so weit kann man nun wirklich nicht gehen! Mama Bär und Kommissar Hjuler sehen 

sich als ernstzunehmende bildende Künstler im Bereich Malerei bzw. Skulptur, wie 

Papa Bär nach der Performance dem Publikum erläuterte, nicht ohne noch zu erzählen, 

dass er mittlerweile auch Leute wie Thurston Moore zu seinen Fans zählen kann. 

Bei den beiden darauf folgenden Projekten ging es leider weniger amüsant und wesentlich 

introvertierter zu. 

GZ 

56

* Mit Korn (unretected) (SHMF-Korn, CD-R, 51 Expl.) knüpfen KOMMIS- 

SAR HJULER UND FRAU an den – natürlich nur vage – song-orientierten 

Teil ihrer letzten CD-R Das 77-Retect an. Auch hier werden altbekannte Lieder 

neu interpretiert – diesmal dienen fünf Songs von Korn als Material. Zugegebenerweise 

kenne ich von dieser Gruppe nur das Logo mit dem spiegelverkehrten 

„R“. So fällt mir der direkte Vergleich natürlich etwas schwer, 

ist aber gar nicht notwendig, Hjuler und Frau sind eh weit genug entfernt 

vom Originalklang. Gleich die erste Cover-Version versprüht den spröden 

Charme dilettantischer Spielfreude auf perkussivem Orff-Instrumentarium 

(ob da schon der Nachwuchs mitwirkt?), angereichert mit Flöten- und Gitarrentönen 

und der immer klarer klingenden Stimme von Mama Bär. In den 

weiteren Interpretationen ist Frau gleich mehrspurig zu hören. Und irgendwie 

fühle ich mich durch ihre Stimme in die frühen 1980er Jahre zurück versetzt, 

als die Raincoats, Slits oder Siouxie auch noch nicht so perfekt waren. 

Musikalisch ist das hier dennoch eine ganz andere Welt. GZ 

Mit Grundordnung-Unterschrank-Scooter (SHMF-fdGO, CD-R) liefert 

KOMMISSAR HJULER, dem es an Selbstbewusstsein wahrlich nicht fehlt, 

als Alternative zum klischeehaften Film GG 19 seine „natürlich gelungenere 

Umsetzung der Grundordnung als Autoscooter mit Schrank auf Rädern.“ 

Logisch, dass er dabei 19 Runden drehte und 19 Exemplare presste. Er 

schreit etwas wie FDGO, Dreiteilung der Gewalt, Hl. Drei Könige, Dreifaltigkeit, 

Datenschutz, Deutschland, deine Führer sind alt geworden, der Staat, 

übertönt sich aber selbst durch Rollen, Bohren, Scheppern. Ich kann nicht 

widersprechen, konsequenter kann man sein Widerstandsrecht (Art.20 GG) 

kaum wahrnehmen. 

Mit den 11:11 von Endo-/Exocytose (SHMF-136, CD-R) startet der KOM- 

MISSAR HJULER dann eine Expedition in die Grundstruktur des Lebens in 

Form eine Lektion über Zellen. Dabei lernt man, wobei sich Prof. Hjuler von 

Oingoboingo-, Freibier- und Hey Baby-Störversuchen nicht aus der Ruhe 

bringen lässt, u. a., dass man unter Zytose die Bildung von membranumschlossenen 

Vesikeln (Zellkompartimenten) versteht, die sich unter Verbrauch 

des Nucleotids Adenosintriphosphat (ATP) von der Plasmamembran, 

aber auch von den Membranen der Zellorganellen abschnüren. Durch spezifische 

Zytose werden v.a. Makromoleküle (Proteine, Polynukleotide und Polysaccharide) 

in die Zelle aufgenommen (Endozytose) oder aus dieser exportiert 

(Exozytose). Berauscht sich der Laie hier an der unbeabsichtigten Surrealität 

eines Fachjargons? An einer Phantastischen Reise durch Endosomen, 

Lyosomen und den Golgi-Apparat? Über das Innenleben eines ‚Bullen‘ 

wollen wir erst gar nicht spekulieren. 

Polizei ist das, was ich daraus mache, sagt der Kommissar zwischen 

den Stühlen. Die seltsame Begegnung eines Simplicissimus teutsch mit Brotkatzen 

während einer Beamtenlaufbahn. Schizophone Brandstiftung und 

Presswurst-Halluzinationalsozialismus als Spätblüte des Absurden in einer 

Flensburger Reihenhaussiedlung. Der komische, bei näherer Betrachtung 

aber broternste Kommissar und seine Frau Mama Bär, die ihre Kinder Cy 

und Faust Adolf tauften, sind seit 2006 akzeptiert als outsider-artistische 

Mikroorganismen, von Testcard und dem KunstZwerg Festival in Mainz ebenso 

wie von Womensradio in Oakland, YouDontHaveToCallItMusic und Extrapool, 

der Gallery Heart Fine Art in Edinburgh und dem Museum Huelsmann in 

Bielefeld. Dadurch bestärkt, wagten sich die Hjulers immer ungenierter an 

immer heißere Eisen: 4-Elemente-Zionismus, Brotkatze Sohn Israels, Votze 

Koch Buch, Homoerotisk Sanger 1: Kackfleck/Kotsuchtsanfall, Gaylord Kennart 

Loch, Keks-Streife durch Pornografie. Israel, Schwule, die Würde der 

Frau in den Katzenkot gezogen? Aber empfindlich reagieren, wenn ‚linke‘ 

Labelmacher über einen Cop, und Avant-Snobs über einen in Kunst dilettierenden 

Beamten die Nasen rümpfen? Indem das Asylum-Lunaticum-Paar an 

die Körpersaft- & Scheiß-‘Ferkeleien‘ der Wiener Aktionisten, an Dieter Roths 

Wurst- & Schimmel-Ästhetik und Schmuddelkind-Art Brut anknüpfen, zeigen 

sie sich bildungsbürgerlich versiert. Das ist nicht wirklich ein Manko, ach woher 

denn, vielmehr etwas, aus dem man was machen kann. 

PS: Am Tag nach dem Hörbar-Konzert feierte Kommissar Hjuler seinen 

40. Geburtstag. Herzlichen Glückwunsch! 

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AARON MARTIN & MACHINEFABRIEK Cello Recycling 

/ Cello Drowning (Type Records, Type029): Martin ist ein 

Multiinstrumentalist, vor allem aber Cellist, Mitte zwanzig 

und zuhause in Topeka, Kansas. Der scheinbare Standortnachteil 

hat ihn nicht gehindert, auf dem australischen Label 

Preservation sein Solodebut Almond herauszubringen. 

Ebensowenig wie er eine Rolle spielte bei der Kollaboration 

mit Rutger Zuydervelt, einem Elektroniker aus Arnheim, 

der als Machinefabriek bereits drei Dutzend Mini-CDrs bespielt 

hat. Zusammen erschufen sie zwei dröhnminimalistische 

Soundscapes, die Martins Cellosound einbetten in 

eine trockene und eine feuchte Klanglandschaft. In beiden 

Fällen mutiert das Cello zu einem mal knisternden, mal 

tröpfelnden Klangbeben. Der ‚Recycling‘-Track durchsetzt 

den sich wie ein Regenbogen wölbenden, wummernden 

Om-Ton mit platzenden Detonationen und übermalt ihn 

noch einmal mit Strichen, die ihren Ursprung als Saitenvibration 

zumindest noch ahnen lassen. Ich scheue mich, 

dazu ‚ambient‘ zu sagen. In dieser Welt aus singenden 

Monolithen könnte man nicht leben, sondern nur staunend 

den Atem anhalten und die Wände eines Monument Valley 

of Sound anstaunen, so hoch getürmt, dass sie den Blicken 

entschwinden. ‚Drowning‘ lässt einen dann im Regen stehen, 

Zuydervelt breitet darüber einen metallischen Schimmer, 

darunter einen summenden Teppich. Das Tröpfeln 

wird zum Plätschern und Rieseln, auch der Summton 

schwillt an zu einem ‚Läuten‘ von Unterwasserglocken. 

Wohl dem, der eine Arche hat. 

CLEMENS MERKEL Michael Oesterle: l‘hiver monastique 

(collection cq, CQB 703): 2005 hatte sich schon Philip Gröning 

mit seinem Dokumentarfilm Die große Stille, den er in 

der Großen Kartause bei Grenoble drehen konnte, in eine 

klösterliche Welt versenkt, die völlig durch Kontemplation 

und Stille bestimmt wird. Der 1968 in Ulm geborene, 1982 

nach Kanada ausgewanderte Komponist Oesterle hat 

ebenfalls, schon im Jahr 2000, mit l‘hiver monastique - 70 

consolations harmoniques pour violon ein Werk geschaffen, 

das ganz einer strengen mönchischen Ordnung unterliegt. 

Die Geige betet einen Rosenkranz aus 70 Akkorden. 

Repetitionen und Veränderungen fügen sich zu einer 

durchgehenden Kette, weil jeder Akkord mindestens eine, 

oft auch zwei Noten an den nachfolgenden weitergibt. Interpret 

ist der Freiburger Clemens Merkel, der seit seiner 

Übersiedlung nach Kanada im Quatuor Bozzini spielt. Die 

Aufnahme entstand 2001 in der Hôtellerie St. Norbert in 

Winnipeg, 1892 von Trappisten erbaut, inzwischen aber 

nur noch Kulturdenkmal. Schon die ersten Töne, so dissonant 

gemischt, dass sie so rau kratzen wie man sich 

Mönchskutten vorstellen mag, verbreiten eine Aura des 

Kargen, Fröstelnden, Monotonen, aber auch eine hartnäckige 

Konsequenz und Hingabe. Ihre Unschärfe lässt diese 

New Simplicity wie Alte Musik klingen, mittelalterlich, ländlich. 

Cages Chorals haben einen ähnlichen Duktus, nur 

dass Oesterle einen minimalistischen, geradezu Feldman‘esk 

langen Atem für Wiederholungen mit ständigen 

Verschiebungen verlangt, bei gleichzeitig meist hohem 

Tempo. Call & Response-Motive tauchen auf, eine dünne, 

klägliche Stimme, der eine dunkle, bestimmtere antwortet. 

Oder umgekehrt? Die 70 ‚Tröstungen‘ erstrecken sich über 

75 Minuten. Mir vermitteln sie keinen Trost, eher die Mahnung: 

Tempus fugit. 

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MIKHAIL Orphica (Quatermass, QS172): Für Typen mit der 

Courage, auf dem schmalen Grat zwischen dem Erhabenen 

und Lächerlichen zu balancieren, habe ich ein Schwäche. Mikhail 

Karikis, dem auf dem Cover Orpheus‘ Leier wie ein Hirschgeweih 

aus der Stirn wuchert, ist in Thessaloniki aufgewachsen 

und hat, seit längerem in England ansässig, 2005 dort an 

der Slade School of Fine Art (UCL) über die Thesis ‘The Acoustics 

of the Self’ promoviert. Der Verehrer von Luciano Berio 

und Björk beginnt seinen Aufstieg ins Pathos mit dramatischer 

Vokalisation und ebenso dramatischer Samplingorchestrierung. 

„I use computers, acoustic instruments, environmental 

sounds and voice, combining the sounds of harps with scissors 

and knives, insects with harpsichords and tympani, voice with 

inner-body sounds and scratched cds.“ Auf den Weg zum Gipfel 

tritt er, schwankend zwischen Xiu Xiu- und Scott Walker- 

Ambitionen und seinem Björk-Fimmel, ungeniert allerhand 

Bockküttel breit. Nichts ist hier nicht manieristisch, von knurrigen 

oder glossolalen Gesangsfetzen voller Shouts und Ziegengemecker 

bis zur bizarr gesampleten Musik, mit Streichern, 

Bläsern, undefinierbaren perkussiven oder elektronischen Effekten 

und, Gipfel des Präziös-Prätentiösen, Cembalo- oder 

Harfengeplinke aus einem mythischen Labor. Ich schaudere 

und bin doch fasziniert. Mikhails Orpheus Redivivus stammelt 

mit inspiriertem, hingerissenem Überschwang ohne Worte 

oder flötet Zeilen, die einen umflattern wie die Fledermäuse 

aus den Höhlen des Olymp: „In my confusion of stars / i summon 

constellations / you’re quivering / please don’t / don’t / 

with a sword in one hand / and a jasmine-scented night in the 

other / i gather saints for you“ (‚Archon‘) und „Rave in me / 

Maenads / rave in me / Maenads / i abandon / entrancing scent 

/ entrancing scent / i abandon me“ (‚Maenads‘). Als Argonaut 

eines imaginären Hellas berauscht sich Mikhail an goldneren 

Düften als ein Widderfell sie verströmt, sein dithyrambischer 

‚Love Song‘ ist ein einziges becirctes Grunzen und Rüsseln 

nach Paradieses-Luft. Grotesk und irritierend wie Nietzsches 

‚Kühe der Höhe‘ und ‚Basilisken-Eier‘, aber die sinnliche Demonstration, 

dass ein Europäer doch anders kann. 

JÜRGEN MORGENSTERN Ukulele Sketchbook (NurNichtNur, 

BERSLTON 105 0514): Von Beins war schon und von Renkel 

ist anschließend die Rede. Der Kontrabassist Morgenstern, ihr 

Partner beim Beitrag zur BA XVIII-Kassette, kreuzt nun ebenfalls 

erneut meine Wege, wie zwischenzeitlich schon mal mit 

dem Ensemble Sondarc. Ansonsten kann man in Trios mit 

Klapper & Ulher oder Hubweber & Lytton auf die Bassarbeit 

des Hannoveraners stoßen. Hier knurpst er an einer Ukulele 

herum wie ein Hund, der seinen Knochen exzessiv abnagt. Das 

Instrument, in Hawaii ‚Hüpfender Floh‘ getauft, mit dem Tiny 

Tim auf Zehenspitzen durch Tulpen trippelte und das Marilyn 

Monroe an ihren Sugar-Busen drückte, bevor Stefan Raab darauf 

seine Raabigramme intonierte, das beharkt und bekrabbelt 

Morgenstern in Eleluku Reasearch zusammen mit W. 

Brodsky & H. Wörmann sogar im Trio. Hier traktiert er den Floh, 

der um die ganze Welt gehüpft ist, so, dass nicht nur Tierschützer 

aufhorchen. Die Grenze zwischen Spiel und Misshandlung 

verschwimmt in Morgensterns Art Brut. ‚Unplugged 

amplified‘, ‚con arco‘, ‚arco et vox‘ oder ‚Selbtritt (overdub)‘ 

tragen ihre Machart auf der Stirn, das meiste bietet einem dieselbe, 

indem es störrisch darauf beharrt, dass Musik nun mal 

mit Geräuschen verbunden ist. Manchmal hört man sogar, 

dass die Ukulele auch Saiten hat (‚arib m‘, ‚pas de deux‘), und 

‚akaroa‘ klingt einfach nur schön. 

59

MURCOF Cosmos (The Leaf Label, BAY 59): Fernando Corona 

ist, seitdem ihm BA das letzte Mal begegnete anlässlich 

des 2004 ebenfalls bei Leaf heraus gekommenen Remixprojektes 

Utopia, nach Barcelona umgesiedelt. Die Zwischenzeit 

war erfüllt von Soundtrackarbeiten und Kollaborationen mit 

dem Pianisten Francesco Tristano oder mit Erik Truffaz & 

Talvin Singh auf dem Montreux Jazz Festival 2006. War sein 

letztes Album Remembranza (2005) noch bestimmt gewesen 

von der Trauer über den Tod seiner Mutter, orientiert sich 

der Mexikaner nun spacewärts, wobei ihm Klangbilder von Ligeti 

oder SunnO))) durch den Hinterkopf gingen. Er entwickelt 

allerdings eine ganz eigene Palette dröhnminimalistischer 

Orchestralität. Sein virtuelles Orchester ist ein gedämpfes 

Arcanum aus sonoren Strings und nahezu stiller Latenz, 

aus der kurze rhythmische Erruptionen und ebenso kurze 

Chorfetzen aufflammen (‚Cuerpò celeste‘). Bei ‚Cielo‘ gerät 

eine geknickte Rhythmusspur in Bewegung, wiederum 

von dunklen Frauenstimmen und dünnen Geigenfiguren umspielt. 

Und auch ‚Cometa‘ lässt einen knickebeinigen Beat 

wie eine Swastika gen Sonnenuntergang rollen, von zarten 

Pianonoten umtupft, von dunklen Cello- und hellen Violinstrichen 

und Aaa-Vokalisen flankiert. ‚Cosmos I‘ ist dann nur 

noch erhabenes Himmelsbeben aus basslastigem Brass, wie 

Adagiopassagen bei Mahler, aus grollenden und schnarrenden 

Posaunen und Tuben, die die Unendlichkeit schwarz in 

schwarz tönen, und ‚Cosmos II‘ ein gewaltig schwellender Orgeldrone, 

Volumina, der in einen Lux Aeterna-Chor überzugehen 

scheint, aber unvermittelt abricht in Stille. Aus der 

dringt dann ‚Oort‘ hervor, erst nur zartes Glockenspiel - in 

das plötzlich Blitz und Donner einschlagen - Cello und eine 

dunkle Flöte erbeben - eine zweiter Donnerschlag, schnarrendes 

Brass stagniert - und eine dritte Erruption, die Cello 

und Flöte dissonant verbiegt - und ein vierter noch gewaltigerer 

Ausbruch, nach dem Funken vom Himmel regnen. Die 

bis ins Innerste durchgeschüttelten Klangspuren zittern noch 

lang nach und verhallen allmählich als leises Summen im Unhörbaren 

- - - Was für ein gewaltiges Stück vom Urknall!!! 

NAD SPIRO Tinta Invisible (Geometrik Records, GR-DIGI-03): 

Wie mag Musik klingen, in die gleichzeitig Erinnerungen an 

den Annaghmakerrig Lake in Irland, das Low-Life in Berlin 

und an Fad Gadget eingeflossen sind, die Philip K. Dick als 

Orakel nimmt und den perversen Lullabies des Autors von 

Fight Club und Guts lauscht? Stranger als die übliche Sonic 

Fiction? Rosa Arruti pendelt mit ihrem Space Elevator Noir 

zwischen dem Fegefeuer und den Sternen. Sie zerschrotet 

Gitarrensounds, bei ‚Time Track‘ sogar ausschließlich Gitarrenklang. 

Sie flüstert Geschichten, aber auch ihre Worte 

werden zermahlen und weggeblasen. So schreibt sie ihre 

elektronische Poesie mit unsichtbarer Tinte, in einen trüben 

Fluss aus Geräuschen. Alle ihre Klangbilder, ihr ‚Eye TV‘, 

auch ihre Beats, sind verunklart, verwischt, verzerrt, sie 

quellen als surreale Tintentropfen im Schwerelosen, zucken 

als Spritzer durch Nad Spiros ‚Soundhouse‘. Der Frankfurter 

Lars Müller alias Victor Sol hat die Lofi-Minimalistik seiner 

Kollegin aus Barcelona gemastert, die sich schon mit dem 

Vorgängeralbum Fightclubbing (2003) auf Palahniuk bezogen 

hatte, während sie bei ihrem Debut vs. Enemigos De Helix 

(2000), die beide ebenfalls schon auf dem Esplendor Geometrico-Label 

herausgekommen sind, nur vage andeutet, dass 

sie als Sympathisantin der Cacophonous Society mit ihren 

Spirotechnics anarchische Ziele verfolgt. 

60

SEAN NOONAN BREWED BY NOON Stories to Tell (Songlines Recordings, 

SGL SA1563-2): Sean Noonan ist ein wahrer Champion, nicht bloß vordergründig 

durch seine berserkerhafte Schlagtechnik als Thrash-Jazz-Trommler 

von The Hub. Mit Brewed By Noon, 1999 mit den Gitarristen Aram Bajakian 

und Jon Madof und Thierno Camara am E-Bass begonnen, macht er etwas 

ziemlich Verrücktes, er verlegt Irland an die Westküste Afrikas. Der virtuose 

Pastorius-Jünger Camara, der, bevor er nach New York kam, in der 

senegalesischen Allstarformation Sora gespielt hat, verkörpert mit seinem 

Griotbackground den anderen Pol dieser Kontinentaldrift. Der mit dem 

Jewish Power-Trio Rashanin bekannte Madof komplettiert das, was hinter 

dieser ‚Drift’ steckt - die den Juden, Afrikanern, Armeniern und Iren gemeinsame 

Geschichte von Vertreibung, Auswanderung, Diaspora. Brewed By 

Noons Zweitling nach dem Debut 2005 enthält mit ‚Scabies’ und ‘Esspi’ zwar 

auch noch Stoff, den Noonan schon im Duo mit Bajakian auf ChiPS (2003) 

vorgewärmt hat, der jetzt aber luxuriös ausgestaltet wird. Stellenweise 

durch perkussive Verzierungen von Jim Pugliese und dem Djembespieler 

Thiokho Diagne, ausgiebig durch Mat Maneri mit seiner Viola, vokal durch 

Abdoulaye Diabaté aus Mali, der in Bambarasprache von einem verirrten 

Elefanten erzählt, Susan McKeown, die auf Gälisch das Traditional ‚Ar Maidin, 

Ar Nóin’ singt, und die nigerianische Sopranistin Dawn Padmore, die 

soulig von unreifen Ananas abrät. Die Titel ‚Noonbrews’ und ‚Urban Mbalax’ 

machen deutlich, um was es geht - einen phantasievollen Melting Pot-Eintopf 

und um die städtische Kompression afro-kubanischer Grooves, die zwischen 

den atlantischen Küsten hin und her pendeln. Herzstück ist das dreifache 

Simulakrum des Gitarrenpickings der afrikanischen Westküste, das selber 

schon eine Kora simuliert. Nur dass dieser Gitarrenklingklang eingebettet ist 

in ein Kaleidoskop aus elektroakustischen Beats und eklektizistischen Songs 

und bei ‚NY’ und ‚Scabies’ alle Fesseln sprengt. Wenn McKeow und Diabaté 

sich im selben Lied begegnen, ist das zwar bizarr, auf der Gefühlsebene 

aber absolut stimmig, vor allem wenn Ribot dazu noch ein Himmelfahrtssolo 

erfindet und mit jedem seiner sechs Gastspiele anders verblüfft. Diese sehr 

New Yorkische Mixtur zusammen mit Noonans flexiblem, dynamischen Drumming 

verwandelt eben nicht bloß Folklore in Jazzrock, sie lässt ‚Weltmusik’ 

wieder unerhört klingen und endet mit ‚Dr. Sleepytime’, einem Duo für Gitarre 

und Vierteltonviola, wie man es sich nicht hätte träumen lassen können. 

PEOPLE LIKE US & ERGO PHIZMIZ Perpetuum Mobile (Soleilmoon Recordings, 

SOL 156): Plunderphonisches Pingpong, gespielt mit britischem Humor 

hoch 2. Von ihrer sampladelischen Samplemanie (ich hoffe, man erkennt 

hier meine Highbrowanspielung auf Beastly Beatitudes?) hinreißen ließen 

sich Vicky Bennett und der Soundpoet und musikalische Witzbold Ergo 

Phizmiz. Dieser ‚Pop Prankster‘ zählt Saties Socrate aber auch “chromatic 

descending scales and that plink-plonk style“ zu seiner Lieblingsmusik. Seine 

eigenen Kreationen tragen zungenbrecherische Namen wie ‚Phwinums’ 

oder ‚Gwelyhrsras’, zappe(l)n zwischen ‚Mind-virus kabaret’ und ‚Schellack 

Inferno’ und bringen Tonträger wie zuletzt Nose Points in Different Directions 

und Ergo Phizmiz & his Orchestra (beide Womb Rec.) arg ins Schwitzen. 

M: 1000 Year Mix (Match My Foot / Arts Council) staucht 1000 Jahre Musik 

auf zwei 7“-Seiten. Mit Vicky Bennett hat der selbsternannte Duke Ergo Of 

Phizmiz the 1st aus geplünderten Easy-, Exotica- & Gimmick-Scheiben neue 

Songs gebastelt, die, mal sehr, mal ungefähr, nach altbekannten klingen. 

Dazu singen, und das ist der eigentliche Clou, die beiden selbstgestrickte Lyrics, 

denen man nicht wirklich zu nahe tritt, wenn man sie als Nonsense bezeichnet. 

Auch wenn sie ‚funny’ lieber hören. Ein Mambo verfällt mit einem 

Wechselschritt in 3/4-Takt, die Comedian Harmonists singen Offenbach, Spike 

Jones kollidiert mit Carl Stalling, Cha Cha Cha-Tänzer stolpern über Hawaii, 

Can Can über Bluegrass. Auf Kitsch as Kitsch can mit Golden Oldies- 

Schmus folgen in atemlosem Tempo Looney Tune-Geschnatter, Eskimoloops, 

Humptata, Ja Ja Ja auf Ne Ne Ne, auf Alice Liddell Nelson Riddle. Ad 

infinitum. Entertainment wird als durchgedrehtes Perpetuum mobile ad absurdum 

geführt und bleibt doch unverwüstlich - unterhaltsam. 

61

PHONO Phono (Absinth Records, Absinth014, oversized 

cardboard cover with hand printed screen 

print gouache): Elektroakustik im Berliner Vivaldisaal. 

Sabine Vogel, Magda Mayas & Michael Renkel 

verflechten die Klänge von Flöte, Piano und akustischer 

Gitarre und durchmischen ihre improvisierten 

Klanggespinste mit Synthesizer & Electronics. 

Von Vivaldi bis zu diesen ‚stillen‘ Detonationen, diesem 

immer wieder von Atempausen gedämpften 

Feilen an der Klangwelt, war ein langer Weg. Wenn 

auch bei weitem nicht so lang wie der Weg zu Vivaldi. 

In gewisser Weise ist es auch eine Rückkehr zu 

einem musikalischen ersten Schöpfungstag, zu einer 

denkbar, zumindest scheinbar einfachen Arte 

Povera. Und zwar auf sublime und alles andere als 

naive Weise. Durchwegs lässt das Trio große Vorsicht 

walten, als ob die Störung der natürlichen Stille, 

das Sich-Hörbar-Machen, ein ritueller Akt wäre. 

Eine heikle Imitation der Wind- und Wassergeister. 

Piano und Synthesizer klingen nach Windspiel, sie 

funkeln und blinken, die Gitarre zirpt und pocht, die 

Flöte fiept und haucht. Alles klingt elementar und 

noch wie prä-faunisch. Die Electronics unterstützen 

eher diese Camouflage von ‚Natürlichkeit‘, statt 

durch ‚anachronistisch‘ technoide Aspekte zu irritieren. 

Die Musik scheint nicht nur nicht prothesengöttlich 

wirken zu wollen, sondern weitgehend ichlos, 

fast anthropofugal. Und ist ‚natürlich‘ das Gegenteil, 

finessenreich, konzentriert, reflektiert. Fast 

demonstrativ wandelt sie die Not ihres Spätgekommenseins 

und ihrer Decadence zur Tugend, die das 

Wenige, das heute möglich scheint, auch möglich 

macht. 

PJUSK Sart (12k 1042): Sart kann für Vieles stehn, 

nicht zuletzt für eine 1971er ECM-Einspielung von 

Jan Garbarek, einem Landmann von Jostein Dahl 

Gjelsvik & Rune Sagevik, und bedeutet da wie hier 

‚zart‘ & ‚sanft‘. Auf 12ks Blueprints-Compilation hatten 

die beiden bei ihrem Debut schon ihre Ambition 

angedeutet, von der Blaupause transusiger Dröhnseligkeit 

abzuweichen. Dazu durchsetzen sie ihre 

atmosphärischen, Moll getönten Soundscapes mit 

ominösen Geräuschen, einem Rauschen wie von 

Wind oder Verkehr oder einfach der Tonbänder 

selbst, von vagem Stimmengewirr und Hantieren. 

Statt konkret zu werden, sind die Szenen jedoch 

übermalt von den flüchtigen Klängen von Gitarre, 

Flöte oder Stimme und überblendet von Geräuschen, 

die zu uneindeutig sind, um sie als knarrende 

Schritte in Schnee oder als knisterndes Eis oder 

Dergleichen zu identifizieren. Auf das geräuschhafte 

Unterfutter sind immer wieder melodiöse und 

manchmal sogar halbwegs rhythmische Electronicaspuren 

aufgetragen. Die Low-Fidelity scheint dabei 

gewollt als eine Art Echtheitsstempel dieser 

nordischen Seelenlandschaften. Titel wie ‚myk‘ = 

soft, ‚vag‘ = unbestimmt, ‚stadig‘ = stets, ‚anelse‘ = 

Ahnung, ‚rim‘ = Reim oder ‚rav‘ = Bernstein deuten 

die ätherisch verschleierte, nostalgisch umsponnene 

Zone an, in die sich diese Klangpoesie hinein zu 

träumen und zu tasten anschickt. 

62

PURE SOUND Submarine (Euphonium, EUPH005): Mehr 

noch als Yukon (-> BA 52) ist Submarine eine Art Hörspiel. 

In 12 kleinen Szenen, Songs dazu zu sagen, wäre übertrieben, 

wird in einer Mixtur aus Spoken Word-Lyrics und vinylkonserviertem 

O-Ton erzählt vom Untergang der Lusitania 

und das Ganze durchsetzt mit Erinnerungen an den 2. 

Weltkrieg. Federführend war erneut Ex-A Witness Vince 

Hunt (bass, tapes, vocals) in Manchester zusammen mit 

Boz Hayward (guitars, piano, vocals). In nur 28 Minuten 

kreuzen sich erlebte Schrecken vor einer geschichtlichen 

Folie aus Krieg und Kriegsproduktion (der Lärm eines 

Stahlwerkes in Sheffield) mit Hunts Familiengeschichte 

(sein Vater hatte ebenfalls im Krieg gedient) und seinem 

gegenwärtigen Befinden. Man hört die Stimmen von Küstenwachen 

und von Fischhändlern (was mir unwillkürlich 

Charles Forts ‚fishmongerish‘ in den Sinn bringt). Hunt räsoniert 

über das Kartenhaus, das er sich gebaut hat oder 

spricht Sätze wie „My dreams are just full of traffic / Warm 

rain and ponytails / It‘s a devastating change.“ Jeder Mosaikstein 

ist individuell instrumentiert, mit Rockdrumgerumse, 

schroffer Schrammel- oder sparsamer Klampfgitarre, 

Basstupfern, einzeln gesetzten Pianonoten, Signallauten 

(die Peil-Pings eines U-Boots) und Störgeräuschen. Im Detail 

irritierend und in der Summe irritierend, dabei so englisch, 

dass ein Kraut allein schon dadurch irritiert wäre. 

PUSH THE TRIANGLE Repush Machina (D‘Autres Cordes 

records, d‘ac091): Ahh, das Label, das Light Fuse and Get 

Away von The Hub herausgebracht hat! Der Gitarrist & 

Turntablist Franck Vigroux hat sich damit aber in erster Linie 

ein eigenes Forum geschaffen, für die Hörspiel-Trilogie 

Lilas Triste (2003), Looking for lilas (2004) & Triste Lilas 

(2005) und für Cos la machina (2005), letzteres schon mit 

Push The Triangle, seinem Trio mit Stéphane Payen am 

Altosax und dem Drummer Michel Blanc, dessen eigener 

D‘ac-Release Le Passage Eclair (2006) Bände spricht für 

seine Kreativität. Die beiden gehören zu Vigroux‘ ständigen 

Mitstreitern neben der Harfinistin Hélène Breschand, 

dem Kontrabassisten Bruno Chevillon und Gitarrenkollegen 

wie Marc Ducret und Elliott Sharp, mit dem er als Skinhead-Duo 

Elektrokrach macht. Wie schon die The Hub- 

Connection vermuten lässt, spielen Push The Triangle Dirty 

Jazz à la Française. Schrille Gitarrenriffs, außerordentlich 

bewegliches Getrommel und stürmische Saxophonzackenkämme, 

verwandt mit Etage 34, aber mit eigener improvisatorischer 

Wendigkeit, die selbst bei einem Titel wie 

‚L‘Agitation‘ Löcher ins Triangel-Gewebe reißt. Nichts ist 

hier zentralgesteuert, jeder ist ein Repush-Guerillero, der 

den verabredeten Kampfauftrag verinnerlicht hat. Das 

ausschweifende ‚My Dear Chloe‘ reizt Volume- und Tempowechsel 

exzessiv aus. Payen, ansonsten Anführer von Thôt 

und mit Sylvain Cathala die Saxophondoppelspitze von 

Print, akzentuiert mit seiner jazzigen Dynamik mal die 

knappe Schärfe, dann wieder die sprudelnde Quecksilbrigkeit 

der Repush-Maschine, deren MySpace-Links mich 

durch französisches Neuland flippern bis zu Silex und United 

Colors of Sodom. Repush Machina endet mit dem turntablistisch 

vereierten ‚The Blame‘, das mit wummernden 

Bassschlägen in einem Paralleluniversum verschwindet, 

zu dem sich vorher schon ‚Triste (19 Semaines)‘ durchgebissen 

hatte, eins, in dem Sarkozy nicht gewählt wurde. 

Vive la France maudit! 

63

JAMES SAUNDERS # [unassigned] 

(Confront 15, 2 x CD): Dieser 1972 geborene 

und als Senior Lecturer in Music und 

Leiter des composition department an der 

University of Huddersfield verankerte Brite 

ist eine prototypische Gestalt der Musica 

Nova, mit einschlägigen Visiten in Darmstadt 

(Stipendienpreis der Internat. Ferienkurse 

1998, #070702, Nicolas Hodges, & 

#190702, Ensemble Resonanz, 2002), Witten 

(#280402, 2002) und demnächst im Experimentalstudio 

für Akustische Kunst des 

SWR (#280607, Ensemble Chronophonie) 

und bei den Donaueschingener Musiktagen 

(#201007, Ensemble Modern). Was da 

immer wieder als Zahl auftaucht, sind die 

Titel in der Form #TTMMJJ. # [unassigned] 

ist eine proteische Komposition in potentiell 

unendlich vielen Gestalten. Bei mir 

läuft nun # 050507 für Cello & Klarinette, 

interpretiert von zwei Mitgliedern von 

Apartment House, dem Klarinettisten 

Andrew Sparling und dem Cellisten Anton 

Lukoszevieze, aber nur deshalb, weil ich 

CD1 # [unassigned] cello und CD2 # [unassigned] 

clarinet gleichzeitig abspiele. Jede 

zeitliche Verschiebung oder der Randommodus 

für den einen oder den anderen 

Monolog kreieren Variationen der Komposition, 

Versionen, die Saunders nicht nur 

in Kauf nimmt, sondern nahelegt. In # 

[unassigned] kulminieren konzeptionelle 

Aspekte der Indeterminacy von Cage, speziell 

der Number Pieces, der Aleatorik von 

Stockhausens Klavierstück XI, von Cardews 

Treatise und wenn man so will sogar 

von On Kawaras Date Paintings. Wie die 

Publikation bei Confront schon vermuten 

lässt, schreibt Saunders den Spielern äußerst 

reduzierte Klangbilder vor, gehauchte 

und geschabte Passagen zwischen 

Pianissimo und Stille. Klänge, die, 

um nicht im Alltag- und Außenlärm unterzugehen 

wie ein Tropfen Wasser im Fluss 

der Zeit, Orte der Stille verlangen, Zengärten, 

Kammermusikenklaven oder ein High 

Fidelity-Lebensumfeld. Saunders dosiert 

die Dymanik mit grösster Sorgfalt. In lange 

Tranquillo-Passagen in pp und ppp, für die 

schon Metaphern wie ‚Glasperlen-Puzzle‘ 

oder ‚absoluter Gipfel der leisen Töne‘ gewählt 

wurden, lässt er Energico-Blitze einschlagen, 

unvermutet setzt er kurze und 

abrupte Akzente in Mezzoforte oder Forte. 

Er ist ein Meister der Sorgfalt innerhalb jenes 

merkwürdig mehrdeutigen ästhetischen 

Feldes, das offen lässt, ob es als 

Schule der Aufmerksamkeit besucht werden 

will, als Soundtrack für meditative 

Konzentration taugen soll, oder als subliminale, 

ambiente Folie für Gedankenfluchten 

und Tagträumereien. 

MARCUS SCHMICKLER with HAYDEN 

CHISHOLM Amazing Daze (Häpna, H.32): 

Der Kölner Elektroakustiker zieht sich als 

ein Faden durch BA, der für Qualität und 

Echtheit bürgt, vom Frühwerk Onea Gaku 

(1993) über POL und Pluramon, den Soloarbeiten 

Wabi Sabi (1997) und Sator Rotas 

(1999), den Improvisationen mit Mimeo, 

Lehn, Rowe, Nakamura und Tilbury bis zuletzt 

DEMOS für Chor, Kammerensemble 

und Elektronik (-> BA 52). Mit ‚Amazing 

Daze (for Phill Niblock)‘ & ‚Infinity in the 

Shape of a Poodle (for Björk)‘ knüpft 

Schmickler an Param (2001) an, seine 7 

Übungen in zeitgenössischer Kammermusik. 

Sein neuseeländischer Partner, bekannt 

als Saxophonist von Nils Wograms 

Root 70 und heuer mit The Embassadors 

auf dem Moers Festival zu hören, bläst für 

‚Amazing Daze‘ Dudelsack und für 

‚Infinity...‘ die japanische Bambusmundorgel 

Sho und spendet damit den Klangstoff 

für zwei dröhnminimalistisch schimmernde 

Wellenbündel, zwei dronologische Bordune, 

für die prototypisch der Name 

Niblock stehen könnte. Zu denken wäre 

aber auch an Scelsis Bohren nach dem 

‚Inneren des Tones‘. Björk verdiente sich 

ihre Widmung, weil sie den Klang einer 

Sho, der den Schrei des Phönix imitiert, im 

Soundtrack Drawing Restraint 9 popularisierte. 

Das Spiel mit Drones lässt sich deuten 

als westlicher Widerhall von asiatischen 

Bordunen, die das universale Kontinuum 

feiern. Als Suche nach dem ‚white 

bliss‘ in der Auflösung aller Differenzen. 

Schmickler selbst spricht (in Positionen 71) 

von einem „Paradigma des weißen 

Rauschen“, das solche Musiker eint, die im 

‚schwarzen Loch‘ eines undefinierten 

‚Dazwischen‘ musikalische Grenzen auflösen 

und dabei Referenzsysteme und sogar 

den Warencharakter selbst polyvalent aufheben. 

Ähnlich wie Jim O‘Rourke und Otomo 

Yoshihide, ist Schmickler ein Experte 

des Nicht-Festgelegten und der radikalen 

Subjektivität und damit Teil einer postmodernen 

Brother- & Sisterhood, die neben 

ihrer ausgeprägten Idiosynkrasie allenfalls 

ein besonderes Verhältnis zu Klangfarbe, 

Geräusch und der ‚Summe aller Töne‘ eint. 

Nahe Verwandte dabei sind Marhaug & Asheim 

mit dem Orgel-Electronics-Werk 

Grand Mutation, Angel & Hildur Gudnadottir 

mit In Transmediale, Osso Exótico & 

Verres Enharmoniques mit Folk Cycles 

oder Area C mit Haunt. Sie alle operieren 

mit obertonreich schimmernden Frequenzspektren, 

die in der Summe Weiß ergeben, 

und mit dem Nervenkitzel eines 

schrillen, dissonanten Sägezahndiskant, 

der zwischen Schmerz und Lust vibriert. 

64

SIGNAL TO NOISE Vol. 2 & 3 (For 4 Ears Records, FOR4EARS CD 1864 / 

1865): Schweizer Präzisionsarbeit zwischen Onkyo, Zen und hypermoderner 

japanischer Architektur. Die mit Vol.1 (-> BA 53) begonnene Dokumentation 

der Abenteuer einer Handvoll Schweizer Elektroakustiker im Fernen 

Osten bringt einmal das Meeting von Tomas Korber (guitar, electronics), 

Christian Weber (contrabass) & Katsura Yamauchi (sax) am 7.3.2006 im 

YCAM Yamaguchi. Die Drei zupfen an den Ohrläppchen mit sparsamen 

Plonks des Kontrabasses, feinen Feedbackdrones und stehenden Wellen 

von Korber und Fauchtönen des Saxophons, untermischt mit Klappengeräuschen 

und ganz reduzierten Lauten, wenn Yamauchi die Luft nicht am 

Mundstück vorbei pustet, sondern in monotoner Einsilbigkeit durchs Rohr 

selbst. Der 1954 in Oita, Kyushu geborene Japaner hatte 20 Jahre lang als 

Angestellter gearbeitet, bevor er sich seit 2003 ganz auf seine Musik mit Alto- 

& Sopranosaxophon konzentriert. Dem zweiten Track gibt er mit pulsierenden 

Pumplauten sein Gepräge, zu denen Weber nun unruhigere Griffe 

oder Arcogebrumm untermischt, während Korber elektronische Wind- und 

Gischtgeräusche verströmt. Das Pulsieren klingt ab und es bleiben nur der 

brummige Bass und ein atmosphärisches Rauschen und nadelfeines Piksen. 

Am 7.2.2006 in der Tokyo University wurde der Zusammenklang von Jason 

Kahn (analog synthesizer), Norbert Möslang (cracked everyday-electronics) 

& Günter Müller (ipod, percussion, electronics) mitgeschnitten. Dabei inszenierten 

drei Perpetuum-Mobilisten eine pulsierende, tickende, dampfende, 

motorisch wummernde Betriebsamkeit. Dröhnminimalistische Striche und 

mehrstimmig rotierende Unruhe verdichten sich mit industrialem Automateneifer, 

der allerdings nichts produziert als sich selbst. Wobei Kahn, Möslang 

& Müller zu einem Team verschmelzen, bei dem nur der kollektive Output 

zählt. Bei Track 2 scheint ein (der?) Geist in der Maschine zu erwachen 

und beginnt in paranormaler Tonbandsprache zu lallen, von Maxwell‘schen 

Dämonen umknackt und umsirrt. Durch die Mehrspurigkeit und Aleatorik 

wirkt die Automatik komplex bis hyperkomplex. Die Unterschiede zwischen 

Signal und Noise werden aufgehoben. Das kann man als ‚sublim‘ empfinden, 

oder als organlos maschinell, identitätsdiffus, polymorph-pervers. 

SIX TWILIGHTS Six Twilights (Own Records, ownrec#35, CD + DVD): Aaron 

Gerber von A Weather macht in Portland von Melancholie umschleierte 

Singer/Songwriter-Folktronic. In das Klangunterfutter sind Gitarren- und 

Keyboardfäden mit eingewebt zu gefühlsecht samtigen oder seidig schimmernden 

Schmusedecken. Die Sinnlichkeit wird noch verstärkt durch die 

unschuldig-lasziven Stimmen von Liz Isenberg und Zoë Wright, die sich in 

diese Stoffe schmiegen wie Marilyn auf jenem Kalenderblatt, bei dem sie 

nur ‚das Radio‘ anhatte. Isenberg entpuppt sich dabei als bausbäckiges Mädel 

in Northampton, MA mit eigenem Jungmädchenblütenfolk auf Leisure 

Class. Six Twilights ist so etwas wie das Laptop-Update der Silence is the 

new loud-Folklore von A Weather, Exploration Team, Horse Feathers oder 

Musee Mecanique, Portlands übrigen zarten Seelen, die, auf Daunenfederempfindsamkeit 

eingestellt, das Leben schon als weich gekochte Erbse 

stört, die lieber den Finken lauschen und an Lavendel schnuppern. Wie Parzival 

scheint Six Twilights von drei Blutstropfen im Schnee und von ‚oak 

trees like stray hairs‘ gebannt und zu versuchen, diesen Bann hörbar zu 

machen, elektronisch verrätselt wie überalterte, eiernde Tonbänder. Die 

Musik ist nur ein morphendes Georgel, der Gesang ein Hauchen und Flüstern, 

durchsetzt mit intimen Atemzügen. Dazu gibt es dann ein entsprechendes 

Poesiealbum für Augen, die das Abendgold und Nachtblau des Horizontes 

abtasten oder die Silhouette der Beifahrerin auf der Autobahn ins 

Glück. Vögel versammeln sich auf Stromdrähten, Schnee auf allen Ästen, 

Licht sickert durch die Zweige. Das Bild wird unscharf wie vage Urlaubserinnerungen 

an Schlittenfahrten, dann golden wie ein Eldoradosommer, 

nassgrau wie Strandspaziergänge der Kindheit, als einem das Wetter noch 

egal war. Dann kehrt die ausgeschweifte Erinnerung wieder zurück ins 

Jetzt, on the road auf der Autobahn in den Sonnenuntergang. Gerbers 

Sweet Urlaubs-Memories gibt es nur ganz oder gar nicht. Das nenne ich 

selbstwusst. 

65

SOFT MOUNTAIN Soft Mountain (Hux Records, HUX 084): Hux reimt sich üblicherweise 

auf 70s, BBC- und/oder Live-Mitschnitte und gibt einem das Gefühl, 

dass man etwas versäumt, wenn man Brinsley Schwarz, Gryphon oder Heron 

nicht kennt. Dazu hegt man in London das Soft Machine & Co-Erbe und kann daher 

mit dieser Besonderheit aufwarten – keine nostalgische Ausgrabung, sondern 

etwas, das es bis dato nicht gegeben hatte: Auf ihrer Japantour 2003 mit 

Soft Works hatten Elton Dean & Hugh Hopper eine Verabredung getroffen mit 

dem Keyboarder Hoppy Kamiyama und dem Drummer Yoshida Tatsuya. Nicht 

nur zum Sushiessen. Resultat: Zwei nahezu halbstündige ‚Suiten’, völlig frei improvisiert, 

nur von Spielfreude und Erfahrung gelenkt und den gemeinsamen 

Neigungen zu Freeform-Jazz(rock). Wenn das Interesse der beiden Japaner, mit 

zwei legendären Veteranen des Canterburykults zu musizieren, sich von selbst 

versteht, so ist umgekehrt die Lust der beiden Briten nicht weniger verständlich. 

Der Nino Rota-Verehrer Kamiyama mit einem Faible für sleazy und cheesy 

Trash hat mit Projekten wie Pink, Pugs und Optical 8 mehr als nur Exotica-Originalität 

bewiesen. Seine Spielweise knüpft hier direkt an die Miles Davis-Schule, 

speziell an Chick Corea an. Yoshida, Jahrgang 1961, Japans Antwort auf Christian 

Vander, ist nicht nur workoholisch aktiv im psychedelischen Magaibutsu- 

Rhizom (Koenjihyakkei, Korekyojinn, Ruins etc.), sondern auch der Garant für 

Power und Komplexität im Satoko Fujii Quartet, bei Painkiller oder im Trio mit 

Otomo & Laswell. Schon in Daimonji spielt er zusammen mit Kamiyama ‚Improg’, 

der nur ihrem Follow-Motion-Flow-Instinkt gehorcht. Hier stellen sich alle vier 

mit dem Gesicht zur Sonne, die ungebrochen Love Supreme-Strahlen spendet, 

die direkt in Deans Altosax- und Saxellomelodien fließen. Coltranes Vision der 

unendlichen Melodie zieht sich als goldener Faden ohne Anfang und Ende 

durch die Soft Mountain Suite. Bass und Drums pochen und stampfen als Taikodynamo 

und tausendfüßlerische Mikoshischreinträger. Kamiyama streut Glasperlen 

und Kirschblütenblätter für die Matsuriprozession. Die 15 Jahre Altersunterschied 

sind schon vom ersten Ton an wie weggeblasen. Unwillkürlich 

nimmt, während die Nase Coltrane-Duft einsaugt, das Ohr Deans Singsang als 

Fixpunkt und folgt ihm in seiner Tagträumerei, die in sanftem Licht badet. Bis 

immer wieder ein Windstoß in ihn fährt und er, von Yoshida als vielgliedrigem, 

hypermobilem Kohlenschipper mit Feuereifer und euphorischen Juchzern unterstützt, 

aus Flammengezüngel Fire Music auflodern lässt, zu der Hoppers 

Sturm & Drang-Bass, teilweise mit Flangereffekt, Schattenspiele zeichnet, die 

ein dunkles Eigenleben führen. Diese Musik ist älter und größer als Soft Machine 

Legacy, sie liftet den Anker von Coltranes Sun Ship. 

SPACEHEADS & MAX EASTLEY A Very Long Way From Anywhere Else (Bip 

Hop, bleep35): Bezog sich der Vorgänger The Time of the Ancient Astronaut 

(2001) auf Coleridges The Rime of the Ancient Mariner, so wird diesmal der Graf 

von Monte Christo umspielt. Denn auf dem Weg zum Mimi Festival auf der Insel 

Frioul vor Marseille kamen Eastley, Andy Diagram & Richard Harrison am berüchtigten 

Chateau D‘if vorbei, in dem Edmond Dantès jahrelang lebendig begraben 

war und auf Rache sann. 4 Tracks entstanden live auf dem Mimi 2002, 

die andere Hälfte 2003 im Shed von Brawby, North Yorkshire. Der Zusammenklang 

von Eastleys Arc, Diagrams Kondo‘esker Trompete und Harrisons Drumming, 

jeweils mit Elektroeffekten verdubt, lässt einen Dreamscape entstehen, 

der mit der Wunschenergie der Kolportage Elemente der Schauerromantik und 

des Fernwehs verbindet. Klang verleiht dem Sehnen Schwingen (‚Love Lends 

Wings to our Desires‘), etwa indem Delaywellen die Imagination dort hin treiben 

lassen, wohin die Trompete voraus schweift. Derweil wetzt Dantès immer wieder 

den Dolch seiner Rache. Das Trio schreckt vor solchen bildhaften Motiven 

nicht zurück. Nur als ‚Toter‘ konnte Dantès fliehen (‚Assume the Place of the 

Dead‘), nach einem Alptraum an Spannung, bei dem sein Herz zu zerspringen 

drohte (‚The Dream that Murdered Sleep‘). Vorahnungen des Gelingens oder 

Scheitern falten die Zeit wie einen Ziehharmonikabalg, während sie beim großartigen 

Titelstück sich episch wieder dehnt und entfaltet. Den Kopf so voller 

Möglichkeiten, dass er wie ein Fanfarenchor dröhnt und schrillt und brummt. Als 

ob die 7. Kavallerie durch Fidelio galoppieren würde, um dem ‚Drama der Utopie‘ 

zu einem glücklichen Ende zu verhelfen. Freiheit ist, aufs offene Meer hinaus zu 

rocken. 

66

SWIMS Swims (Distile Records, DIST003, 

EP): Drum‘n‘Bass aus Kalifornien, allerdings 

in nicht-technoider Version. Paul Slack 

spielt ‚a self-customized 1980 Kawai graphite 

4-string bass through a bi-amp setup‘ und 

Mark Rocha ‚big drums and a Zildjian Z Custom 

Mega Bell Ride‘. Ihre Ambition ist es, ‚an 

interesting blend of mathy, jazzy, proggy, 

ambient, instrumental rock‘ zu kreieren. 

Slack quasi als virtuoser Mike Watt, mit dem 

E-Bass als tragendem Element, und sein 

Partner als Meister des Fraktalen. Auf Distile 

sind sie damit in bester Gesellschaft mit 

37500 yens aus Reims, einem repetitiv-explosiven 

Guitar-Drums-Duo von Raxinasky- 

Zuschnitt, dem lehmverschmierten Zauselrock-Duo 

One Second Riot [records are 

home] aus Lyon, dem vertrackten Pim-Pam- 

Poum-Trio Sincabeza aus Bordeaux oder 

Absinthe (provisoire), einem Quintett aus 

Montpellier (das selbst wieder ein Kaninchenloch 

ist zum belesenen Akusmatiker, 

Cortazar- und Bela Tarr-Fan Guillaume Contré 

und dessen Projekte SAP(e) und Rayuela) 

[Das Abschweifen über solche Lebenslinien 

ist ein bad alchemystischer Wesenszug]. 

Sie alle sind es Wert, entdeckt zu werden, 

wobei das Duo aus Sacramento durch 

seine dichten Interaktionen besticht, durch 

die Manier, wie es die höhere Mathematik 

seiner Zwiesprachen in Ahleuchatista-komplexe 

Arrangements umsetzt. 

TARAB Wind Keeps Even Dust Away (23five 

010): Cinema pour l‘oreille oder ‚psychogeographical 

wanderings‘, wie immer man 

das Soundscaping des Australiers Eamon 

Sprod bezeichnen mag, es spielt mit Klängen 

seiner australischen Lebenswelt und 

der Einbildungskraft der Hörer. Die mit Naturbildern, 

mit Illusionen von Natur oder einfach 

nur Illusionen gefüttert wird. Gluckert 

da wirklich Wasser mitten im Sandsturm? 

Braust da ein Regenguss übers trockene 

Land, oder rascheln nur die Blätter? Warum 

zersplittert Glas? Schizophonie führt zu Dislokation. 

Man wird durch Rumpeln, Dröhnen 

und Zischen in die Betriebsamkeit eines 

Verladebahnhofs oder einer Fabrik versetzt. 

Dann wieder in grillendurchzirptes Hinterland. 

Es bitzeln Bläschen vor einem aufrauschenden 

Blätter- oder Regenvorhang. Sind 

diese Grillen echt, dieses Insektengesumm? 

Wenigstens die knarrende Tür? Vögel zwitschern 

und quäken, während Donnergrollen 

näher rollt und Wind die Äste schüttelt. Ein 

Wolkenbruchgewitter entlädt sich Chris- 

Watson-plastisch über diesem Phantomlandstrich, 

drinnen scheppern Stangen oder 

Röhren. Ein industrialer Kladderadatsch 

macht viel Lärm um Nichts. Und doch sind 

schon Leute in Pfützen ertrunken. 

67

THIEKE/GRIENER/WEBER The Amazing Dr. Clitterhouse (Ayler 

Records, aylDL-058): Wie der 1968 in Nürnberg geborene Drummer 

Griener ist auch der 4 Jahre jüngere Düsseldorfer Klarinettist 

& Altosaxophonist Thieke Mitte der 90er dem Sog Berlins gefolgt. 

Mit Projekten wie Nickendes Perlgras, The International Nothing, 

The Magic I.D., Unununium, Hotelgäste, Demontage oder 

Schwimmer und Neigungen zu abstrakten Minimalismen, diskreten 

Dynamiken und geistesgegenwärtigem NowJazz gehört er 

zum internationalen Improrhizom. Herr Griener, der sich seit seiner 

Neuen Deutschen Jazzpreisauszeichnung 2006 offiziell 

‚kreativster Solist‘ schimpfen darf, engagiert sich im Ulrich Gumpert 

Quartett oder mit dem Ex-Würzburger Martin Klingeberg in 

Babybonk und mit Thieke fand er Anschluss an die Lissabonner 

Creative Sources-Familie. Dem Zürcher -> Signal Quintet-Bassisten 

Christian Weber begegnen wir hiermit nun zum dritten Mal. 

Beim Downloadrelease von TGW zeigen der bowlerbehütete 

Nürnberger und seine Mitstreiter sich als Edward G. Robinson- 

Fans. Auf den kieksig-quirligen Auftakt ‚A Dispatch from Reuter‘s‘ 

folgt das dunkel-verhuschte ‚East is West‘ mit Haltetönen, die ins 

Diskante kippen, Cymbalsustain und brummigen Bogenstrichen. 

Danach beginnt ‚A Bullet for Joey‘ mit Schlagzeugbreitseiten, 

Bassgesäge und vehementem Altogestöcher à la Evan Parker, 

das sich mit Windmühlschlägen Grieners auf einen Dumdumpuls 

eingroovt. ‚Two Weeks in Another Town‘ ist ein neurotischer 

Blues, mit nervösen Pizzikati und quäkiger Borderlineklarinette, 

gefolgt von ‚Unholy Partners‘ mit heimlichtuerischer Klarinette 

und tröpfeliger Begleitung, die aber mit Besenwischern und hellem 

Schimmern ganz feinfühlig wird. ‚Two Seconds‘ mischt 

Brummbass mit perkussivem Muschelgeklapper, bis, von Thieke 

angestachelt, die Rhythmik schwerfällig Tritt fasst, sich gleich 

aber in einen einsilbigen Bass-Drums-Dialog verstrickt, in den das 

Alto sich spuckig und krächzend einmischt. Bleibt noch ‚Key Largo‘ 

in seiner angerauten Innigkeit als 7. Beleg, dass die Klarinette 

des Düsseldorfers das Spektrum von Ben Goldberg - François 

Houle - Michael Moore - Claudio Puntin - Perry Robinson mit einem 

markanten T wie Thieke erweitert. 

THIS YEAR‘S MODEL The Clock Strikes Ten (Marsh-Marigold Records, 

Mari 28): Dieses schwedische Popquartett ist mit allen Images 

von Sophistication und Dandytum ausstaffiert. Ein Poster von 

The Anarchists of Chicago, ein But is it Art?-Zwinkern, ein Posingfoto 

als coole Villenbesitzer und hintersinnige Shortstories von 

Jessica Griffin (Would-Be-Goods), Dickon Edwards (Fosca) und 

Vic Godard (Subway Sect) im Booklet. Murder, she wrote neatly, 

and the clock struck ten. Murder, she wrote sweetly, watching an 

ink stain growing on her hand lautet der Refrain, der dem Album 

die Überschrift liefert. Niklas Gustafsson ist die tonangebende 

Kraft, Ylva Lindberg spielt Keyboards und säuselt im Background, 

Henric Strömberg trommelt und Matthias Svensson steuert Leadgitarre 

und Bass bei. Der Gruppensound und Gustafssons Intonation 

sind geschwängert mit dem Flair von 80er-Jahre Art School- 

Pop. Die 3 Minuten-Songs voller Anspielungen wie ‚Wishes For 

Jean-Paul‘ (nicht Sartre, Belmondo) oder ‚Method Acting‘, auf die 

Präraffaelitenikone Elizabeth Siddal, die Schauspielerin Pascale 

Petit, das Hotel Damier in Courtrai, in dem schon Victor Hugo abgestiegen 

ist. Godard und Edwards liefern das persönliche Role 

Model, El Records den Rahmen aus Stil und britischer Boyishness, 

in dem sich This Years‘s Model bewegt. Ich habe nichts dagegen, 

die Uhr zu richten nach Zeiten, als Pop seinen Namen noch rückwärts 

buchstabieren konnte und von einer Welt zu träumen, 

where The Avengers' John Steed forever seems to be creative 

controller and Emma Peel works the A&R department. 

68

ULRICH TROYER Sehen mit Ohren (Transacoustic Research, tres006): Cinema 

pour l‘oreille als Essen im Dunkeln. Die Brailleschrift auf dem Cover verweist 

schon auf die Konsequenz, mit der der Transacoustic-Forscher und Gemüseorchesterkoch 

Troyer Blindsein vermitteln möchte. Sechs Sehbehinderte erzählen, 

wie sie ihre Umwelt wahrnehmen, sich darin orientieren und bewegen. Dazu 

mischt Troyer konkrete Alltagsgeräusche, die die Herausforderungen an das 

Raumgefühl und den Orientierungssinn von Nichtsehenden suggerieren. Beatrix 

Klinger, Kerstin Tischler, Josef Knoll, Michael Krispl, Elisabeth Wundsam und 

Otto Lechner, Musikant im Accordeon Tribe, sprechen über Raumresonanzen, 

Temperaturstrahlungen und Reflektionen, über Rasenkanten und den Sog offener 

Türen. Wie der Blinde mit dem Wischen seines Blindenstocks, das sich an 

Wänden bricht, fledermausmäßig zur Schallquelle wird. Postkastln, die hört man 

ned, Hindernisse in Kopfhöhe schon eher, Wiener Schnitzel allemal. Troyer 

schickt die Einbildungskraft mit durch Zimmer, Treppenhäuser, über Straßen, 

durch akustisch fürchterliche Bahnhofshallen und Tunnel, in die Mensa, in den 

Regen, der alles verschleiert. Auch überlaute Räume wie Diskotheken, überhaupt 

auch Öffentliche Gebäude, Theater usw. sind zum Orientieren alle wahnsinnig 

hart. Aber jedes Geschäft hat seinen eigenen Geruch. Oder Pflanzen im 

Zimmer, das ist auch angenehm. Die riecht man, und wenn die Blätter groß genug 

sind, hört man sie auch. Dome und Kathedralen sind akustisch ein Genuss. 

Da ist echt was los. So lernt man das ABC der Aufmerksamkeit. 

MATT WESTON Resistance Cruiser / Rashaya (7272 Music #001 / #002, 3“ CD- 

R): Auf diesen Drummer im Umfeld der Chicagoszene konnte man bisher stoßen 

neben Kevin Drumm, Michael Colligan, den Vida-Brüdern, der Sängerin-Gitarristin 

Plum Crane in Lotus 72 und auf Tizzys Dead Band Rocking (bevor Teri Morris 

die Band 2006 tatsächlich beerdigte), da spielte er sogar Riot Grrrl-Rock. Seine 

wahre und ganze Stärke zeigt er aber solo. Da mischt er Free Noise mit Musica 

Nova-Versatilität und durchlasert das Ganze noch mit Electrosounds, klingt aber 

am liebsten wie eine Ladung Schrott, die einen endlosen Wendeltreppenschacht 

hinunter scheppert. Mal mit grob gegen die Wände holterdipolternden Brocken, 

mal nur wie ein ausgeschütteter Besteckkasten, knarzend und rappelnd und mit 

schlecht geölten Scharnieren. Die Einspielungen hier geben Westons Lärmkaskaden 

plastisch wieder, ihre rostige, diskante, krätzige Schäbigkeit in einem, ihre 

überbordende One-Man-Orchestralität in nächsten Moment. Man ‚sieht‘ geradezu 

seine Hände blitzschnell hin und her zucken, seine klapprige Stockarbeit, den 

Hagelschlag, den er über die Becken verspritzt, abruptes Gepolter, dynamische 

Sprünge über Geräuschklüfte. Dazwischen schwer definierbare Stromstöße, 

schrilles Schnarren und fast jaulende Kratzer. Wer bei Schlagzeugsoli bisher nur 

überdrüssig abwinkte, der kann hier ein Aha erleben. 

SIMONE WHITE I Am The Man (Honest Jons, HJR28): Auf Damon Albarns hippem 

Londoner Label kommt etwas unerwartet diese hippieske, in Hawaii geborene 

Liedermacherin, die nunmehr im kalifornischen Venedig lebt. Sie zupft eine 

akustische 1964 Guild M20 und singt mit Unschuld-vom-Lande-Stimme eigene 

Poesie. Titel wie ‚Worm Was Wood‘ oder ‚Why Is Your Raincoat Always Crying?‘ 

lassen Lucy in the Sky with Diamonds-Musenküsse vermuten. Bei näherem Hinhören 

werden aber auch unvermutet kritische Töne hörbar, die nicht von der eigenen 

Katze oder postkoitaler Tristesse handeln, sondern von der amerikanische 

Krankheit - ‚The American War‘, ‚Great Imperialist State‘, ‚We Used To 

Stand So Tall‘. Aber ob Liebe oder Krieg, Rosen oder Würmer, Sweet- oder Darkness, 

White singsangt durchwegs mit der gleichen zartbitteren Laschcoremelancholie. 

Carol King und Mary Hopkin, ok, aber alle andern verstiegenen Vergleiche 

und jede Nähe zu Bonnie Prince Billy oder Lambchop, jeder Anflug von 

Zynismus oder Humor, textlich nicht von der Hand zu weisen, scheitern am eintönig 

hingehauchten Rosa ihre Lolita-Masche, ob Schneeweißchen nun barfuß 

oder in roten Stiefelchen daher tändelt. Die Arrangements mit Katzenpfotendrums, 

Bassgesumm, Bilitispiano, weichen Bläsern oder Streichern unterstreichen 

bloß - Harmlosigkeit. Die auch da harmlos bleibt, wo sie in süßer Verpackung 

bittere Pillen verteilt. Wenn man von ihren Verehrern die Wölfe abzöge, 

würde wieder die Sicht auf ein Rotkäppchen einer ganz durchschnittlichen Baureihe 

frei. 

69

VIALKA Plus vite Que La Musique (VIA, VIA-006): Obwohl er bereits 

seit 1994 umtriebig ist, anfänglich als Hermit, ist das meine erste Bekanntschaft 

mit dem 1977 im kanadischen Nanaimo, B.C. geborenen 

bocksbärtigen Eric Boros. Nähere Kennzeichen: Stolzer Papa, Bücherwurm, 

praktizierender Pazifist und Teetrinker, zuständig für Improvised 

/ composed / decomposed travel-guitar, electronics & voice 

for all occasions. Seit 2002 spielt er mit der französischen Trommlerin 

& Sängerin Marylise Frecheville als Vialka eine brisante Mixtur 

aus Vodka-poetry, break-butoh & evil-jazz. Die Partnerin (nicht nur in 

der Musik) des virtuosen Baritongitarreros ist eine Krawallschachtel, 

genau die Richtige, um Noisejazzpunkcore mit Turbofolk aufzumischen. 

David Kerman nannte sie und ihr verqueres Schlagzeugspiel 

(in einem Interview für Ragazzi) eines der am meisten beeindruckenden 

Talente heutzutage. Man muss sie gesehen haben 

(zumindest auf YouTube), wie sie live in Istanbul im Bademäntelchen 

oder in Kiew mit Brille und Schürzenkleid ihre krummen Takte fetzt. 

Vialka hat Tonight I Show You Fuck & Republic Of The Bored & Boring 

herausgebracht, die DVD Everywhere & Nowhere, sowie Curiosities 

Of Popular Customs, letzteres aufgenommen von Bob Drake in 

seinem Studio Midi-Pyrénées. Dort ist auch die neue Scheibe 

entstanden, Lieder über Verstopfung (‚Incacapable‘), über Drogen & 

Traumata, die einen als alte Freunde umtanzen (‚Opera Brut‘) und 

über das russische Kaff, nach dem sie sich benannten (‚Gulag 

Song‘). Verbunden mit Abgesängen auf den Profitwahn und den Racketverbund 

von Politik, Wirtschaft und Medien, der die Welt zugrunde 

richtet (‚Trop Tard‘, ‚Ménestrels‘), die selbst so schnell sich dreht, 

dass sie vom Plattenteller fliegt (das Titelstück). Hilft da nur der Terror 

von Selbstmordattentätern? I have nothing to lose. I will never 

win. Choice is an illusion. I am not afraid (‚Grenade‘). Dargeboten 

wird das als Etron Fou Leloublan-esker Avant-Rock und aufgekratzte 

Fakefolklore mit viel Hohohogesang. Im Mehrspurverfahren wird die 

Live-Roughness veredelt, mit perkussiven und elektronischen Finessen 

verziert. Vor allem serviert Drake Frechevilles temperamentvolle 

Zunge auf einem Sílbertablett, schneidet sie dabei aber von ihrem 

Körper ab und verwandelt das Paar in ein mehrköpfiges, vielarmiges 

Phantom. Vialkas Afro-Balkan-Postpunk-No Wave zeigt sich aber unverwüstlich, 

unverschämt agitativ, clownesk und vogelfrei. So findet 

man Freunde in Beijing (Xiao He), Leeds (That Fucking Tank), Montpellier 

(Dure-mère) oder Tel-Aviv (Kruzenshtern & Parohod) und 

macht sich einen neuen in Würzburg. 

70

FRANS DE WAARD 

Für eine Ausstellung mit dem Thema ‚Mijn Domein’ belauschte FdW, nicht nur bei 

seinen Landsleuten als „sleutelfiguur op het gebied van experimentele, elektronische 

muziek“ bekannt und anerkannt, im Auftrag der holländischen Hafenstadt Vlissingen 

die alte Königliche Marine-Werft, genauer, die Zware Plaatwerkerij, kurz vor 

der Schließung. Vlissingen lagert seine Industrieanlagen aus und strukturiert um auf 

Tourismus, ein Akzent, der durch die Betonburgen am so genannten Panorama 

Strand und Boulevard ins Auge sticht. “Toen ik de hal voor het eerst binnenliep, 

dacht ik: wow, fantastisch, wat een geluid. Die ventilatoren, slijptollen, snijbranders, 

de lift die door de lucht zweeft. Dat klonk erg goed.” Wie nun auf Vijf Profielen 

(Alluvial Recordings, A26) zu hören, lässt FdW in fünf abgestuften Produktionsschritten 

die industriale Szenerie deeskalieren. Von anfänglicher Aktivität, bei denen 

die Geräusche eines Lifts oder der Halle selbst die eingestellte Produktion 

nachhallen lassen, zu immer feinkörnigeren, immer ‚flacheren’ Drones, wie von 

Sprühstrahlen oder Gebläsen oder einem metallischen Schaben und feinen Klingeln, 

und schließlich der (Beinahe)-Stille der allein noch ‚arbeitenden’ Lüftung. Die 

Stahlplattenproduktion ist ausgezogen, Ruhe und Kunst kehren ein. 

Wortspielerisch im Titel versteckt, bestimmt Frans de Waard auch Z‘evs Forwaard 

(Korm Plastics, kp3029) gleich mehrfach mit, durch seine Feldaufnahmen, 

die Z‘ev als Ausgangsmaterial benutzte, und durch seine Fotokunst, die dem Release 

visuell ihren Stempel aufdrückt. Das Spiel, das Z’ev nun mit FdWs Klängen spielt, 

ist definitiv ein PLAY LOUD-Spiel. Was ansonsten permanent vom Verkehrslärm und 

anfänglich zusätzlich von meiner Kaffeemaschine übertönt wird, entfaltet LAUT Detailreichtum 

und damit die Dramatik dynamischer Modulationen. Es wird vor allem zu 

einer feuchten Angelegenheit, einem Gurgeln und Rauschen wie unter Wasser oder 

– die Phantasie wird hier unwillkürlich spekulativ - wie in einem Atlantikwallbunker 

im Gewitter. Von unten rumort hohles Dongen wie aus einem großen Metallkontainer, 

darüber wellt sich feinmotorisches Sirren, Schnurren und Brummen. Es gluckst 

und lappt wie aus einem tiefen Brunnen oder einer Zisterne oder schabt wie rollende 

Steine auf dem Grund eines Flusses. Dazu braucht man nicht gleich ein U-Boot- 

Bild zu bemühen, es genügt vielleicht, die Klangwelt eines Krebses oder sonstiger 

Bewohner des feuchten Elementes zu halluzinieren. Nur dass solche ‚naturnahen’ 

Phantasien durch industriale oder abstrakte, sprich bildlose Geräuscheinschlüsse 

nicht durchzuhalten sind. Sonst könnte man ja gleich seine Schuhe schnüren und zu 

einem Spaziergang mit offenen Ohren losstiefeln. 

2004 war Sijis_rmx (sijis08) ausschließlich eine Sache von Frans de Waard gewesen, 

der damit den Sijis-Backkatalog in einer Remixversion komprimierte. Die expanded 

edition Freiband rmx (Sijis, siji08X, CD-R) bringt einen Alternativmix des Freiband-Tracks 

und fünf weitere, von den Sijis-Acts Sluggo, Scott Taylor, J Torrance 

und Mutton Deluxe sowie von Ex-Contrastate Srmeixner. Wobei ich nicht 

durchschaue, ob diese Mixe nun ebenfalls auf Sijis-Stoff basieren, oder ausschließlich 

auf der Viertelstunde von Freiband. FdW hat jedenfalls (nur) eine ambiente Küstenlinie 

gezogen, vielleicht eine niederländische, jedenfalls eine dröhnminimalistisch 

schwingende Kurve aus sonorem Summen und Gischt. Dass da Vogelstimmen, 

Froschgeknarre oder Insekten zu hören sind, das bilde ich mir vielleicht auch bloß 

ein. Flachland möchte ich als Stichwort aber festhalten. Mutton Deluxe geht seine 

4:12 opulenter an, mit orgelndem und schleifendem Auf und Ab, einem stimmhaften 

Halteton, der dramatisch zu mäandern beginnt. Meixners dreieinhalb Minuten tupfen 

den Raum mit dunklen aleatorischen Tupfen, dazu erfinden Gitarre und Bass melancholisch 

fast so etwas wie eine Melodie. J Torrance scheint dann tatsächlich den 

Freibandstoff neu aufzumischen, gewittriger, grollender, wummriger, gleichzeitig 

mulmiger und grobkörniger, durchswoosht von peitschenden Akzenten. Taylor betont 

das gischtige Element, ein zischendes Sprühen, das hin und her wandert wie 

der Strahl eines Spritzschlauches oder ein Windkanalfauchen, vor einem Hintergrund 

aus vage pulsierendem Gedröhn. Sluggo stapft mit kosmischen Gummistiefeln 

umher, peitscht und zischt und bohrt wie ein multifunktionaler Kampfroboter, 

der aber schnell ausfällt und nur noch ein klägliches Notsignal aussendet. Ein, na 

was schon, ein Dröhnen schwillt ganz allmählich an... - ein Pfeif-Wummer-Gemisch, 

das sich in Wohlgefallen auflöst. Zum Schluss dann nochmal Freiband, ähnlich wie 

gehabt (laienhaft ausgedrückt, rmx-Ohren hören das sicher anders). 

71

R L W 

A.M.T. Nmpering 

Riley Idea Fire Company 

Chion Gregorio 

Haino Hodell 

If, Bwana Tietchens 

Vrtacek Mirror 

Ikeda Asano 

Solid Eye Russell 

Toy Bizarre ErikM 

Scelsi 

Alptraum? An Archivist’s Nightmare 

(Beta-Iactam Ring Records, 

Black Series negro 2) ist 

pures Vergnügen, dem ich über 

die vollen 60 Minuten mit gespitzten 

Ohren lausche. RLW 

verliest nämlich eine Liste der 

Tonträger, die sich ‚in letzter 

Zeit’ bei ihm ansammelten. An 

die 1000 Stück! Und dabei lässt 

er in seiner Litanei noch die 

weg, die er für nicht erwähnenswert 

hält (was das wohl 

sein mag?). Zwischendurch liest 

Mrs. W in ungeübtem Englisch 

aus RLWs Korrespondenzen, 

gipfelnd in einem Call & Response-Duett 

mit W Jr., der 

nach Gehör ‚Muttersprache’ mit 

umwerfendem ‚Kinderklang’ 

nachbrabbelt. RLWs chronologisches 

Sammelsurium wird Archäologen 

des 23. Jhdts. einige 

Rätselnüsse zu knacken geben, 

welche Kultur sie da wohl ausgegraben 

haben. Für mich sind 

die Namen und Titel, in ungeniertem 

‚Mutant Deutsch’ emotionslos 

aufgelistet und 2003 

als Radio Resonance-Stunde 

über den Äther verbreitet, die 

konkreteste Poesie. Was für 

eine Gold schürfende Auslese, 

an der sich jeder Connaisseur 

delektieren kann, dem der bloße 

Klang der polyglotten Namen 

Musik in den Ohren ist. Statt bekanntem 

Einerlei, füllt RLWs Archiv, 

als sei es das Normalste 

auf der Welt, nur das, was im 

Ocean of Sound Willkommen in 

der Gegenwart und Mensch zu 

dir zu sagen versucht. 

The pleasure of burning down churches (Black Rose Recordings, 

BRCD 07-1009), Ralf Wehowskys zweiter Beitrag 

zu Stephen Meixners kleinem Labelprogramm, zeigt 

seine Dornen erst auf den zweiten Blick. Bei brennenden 

Kirchen denkt man unwillkürlich an Burzum und zündelnde 

Schwarzkutten. Mit etwas längerem Gedächtnis 

vielleicht auch an rassistische Feuerteufeleien im amerikanischen 

Bible Belt, die seit 1882 ‚Tradition’ haben 

und Mitte der 1990er sogar noch einmal epidemisch aufflammten. 

RLW begegnete den ‚Goblins of Hate’ in der 

banalen Gestalt eines ehemaligen US-Piloten, dem im 

Vietnamkrieg Kirchtürme ein attraktives Ziel geboten 

hatten. Immer noch stolz wies er RLW, der auf einer Vietnamreise 

Mitte der 90er seinen Nostalgietrip kreuzte, 

auf ‚seine’ Ruinen hin. "We were all orcs in the Great 

War", um es mit Tolkiens Worten zu sagen. RLW umkreist 

das Thema Vietnam mit dem Brummen von Flugzeugen, 

mit dem Erinnerungen, Alpträume und vielleicht die Luft 

selbst noch wie imprägniert zu sein scheinen, auch 

wenn in Hanoi längst Alltag eingekehrt ist. Als hektisches 

Verkehrsgehupe oder als Straßentheater. Eine andere 

Sorte von Orks fängt RLW mit ‚helplessly friendly’ ein. Ein 

querulantes Schandmaul hadert mit einer „Nazifotze“ 

von Gerichtssekretärin (meist in Gestalt eines Anrufbeantworters), 

weil seine Strafanzeigen von dem 

„Verbrecher“ und „Kinderficker“ namens Klob unterschlagen 

werden und die „Mörderbande“ immer noch 

nicht vor Gericht gestellt wurde. In der Warteschleife 

pfeift der theatralische Troll rechthaberisch vor sich hin. 

‚Burning pianos’ sublimiert – in Anspielung an Fluxus-Aktionen 

von Al Hansen (Piano Drop), Maciunas & Corner 

(Piano Activities) oder Andrea Lockwood (Piano Transplant 

Series) und an die Monterey-Performance von 

Hendrix – die Lust am Zerstören in sublime Geräuschkunst, 

in ein Rumoren und sirrendes Pfeifen, inmitten 

dessen im Innenklavier geharft und gedongt wird. Broken 

Music, Kapotte Muziek, in der, wie immer bei Wehowsky, 

Ironie und Therapie, Sympathie und Akribie ein 

Ununterscheidbares bilden, das sich über das Lebensnotwendige 

erhebt und zu flüstern scheint: Es gibt ein 

richtiges Doppelleben im Falschen. 

72

* V/A Das Dieter Roth oRchester spielt kleine wolken, typische 

Scheiße und nie gehörte musik (intermedium rec. 026) hatte anno 

2006 seine Ursendung auf Bayern2Radio, wo die Hörspiel- und Medienkunst 

liebevoll gehegt und gepflegt wird. Dabei handelt es sich bei dieser Hommage 

an den bildenden Künstler Dieter Roth eher um eine Compilation liedhafter 

Interpretationen dessen literarischer Ergüsse, herausgegeben von 

Wolfgang Müller und Barbara Schäfer. Roth war auch auf dem schriftstellerischen 

Gebiet überproduktiv. Diese CD stellt also eher ein Album von 

Neu-Interpretationen dar und kein Hörstück im eigentlichen Sinne. Die Idee 

hierzu stammt vom ebenfalls bildenden Künstler und Island-Fan Wolfgang 

Müller (alias Úlfur Hródólfsson, ex Die Tödliche Doris) der das Roth-Buch 

„Frühe Schriften und typische Scheiße“ irgendwann auf einem Berliner 

Wühltisch für 3 Mark entdeckte. Und damit wohl auch seine Geistesverwandtschaft 

– war der ebenfalls in Island wirkende Dieter Roth nicht auch 

irgendwie ein, äh, genialer Dilettant, ein Bruder im Geiste? Für sein Projekt 

holte sich Müller Unterstützung bei alten Bekannten wie Brezel Göring und 

Françoise Cactus (Stereo Total, Wollita), bei seinem Bruder Max Müller 

sowie dessen Band Mutter, aber auch bei Khan, Trabant (aus Island) 

oder NAMOSH. Wolfgang Müller, der solo zu trivialem Electro-Pop neigt, 

steckt wiederum hinter dem Walther von Goethe Quartett und den beiden 

schwulen Stoffpuppen Armand & Bruno, die sich mit der Häkelpuppe 

Wollita angefreundet hatten, als diese als sexistisches (Nicht-) Kunstwerk 

von der Berliner Boulevard-Presse angefeindet wurde (zu diesem Thema ist 

übrigens ein Taschenbüchlein mit 3“CD im Martin Schmitz Verlag erschienen). 

Überraschenderweise ließen sich die Texte von Dieter Roth auch zu 

wunderbaren Popsongs formen. Die Beiträge von Stereo Total oder Wollita 

sind in dieser Hinsicht zwei Meisterwerke. Andreas Dorau schafft es 

leider nicht, daran anzuknüpfen, ihm gelingt trotzdem ein für ihn typisches 

Electro-Groove-Stück. Überhaupt klingen viele Tracks typisch für ihre Erzeuger. 

Offensichtlich lassen diese Texte hierzu genügend Spielraum – im 

Gegensatz zu gängigen Musik-Tribute-Projekten. Ghostdigital (ein Projekt 

eines ehemaligen Sugarcubes-Musikers) erinnern mich irgendwie an 

Therofal von The Blech im bassbetonten Elektronikkleid, welches bei mir 

wiederum Assoziationen an Werke von Goebbels/Harth aus den 1980ern 

weckt. Nach 17 Beiträgen nicht ganz so vieler Künstler gibt es als Zugabe 

mit ‚doit again‘ noch ein verschroben groovendes Stück von Mouse On 

Mars. Insgesamt gilt: Typische Scheiße, interessant aufgearbeitet! GZ 

V/A Heizung Raum 318 (1000füssler 008): Eine Heizung als Klangkörper, 

sogar als Musikinstrument? Wenn man am Thermostat dreht, ändert sich 

die Tonhöhe der Pfeif- und Brummtöne, den speziell die drei Heizkörper im 

Raum 318 aussenden. Das ist ein Raum, in dem sich seit einigen Jahren 

Hamburger Geräuschkünstler treffen. Es war wohl nur eine Frage der Zeit, 

bis der musikalisch nutzbare Aspekt der schlecht funktionierenden Wärmespender 

erkannt wurde. Die Heizung an sich hört man als ‚Ausgangsmaterial‘. 

Daneben dann, eingerahmt von Stefan Funck, die Verarbeitungen 

von Gregory Büttner, Funcks Partner in Für Diesen Abend und 

1000füssler-Gründer, von Nicolai Stephan, der eigentlich und hauptsächlich 

Fotograf & Filmemacher ist, und von Asmus Tietchens, dessen 

Erfahrungsschatz mit Geräuschquellen Wasserhähne und Druckmaschinen 

mit einschließt. Entsprechend seiner spöttischen Warnung vor dem ‚Mythos 

Basismaterial‘ genügt den Vieren ein denkbar prosaischer Alltagsgegenstand, 

um damit alle gestalterischen Finessen von ‚Geräuschmusik‘, von 

Musique concrète als Kunst der feinen Modulationen, auszureizen. Das Material 

beginnt zu ‚sprechen‘, bei Büttners ‚heiz‘ fast wörtlich, mit paranormalen 

Zisch- und Labiallauten, feucht-dampfig und geisterhaft, von feinen 

Drähtchen oder Kristallen durchknistert. Tietchens überrascht mit munterer 

Rhythmisierung, bei fast noch ausgeprägterem Electronic Voice-Phänomen. 

Bei Stephan ‚spricht‘ kein Geist aus der Heizung, dafür klickert und tackert 

‚es‘ (sie?) stottrig impulsiv und äußerst heftig. Ein Morsecode? Aber 

eigentlich ist schon der O-Ton ausnehmend pfiffig. 

73

V/A Otherness: Curated by DAVID COTNER 

(Sonic Arts Network 05.07, CD + Booklet): Wer 

sich zum Ziel gesetzt hat, „to inspire by example, 

inform by design, incite by amazement“, wie der 

1970 in L.A. geborene Literalist und Hertz-Lion- 

Macher David Cotner, der bringt auch schon mal 

Backsteine oder Schuhe zu Klingen. Bekannt ist 

Cotner für seine Actions communiqué-E-Mails, 

eine erschöpfende Fleißarbeit, die einen ausgiebig 

mit Leftfield-Nachrichten versorgt über Avant- 

Aktivisten und Black Hole-Aktivitäten, die er akribisch 

vernetzt mit Hertz-Lion, einem Portal zu 

den ‚Grey Areas‘ des ‚eternal Now‘. Sein Beitrag 

zur Sonic Arts Network-Reihe, illustriert von 

Jeffrey Catherine Jones formerly known als der 

Fantasy- & SF-Illustrator Jeff Jones, dreht sich um 

‚das Andere‘. Cotner fasst Otherness, den zentralen 

Begriff in Emmanuel Lévinas Face-to-face- 

Ethik oder Michael Taussigs marxistischer Anti- 

Ethnologie, auf als „in-betweenness“ und „boundless 

imagination“, wobei er sich von Alterity als 

Subjekt-Objekt-Konstrukt distanziert. Tina Manske 

schreibt dazu in www.titel-forum.de ganz treffend: 

“Wer an dieser Stelle denkt: Mist, da erwartet 

mich möglicherweise etwas, was meinen Horizont 

erweitert – der hat ganz bestimmt recht.“ 

Als akustische Illustratoren von Otherness vernetzt 

Cotner Cluster & Eno, Faust, Roland 

Kayn, Conrad Schnitzler, Stockhausen, Lee 

Ranaldo und David Toop mit Robert Haigh, 

Mick Harris, Kallabris (Dr. phil. Michael Anacker 

räsoniert über die Blessuren, die einem das 

Unerwartete beschert), Eddie Prévost (mit flirrendem 

Solo-Tam-Tam), Michael Prime (mit 

hörbar gemachter Bioaktivität von Shiitakepilzen), 

Ramleh (Gary Mundy im Alleingang 1986), 

Rapoon (Robin Storey mit outsider-melancholischen 

Moments of Beauty), dem Beequeen-Nachfolgeprojekt 

Wander und Z‘ev. Und er sprenkelt 

diese kraut-akzentuierten ambienten Mysterien 

aus Elektronik, Ethno- und Xenophonie - Ranaldo 

belauschte Lautsprecherdurchsagen der Shibuya-U-Bahn-Station 

in Toyko, Toop einen zeremoniellen 

Dialog südvenezuelanischer Yanomamos - 

mit Dissonant Elephant (japanisch angehauchter 

Neofolk aus Frankreich), Ecclesiastical 

Scaffolding (Drone-bekannte australische 

Ambientelektronik von Blair Rideout), Kraig 

Grady (kalifornischer Outside- & In Between- 

Mikrotonalist und Anaphoria-Insulaner ehrenhalber 

-> www.anaphoria.com), Indian Jewelry 

(Swarm of Angels-verbundener Girlgang-Act aus 

Texas mit Invasive Exotics-Freakfolk), Lovely 

Midget (Ex-Fischmunt Rachel Shearer aus Neuseeland 

mit Kiwi-Drones), The Mystical Unionists 

(Duo der Lavender Diamond-Frontwoman 

Becky Stark) und Sedayne (Ex-Metgumbnerbone 

Sean Breadin, happily wandering the hinterlands 

mit seiner hermetisch-traditionellen Folklore). 

Wurm- und Karnickellöcher zuhauf, um durch zu 

rutschen zu Inseln und Hinterländern, in denen 

die verkehrte Welt upside down tanzt. Amazing. 

74

SOUND AND VISION 

Sehen mit Ohren? Das Auge hört mit? Wie auch immer. Die Film & Musik-Abteilung 

bescherte mir diesmal Schallundrauch (NurNichtNur 106 11 11, 3“ DVD, 22 

Min.), einen Flohhustwalzer von UTE VÖLKER mit Bildern von ERIKA ENDERS. 

Für Völkers Akkordeontönchen braucht man feine Ohren. Enders verbrennt 

dazu Streichholzheftchen und wer ganz feine Ohren hat, der hört das Feuer in 

ppp knistern. Die kleinen Zündelflämmchen verkohlten wie Kämme, verwandeln 

sich in schwarz verkrümmte Brandleichen mit grauen Köpfchen und machen 

dabei erstaunlichen Effekt. Dann sieht man die roten Streichholzköpfchenreihe 

von oben, die Flamme frisst sich von links und rechts darauf zu, die Opfer krümmen 

sich und entflammen. Die Musik ist nun etwas mehr in Schwung gekommen, 

ein Hauch von Beat sorgt für Bewegung, auch die Flämmchen selbst knistern 

und zischeln. Im dritten Akt stehn die Zündheftchen in roten Pantöffelchen Spalier, 

der Feuerteufel verkohlt sie erneut zu bizarren schwarzen Skulpturen, zu 

vielbeinigen, sich in stummer Agonie krümmenden ‚Spinnen‘. Dazu hört man erst 

nur ein Schaben, bis allmählich auch das Akkordeon wieder zu atmen anfängt. 

Schallundrauch ist eine heiße Sache, die hält, was sie verspricht. 

Fast möchte ich die düsteren Märchenbilder und melancholischen Klänge von 

Poca Luce, Poco Lontano (Noble Records, CXBL-1002, DVD, 36 Min.) für etwas 

durch und durch Alteuropäisches halten, eine Arbeit aus Tschechien etwa. Aber 

die blau oder braun getönen Szenerien und nächtlichen Visionen stammen von 

NABAKAN, das ist Hisakazu Nakabayashi, ein Maler und Kinderbuchillustrator 

in Tokyo. Die kammermusikalische Stimmungsmalerei zu seinen langsam morphenden 

Laterna magica-Bildern von Häusern, Straßen, schattigen Landschaften, 

durch die sich dunkle Gestalten bewegen, von Vögeln, fallenden Blättern 

oder Wassertropfen, die schuf ATSUKO HATANO. Sie plonkt ihr Cello, spielt 

Geige, Einfingerpiano, Melodica(?), fast immer wie in Zeitlupe, simpel und ganz 

in Tristesse getaucht. Nakabans bewegte Gemälde nehmen ab und zu Farbtönungen 

an und erinnern dann an Malerei der 50er Jahre, Willi Baumeister z. B. 

Auf ‚Stone‘ folgt ‚Tree‘, auf ‚Tree‘ ‚Water‘, aufsteigende Blasen im Mitternachtsblau. 

Zum Abschluss singt Hatano mit Kinderstimme ein ganz wehmütiges, verhuschtes 

Lied. Happy Ends klingen anders. Hier bleibt alles Ton in Ton unheimlich 

und wie geträumt. 

Für Camera Lucida (L-NE, DVD Line 030) wurde ein physikalisches Phänomen 

genutzt, bei dem eine Flüssigkeit unter starken Druckschwankungen ultrakurze, 

hochenergetische Lichtblitze aussendet, seit seiner Entdeckung 1934 an der 

Universität Köln bekannt als Sonolumineszenz (von lat. sono „tönen“, luminesco 

„leuchten“). Dass die Video- & Installationskünstler EVELINA DOMNITCH & 

DMITRY GELFAND für das blau geisternde Bildschirmschonergeflimmer dabei 

tatsächlich physikalische Korrespondenzen zwischen den mikroelektronischen 

Sounds von Taylor Deupree + Richard Chartier, Alva Noto, Alexander 

Kaline, Asmus Tietchens, Kenneth Kirschner, Matmos, Coh und Carter 

Tutti sichtbar werden lassen, das verbreiten die sehr klein gedruckten Linernotes 

mit einiger Ausführlichkeit. Der ‚Mythos Basismaterial‘ siedelt das Geschehen 

an Physikalischen Instituten der Univ. Göttingen und in Japan an, nennt 

eine Reihe von Wissenschaftlern und ihr Rezept, per Ultraschall und einem Gemisch 

aus 97% Schwefelsäure und Xenongas, die implodierenden Mikrobläschen 

als blauen Dunst videografierbar zu machen. Ich kann in der reizvollen 

visuellen Chaotik zwar keinerlei dynamischen oder rhythmischen Zusammenhang 

zu den Klängen feststellen, was aber den psychedelischen Effekt der (auf 

schwarzer ‚Leinwand‘) ultramarin schimmernden und turbulent morphenden 

‚Wasserstrudel‘, gauloisblauen ‚Rauchkringel‘ und lumineszent tanzenden Glühwürmchen 

keineswegs mindert und der Schönheit der rasenden Lichtfäden und 

flüchtigen Leuchtspuren erst recht keinen Abbruch tut. Das zugehörige oder 

zumindest begleitende minimalistische Funkeln, sirrende Dröhnen, nadelspitze 

oder angeraute Pulsieren, kristalline Knistern, koboldige Zucken, sonore Tüpfeln, 

hauchdünne Schillern versetzt einen in synästhetische Verwirrung. Eine 

gutartige Verwirrung, die auf gutartige Klang- und Lichtgeister schließen lässt. 

75

Mit 23 ZOOMS (1000füssler, DVD-R, 60:24 + CD-R, 

55‘) vertiefte sich GREGORY BÜTTNER mit audiovisueller 

Akribie in Privatfotos, die er auf Flohmärkten 

gefunden hat. Die 23 Clips bestehen aus 

Zooms und Schwenks über Motive wie ‚junge mit 

flugzeug‘, ‚alter mann‘, ‚waldbank‘, ‚winterspaziergang‘, 

‚strandspiel‘, ‚frau auf schienen‘, 

‚alster‘ oder ‚zimmer mit vase‘. Es sind Fotos in 

Schwarzweiß und in Farbe, manche verblasst, 

manche etwas unscharf, meist vermutlich aus 

den 50ern bis 70ern. Indem der Kamerablick ganz 

langsam die Bilder abtastet und erst allmählich 

von Details auf die Totale zurück fährt oder umgekehrt 

vom ganzen Motiv weg sich in Einzelheiten 

vertieft und darin à la Blow Up verliert, werden 

die Fotos zu riesigen Leinwänden, zu fotorealistischen 

Arbeiten von Gerhard Richter. Ausschnitte 

wirken dabei wie abstrakte Gemälde. Die 

Musik dazu ist kongenial unscharf, körnig oder 

weichgezeichnet, nostalgisch wie Philip Jeck, oft 

mit 40er Jahre-Touch. Mit patinierten Memories 

wie ‚Spanish Eyes‘ bei einem Senior, dem sein Kanarienvogel 

beim Briefschreiben über die Schulter 

blickt. Büttner scheint mit seinen Sounds & 

Visions die Fotos doppelzubelichten, mit einer 

psychologisierenden Einfühlsamkeit, die manchmal 

etwas geradezu Unheimliches in diesen eingefrorenen 

Momenten der Vergangenheit aufspürt. 

‚kinder im schnee‘ ist freiweg morbide, 

‚weihnachtsbaum‘, ‚schwestern‘ und ‚rote bowle‘ 

gespenstisch, ‚gipfel‘ so erhaben erstarrt wie 

Caspar David Friedrichs Kreidefelsen und Eisschollen. 

Büttners Musik nimmt mehrmals Spieluhrcharakter 

an oder etwas Geisterhaftes, als ob 

sie aus dem Swedenborgraum herüber schallen 

würde, wie durch eine Membrane gefiltert. Sogar 

ein Dackel wird da zum Geisterhund, ein ‚zimmer 

mit vase‘ zu einem Stillleben verlorener Zeit. Ich 

selbst fand kürzlich auf dem Flohmarkt für 2 EUR 

ein schmales Buch von Wilhelm Genazino. Darin 

lese ich, wie er ebenfalls auf einem Flohmarkt auf 

eine Fotografie stieß, die ihn zu der Betrachtung 

‚Der gedehnte Blick’ anregte. Darin räsoniert er 

über die tragikomische Spiegelung der Melancholie 

der Welt im Blick der beiden Kinder auf dieser 

Fotografie. Über die Arbeit der Einbildungskraft. 

Über die Aporie, durch Spekulation die Welt verstehen 

zu können. Über den Umbau des kindlichen 

Verstehensoptimismus des Auges, das perplex 

ein Verstehenkönnen vertagen muss. Was 

sich niederschlägt als Melancholie oder zynische 

Erwachsenenvernunft. Vernunft heißt wissen, 

dass Bedeutung nur kurz als Epiphanie in einem 

Bedeutungstheater aufscheint. Ein erfahrener 

‚Konstrukteur des Schauens’ „bringt es fertig, aus 

stehenden Bildern bewegliche zu machen, weil er 

erfahren darin ist, sich etwas Totes als Lebendiges 

zu denken.“ Die 23 ZOOMS sind Übungen des 

‚gedehnten Blicks’. Und Büttner füllt zudem den 

blinden Fleck in Genazinos stummer Betrachtung 

– mit Musik, in der Erinnerungen und Sehnsucht 

gleichzeitig anklingen. 

76

LEST, IHR RATTEN 

Martin Schmidts kleines SURF BEAT-ABC (Ventil Verlag) kommt mir vor wie ein Mittelding 

zwischen der Sendung mit der Maus, allerdings mit Rat Fink als Maus, die einem 

erklärt, wer wer war (und ist) in der Surf- und Instromusik und wie die funktioniert, und 

einer Kochsendung – hier sind die Zutaten, für unser Rezept nimmt man seit 50 Jahren… 

Der Autor kennt sich in der Materie aus als Redaktionsmaus des Szenemagazins 

Banzai! und ist selbst Koch mit The Razorblades und als The Incredible Mr. Smith. Den 

Nachgeborenen muss man tatsächlich erst mal alles erklären: Was ne Danelectro ist, 

wozu man unbedingt ne Fender Stratocaster braucht, ne Gibson SG, Gretsch, Jazzmaster, 

einen Precision Bass und Fender Amps, welchen Stellenwert Glissandi einnehmen, 

Muted Picking oder der ‚Twang’ und wie der Surf Beat geht (durchgehende Achtel 

auf dem Ridebecken, Bassdrum auf der 1 und 3 und ein Snare-Doppelschlag auf dem 2. 

und -Einzelschlag auf dem 4. Beat). Die Rolle von Ikonen wie Batman und James Bond, 

von Biker- und Mafia-Movies, Italowestern, Tiki Culture, Goin’ Ape und dem ganzen Hawaii-Rave. 

Und die stilprägenden Hits der ersten Generation: ‚Rumble’ von Link Wray 

1958, ‚Apache’ von The Shadows, Henry Mancinis ‚Peter Gunn’ von Duane Eddy, ‚Walk, 

Don’t Run’ von The Ventures 1960, Joe Meeks ‚Telstar’ von The Tornadoes 1961, ‚Wipe 

Out’ von den Surfaris, ‚Miserlou’ von Dick Dale, ‚Pipeline’ von den Chanteys 1963. Wer 

wie ich 1954 geboren ist und als Kind mit Radio bedudelt wurde, der hat Instro-Schlüsselreize 

und -Prägungen intus vor allem durch Duane Eddys von Lee Hazelwood auf 

XXL aufgeblasene Twang-Monster, von ‚Rebel Rouser’ 1958 bis ‚Deep in the Heart of 

Texas’ und ‚Dance with the Guitar Man’ 1962. Mit Surfen hatte das selbst in Kalifornien 

nur am Rande zu tun. Was heute als skurriler Spleen erscheint, war, bevor es von der 

British Invasion weg gespült wurde, eine Hochzeit von Novelty-Sound, Style und Sophistication, 

mit dem Rumblin’ als Rebel-Credibilty und mit Mainstreamappeal nicht zuletzt 

durch die Lounge- und Exotica-Tunes als Traumkulisse, Lifestyledressing und Frostschutzmittel 

im Kalten Krieg. 

Die Beatles und die Stones waren nicht zuletzt deshalb so attraktiv, weil sie eine weit 

klarere Wasserscheide bildeten zwischen einer Youth Culture und bloßer Freizeitkultur. 

Was da nach 1963 passé gewesen war, erlebte zu Punk- und New Wave-Zeiten als 

Zweite Welle und Surf Revival eine kaum bemerkte Wiederbelebung, mit Jon & The 

Nightriders als erfolgreichster Band und The Cruncher und Fenton Weills als Pionieren 

der deutschen Surf-Rezeption. All das wäre wohl kaum der Rede wert, gäbe es da nicht 

das Phänomen der 3rd Wave, das Schmidt als ‚Pulp Fiction und die Folgen’ überschreibt. 

Tarantinos Film und insbesondere der Soundtrack mit ‚Miserlou’, ‚Bustin’ 

Surfboards’, ‚Comanche’ und ‚Surf Riders’ ließ Surf- und Instroaficionados wie Pilze 

sprießen und machte Surf Beats wieder zum internationalen Stil, mit Dutzenden von 

Bands von Belgien (Fifty Foot Combo) über Finnland (Laika & The Cosmonauts), Kanada 

(Shadowy Men on a Shadowy Planet) oder Kroatien (The Bambi Molesters) bis Norwegen 

(The Beat Tornados) und Schweden (Langhorns), mit The Mermen, Los Straightjackets, 

Man or Astro-man? und vor allem Slacktone in den USA selbst. Schmidt nutzt 

hier die Gelegenheit, die Krautsurf-Szene als eine besonders virulente zu präsentieren. 

Dass es sich tatsächlich um eine Szene handelt, vermittelt er mit ‚Surf Community – Labels, 

Fanzines, Websites, Radiowellen…’ Als ‚Artverwandtes’ mixt er dazu noch die B- 

52’s mit ihrem 50s-Flohmarkt-Pop, den Psychobilly von The Cramps, Brian Setzer mit 

seinem Neo-Rockabilly, den Trashfusel von The Turbo A.C.’s und Asbachspritzer wie 

John Barry, Martin Böttcher, Henry Mancini, Ennio Morricone, Peter Thomas zu einem 

Cocktail mit Green Onions von Booker T. & The MG’s, nach dem sogar Nichtschwimmer 

surfen könnten. 

Die lexikalische Darstellungsweise, die lauter einzelne Käsehäppchen an Plastikspießchen 

serviert, macht es schwer, sich eine Chronologie der Ereignisse zusammen zu 

reimen und popkulturelle Hall- und Echoeffekte im Zusammenhang & -klang zu erkennen. 

Als Appetizer und um Smalltalk-Kompetenz vorzugaukeln, reicht Schmidts Crashkurs 

aber locker aus. Wer den Geschmack intensivieren möchte, greift zu The Golden 

Age of Rock Instrumentals von Steve Otfinoski, David Toops Exotica: Fabricated Soundscapes 

in a Real World und Elevator Music - A Surreal History of Muzak von Joseph 

Lanza oder hört sich an, wie Marc Ribot bei John Zorns The Gift seine Gitarre zum 

Surfbrett werden lässt. 

77

Unter extravagant versteht man das Gegenteil von edel und zurückhaltend, etwas 

Schrilles und Außergewöhnliches. Der als Veranstalter der Kieler ‚Sitzdisco’ Discohockern 

nicht ganz unbekannte Jens Raschke lädt unter dem Titel DISCO EXTRA- 

VAGANZA (Ventil Verlag) ein auf ‚Eine Reise ins Wunderland der sonderbaren Töne’, 

wobei ihm, wie schon Goethe erkannt hatte, Sonderbares hauptsächlich als das Unzulängliche 

und (nahezu) Unbeschreibliche entgegen schallt. Im angelsächsischen 

Raum ist dieses Sonderbare als ‚incredible strange’ bekannt. Seit V. Vales & A. Junos 

Incredible Strange Music (Re/Search, 1993/94) kann man sich sogar auf Jello Biafra 

berufen, wenn man etwa Klaus Beyer einem Nichtdeutschen begreiflich machen will 

– er ist ‚incredible strange’, seine Beatles-Lieder Songs in the Key of Z, wie Irwin Chusid, 

ein weiterer Kenner & Liebhaber von ‚Man muss es hören um es zu glauben- 

Musik’, das genannt hat. In der Disco Extravaganza tummeln sich Outsider neben Celebrities. 

Neben harmlosen Spinnern wie Alvin Dahn mit seinem Größenwahn oder 

dem paranoiden Marlin Wallace aka The Corillions, Menschen mit einem Draht zu höheren, 

zumindest extraterrestrischen Kräften, die ihnen den Floh ins Ohr setzen, unbedingt 

die Welt mit ihrer Musik beglücken zu sollen, findet man jene eitlen Tröpfe, die 

dem sprichwörtlichen Esel auf dem Eis noch die Schau stehlen wollen, indem sie zum 

Mikrophon greifen. Raschke kann in letzterer Kategorie mit mehr oder weniger mildem 

Spott Goldkehlchen vorführen wie William Shatner, Joseph Beuys, John Wayne 

und, etwas an den Rasputinhaaren herbei gezogen, Charles Manson. Die ‚Outsider’ 

quellen gleich aus mehreren Schubladen: Als ‚Do It Yourself’ führt Raschke tragische 

Fälle vor wie den schwedischen Geek Anton Maiden (1980-2003) mit seinem Iron Maiden-Karaoke, 

Kuriosa wie die One Man Band Bob Vido (1915-1995) und das kultige 

The Langley Schools Project, bei dem der kanadische Lehrer Hans Fenger 1976/77 

seine Schüler Popsongs hatte singen und spielen lassen wie sie die Welt noch nicht 

gehört hatte. ‚Jenseits der Menopause’ begegnet man munteren Damen wie der 

Möchtegern-Operndiva Florence Foster Jenkins (1868-1944), die mit ihren Gejaule 

sogar die Carnegie Hall erschütterte, der neuseeländischen Krankenpflegerin Wing 

im Carpenters-, Elvis- und Abba-Delirium, das ihr einen Auftritt in South Park verschaffte, 

oder Lucia Pamela (1904-2002) und ihren Into Outer Space-Songs, für die 

auch schon Stereolab ein Faible entwickelte. Als ‚Joyful Noises’ präsentiert Raschke 

ein gewissermaßen spirituelles Sammelsurium (Anton Szandor LeVey, L. Ron Hubbard 

etc.) und als ‚Nicht von dieser Welt’ ein spiritistisches Völkchen vom EVP-Guru 

Friedrich Jürgenson (1903-1987), der bereits bei C. M. von Hausswolff wieder zu Ehren 

gekommen ist, über Rosemary Brown (1916-2001), der sämtliche Komponisten 

von Rang aus dem Swedenborgraum neue Kompositionen diktierten, bis zu Linda J. 

Polley, die einen entsprechenden Draht zu John Lennon hat. Das bunteste Völkchen 

rangiert ‚Draußen vor der Tür’ – der Urhippie Eden Ahbez (1908-1995), der den Nat 

King Cole-Hit ‚Nature Boy’ schrieb und dessen ‚Music of an Enchanted Isle’ schon von 

David Toop gewürdigt wurde; The Legendary Stardust Cowboy mit seinem enthusiastischen 

Rockabilly; die unvergleichlichen The Shaggs, deren ‚Philosophy of the World’ 

natürlich auch meine Sammlung ziert; die von Gavin Bryars 1970 gegründete Portsmouth 

Sinfonia mit scratch-orchestralen Versionen von Popular Classics. Die schönsten 

Geschichten handeln von dem durch MT-Records hierzulande entdeckten John 

Trubee und der merkwürdigen Entstehung und dem Schicksal seines Song-Poems 

‚Peace & Lova’ aka ‚A Blind Man’s Penis’; von dem schwedischen Operettenkönig und 

Pornografen Johnny Bode (1912-1983), der 1968 mit ‚Bordell Mutters Songs’, gesungen 

von Lillemor Dahlqvist, ein ganzes Genre begründete; von der Space Lady, einer 

in den 70ern & 80ern mit ihrer ‚Amazing Thingz’-Kassette bekannt gewordenen Straßenmusikerin 

in San Francisco; und von The Golden Voyager Record, die, seit 1977 

unterwegs, mit Voyager 1 2004 unser Sonnensystem verlassen hat, um als musikalische 

Flaschenpost Zeugnis zu geben, dass Homo sapiens das Zeug hatte zum Homo 

ludens und Homo extravaganza. Raschkes launiger Ton, etwas zu cool, um tatsächlich 

zu staunen, hüpft hin und her zwischen Nerdiness, leicht herablassender Ironie 

und spöttischem Sarkasmus. Überhaupt können derartige Ablenkungsmanöver kaum 

vergessen machen, dass es Musiken gibt, vor denen man Herzen und Hirne tatsächlich 

besser bewahrt. Komischerweise landen die aber nur selten in den für ‚Outsider’ 

reservierten Kuriositätensammlungen, sondern mit einem Konsens, der verschwörungstheoretische 

Neigungen in mir reizt, auf subventionierten Opernbühnen und in 

den Hitparaden. Daher merke: Zu wahrer Extravaganz gehört das Seltene und Unangemessene 

und ein gewisses Scheitern, dem dann eine Auferstehung und höhere 

Gerechtigkeit widerfahren kann (meist posthum als Sammlerpreis). 

78

Die #72, Juin 2007 von REVUE&CORRIGÉE, 48 S. stark und so 

französisch wie man linksrheinisch nun mal ist, stellt mich wie immer 

vor die Rätsel einer mir fremden Sprache. Was hat Adriano 

Celentano mit Robert Johnson zu tun? Wer ist Bernard Martin? 

Wer Französisch kann, erfährt es, ebenso wie er Interviews lesen 

kann mit dem Elektroakustiker Jean-Claude Risset, Overhang Party 

und ihrem Landsmann, dem Pianisten, Komponisten & Altmeister 

der Avantgarde Yuji Takahashi. In ‚On the Edge 2‘ folgen weitere 

Bestandsaufnahmen zum Tanztheater, wobei Mark Tompkins 

die Fragen in den Raum wirft. Dazu wurden wieder Disques belauscht 

von Acid Mothers Gong bis Windsleeper, wobei R&Cs Mann 

für das Bad Alchemystische, Pierre Durr, wieder besonders große 

Ohren machte. 

Schaffhauser Jazzgespräche Edition 02 (Chronos Verlag) 

bündelt in Form von Vorträgen und Gesprächsrunden den Diskussionsstoff, 

der im Rahmen des Schaffhauser Jazzfestivals das 

Selbstverständnis und den Stand der Dinge der Schweizer Jazzszene 

zum Gegenstand hatte. Intaktmacher Patrik Landolt hat 

2004-06 diese Veranstaltung organisiert, bei der Musiker, Veranstalter, 

Funktionäre, Multiplikatoren und Geldgeber sich die Köpfe 

zerbrachen über Swissness, Schweizer Kulturpolitik, Jazzförderung, 

Lobbying, Gagenelend etc. Der eine Komplex, der dabei umkreist 

wurde, ist der Paradigmenwechsel von Breiten- auf Spitzenförderung. 

Dass z.B. die Pro Helvetia nicht mehr nach Gießkannenprinzip 

verteilt, sondern statt dessen international vermarktbare 

Aushängeschilder von Jazz made in Switzerland beglückt wie 

Koch-Schütz-Studer und Lucas Nigglis Zoom. Dass Musiker sich 

mit 300 F-Gagen abspeisen lassen müssen, weil es einerseits ein 

Überangebot an Jazzschulabgängern und Doppelverdienern gibt 

und andererseits eine Nachfrage, die Events und bekannte Namen 

bevorzugt. Selbst im Zürcher Jazzclub Moods spielen unbekannte 

Schweizer Acts vor 12 Leuten. Omri Ziegele verlangt daher vehement 

Solidarität unter Kollegen, um sich für eine Umverteilung von 

Subventionen stark zu machen (wo Oper und Theater war, soll 

mehr Jazz werden). Das alte Lied. Jahrzehntelange ‚Geschmacks- 

Bildung‘ lässt gerade das zahlungskräftige Publikum, auf das das 

Sponsering etwa der Credit Suisse abzielt, nach biederer Unterhaltung 

in entspannter Atmosphäre oder nach Events verlangen, 

bei denen man dabei gewesen sein muss. Das Selbstverständnis 

von Musik, die mehr sein will als Entertainment, steht dadurch vor 

der Zerreißprobe, ob dieser Mehrwert zu einer Nachfrage passt. 

Dabei stehen Schweizer Jazzer bereits an sich vor der Frage, ob 

es sie überhaupt gibt. Sprechen sie etwas genuin (Afro)-Amerikanisches 

nur als Fremdsprache? Kopieren sie etwas, an dem ein 

Schweizer nicht wirklich ‚mit dem Herzen‘ dabei sein kann? Legt 

diese Exzentrität und ‚Fremdheit‘ nicht nahe, Wurzeln in der 

Schweizer Volksmusik zu schlagen, mit Gejodel und Alphorn an 

Heimatgefühle zu rühren und sich damit als Aushängeschild zu 

profilieren? Oder ist Swissness selbst bloß ein Konstrukt völkischer 

und nationaler Phantasmen des 19. Jhdts.? Aber ist dann 

der Jazz selbst nicht auch nur eine ‚kulturelle Konstruktion‘? Eine 

Transferleistung von Heimatlosen, für die nicht lange Wurzeln, 

sondern schnelle Lern- und Mischprozesse ausschlaggebend 

sind? Jazz ein „Zollgrenzenverspotter und Läufer, der überall ist“ 

(J. Cortázar), ein Zigeuner, der in die Stadt kommt? ‚Suiza non 

existe‘ und ‚Beyond Swiss Tradition‘ springen über solche Fragen 

hinweg ins offene Überall, wie Christoph Merki bemerkenswert 

ausführt, wenn er den Jazz in der Schweiz als Teil einer globalen 

Lingua franca begreiflich macht. Joe Zawinul oder Irene Schweizer 

zeigen exemplarisch, dass individuelle Identitäten wichtiger 

sind, als dass die Ururoma aus Timbuktu kommt. 

79

Der 1951 in Den Haag geborene schrijver, 

zanger, filosoof & neerlandicus 

COR GOUT 

taugte mir in einem Beitrag zu Elend & 

Vergeltung bereits als ein Modell für 

‚Sophistication’. Den Stoff dafür liefert er 

mit dem speziellen Zuschnitt seiner Poesie. 

Er schreibt seine Songs überwiegend 

Englisch, vieles andere (Noirette, 2003, 78- 

45-16-33, de toerentallen van de pop, 

2005) in Niederländisch. Sophisticated daran 

ist nicht allein, wie Gout mit politischen 

Themen, literarischen Anspielungen, persönlichen 

Neigungen jongliert. Zu ‚Sophistication’ 

gehören die Ausstrahlung von 

Geist, eine gewisse Eleganz und Empfindsamkeit 

für Feminines. Bei Gout geht sie 

soweit, sogar schwule Fußballer zu besingen. 

Ebenso unverzichtbar ist aber auch 

der Kurzschluss zwischen High und Pop 

Culture, wenn man so will zwischen Europa 

und Amerika. Die Problemsicht eines 

Alteuropäers, aber in 1000 populären Gestalten. 

Der ganze Horizont seiner Poesie 

ist nun aufgefächert in 

T r e s p a s s e r s W - 

l’intégrale 1984 à 2006: 

22 ans de chansons (RytRut), 

in französischer Übersetzung, für die Gout 

selbst zusammen mit Ladzi Galai gesorgt 

hat. Derart komprimiert, wird überdeutlich, 

mit welchem Stoff Gout seine Trespassers 

W-Songs fütterte – Spanischer Bürgerkrieg, 

Nationalsozialismus, Apartheid, Nicaragua, 

Jugoslawienkrieg -, welche Figuren 

ihn faszinieren – Artemesia Gentileschi, 

Ferdinand Domela Niewenhuis, Van 

Gogh, Mahler, Munch, Beckett, Saint-Exupery, 

Houdini, Carmen Miranda, Rock Hudson, 

Jacques Brel. Geschichte, Personen, 

Orte, Worte und wie sie in einem späteuropäischen 

Kopf herum rumoren. In einem 

‚Melancholy Man’, den nicht nur die 

‚Tränen eines Dodo’ trübsinnig stimmen, 

sondern die Veränderungen, die er an Den 

Haag (Flucht Over Den Haag, 2000) und 

Scheveningen (Scheveningen, op locatie, 

2001) beobachtet. ‚Nostalgie’ ist sein Leitmotiv 

von Dummy (1988) über Aimez-vous 

Trespassers W? (1990) und die Kinder EP 

(1991) bis The Drugs We All Need (2005). 

80

Seine Verehrer in St Mury-Monteymond 

glaubten, Gouts Anspielungsreichtum mit 

Fußnoten verständlich(er) machen zu 

müssen. [1984 ist von Huxley? Slapp Happy 

eine 1978 in Australien gegründete Band? 

Mon Dieu! Der in ‚Domela dans Het Bilt’ angesprochene 

Strauß ist nicht Ervin, sondern 

David Friedrich 1808-74] Mir wird dabei 

bewusst, mit wie vielen deutschen Motiven 

Gout sein Oeuvre gespickt hat. Mit 

Macht Kaputt und Kinder hat er gleich 2 

EPs deutsch getauft, erstere nach Ton 

Steine Scherben, letztere nach Bettina 

Wegner, von der er auch noch ‚Ikarus’ gecovert 

hat (zusammen mit ‚Sehnsucht’ zu 

finden auf Fly Up In The Face Of Life, 

1996). Auch das ‚Einheitsfrontlied’ (Brecht 

/ Eisler) hat sich Gout zu eigen gemacht. 

Auf der Punt-EP gibt es ‚Nussfarben’ und 

sogar ‚Deutsches Städtchen’. Auch tauchen 

deutsche Brocken wie ‚Wäschezettel’ 

und „Zimmer frei“ (wobei sich das spöttisch 

auf die 1944 aus Paris abrückenden 

Wehrmachtstruppen bezog), Biedermeier, 

Sturm & Drang und Weimar bei Gout auf, 

Ludwig Feuerbach, Schopenhauer, Goethe, 

Gropius und die Comedian Harmonists 

explizit, Eichendorff, ETA Hoffmann und 

Storm implizit. Die ‚Reichsstraße 1’ zieht 

sich von Aachen nach Königsberg durch 

The Drugs We All Need (2005). Hitler, Göring 

und der Reichstagsbrand 1933 (für 

den ein Holländer hingerichtet wurde) 

geistern umher, ohne dass das Reich der 

Mäuse- und Erlkönige darauf reduziert 

wird. Wolfgang Staudtes Film Die Mörder 

sind unter uns (1946) wird erwähnt in 

‚Space for Thoughts’ (auf Leaping the 

Chasm, 2000). Doch im Grunde ist jedes 

Gout-Gedicht ein Raum für Gedanken. Die 

vor allem bei ‚Riefenstahl’ (auf 5, 4, 3, 2, 

1… 0, 1993) um Hybris und Blindheit kreisen: 

Ruf nach Authentizität, Ruf nach Vollkommenheit, 

Ruf nach Vernichtung der 

Veränderlichkeit des Zeitraums. Raum… 

dem Zorn… des Schimmelreiters. Denn 

Gout weiß, Nostalgie ist nichts anderes als 

der ‚Ruf nach Vernichtung der Veränderlichkeit 

des Zeitraums’, daher: Go away, 

you’re not the kind of drug i need anyway. 

81

Cor Gout ist ein Word Artist, he fills Space with thoughts. Wie 

Chris Cutler oder Scott Walker reflektiert er Geschichte und Mythen 

in poetischen, oft scheinbar ephemeren, nicht selten witzigen 

Splittern. In ihnen fängt er die Nachwehen von Sturm & Drang 

und Biedermeier ein und das, was uns die Furie des Verschwindens 

raubt. Überspitzt gesagt, ist er ein exzentrischer deutscher 

Dichter, voller Wehmut und Sehnsucht, wie sie im Buche steht, 

aber gegengepolt mit der Sophistication, die hierzulande 1933 

die Koffer packen und Englisch lernen musste. 

Als Vorschlag für eine Rezeption ins Deutsche hab ich einfach 

mal versucht, ‚Save the Dormouse’ (aus 'The Ex-Yu-Single', 1998 / 

'Textuur') zu übersetzen. Gouts Collage aus Alice im Wunderland 

und Hamlet ist exemplarisch für seine Methode, Geschichte und 

Träume, Literatur, Phantasie und die Much-too-muchness der 

Realität anspielungsreich und wortspielerisch zu mischen. 

Save The Dormouse Schützt die Schlafmaus 

There was a table set out under a tree Da unter ‘nem Baum war ein Tisch gedeckt 

In front of a house which recently Vor einem Haus das kürzlich erst 

Had been shattered by a curtain fire Von Kugelhagel erschüttert gewesen 

Caused by militia who couldn't decipher Durch Miliz die den Namen nicht konnte lesen 

The name of the house painted on a sign Von dem Haus, gemalt auf ein Schild 

So they committed this senseless crime Das machte sie wohl so blindwütig wild 

There was a table set out under a tree Da unter ‘nem Baum war ein Tisch gedeckt 

A Hare and a Hatter were having tea at it Ein Märzhas’ und ein Hutmacher nippten dort Tee 

A Dormouse was sitting between them, sleeping Zwischen den beiden saß ‘ne Haselmaus und schlief 

And the other two had their elbows resting on it Und die beiden stützten ihre Ellbogen darauf 

Which to the Dormouse may have been unkind Für die Schlafmaus war das vermutlich ‘ne Qual 

But as it was asleep I think it wouldn't mind Aber da sie schlief war es ihr glaub ich egal 

But then to be or not to be, Doch Sein oder Nichtsein, 

In other words to die, to sleep, to dream, Anders gesagt, Sterben, schlafen, träumen 

that … is the question das … ist die Frage 

It's either taking arms against Entweder sich waffnen gegen 

A sea of troubles or suffering from them Eine See von Plagen oder daran leiden 

In frightening dreams which we would gladly In Schreckensträumen die wir viel lieber 

Farm out to the Dormouse Der Schlafmaus überlassen 

So let it guard our secret fears Sie soll unsre heimlichen Ängste hüten 

It will suppress them in its dreams Sie wird sie verdrängen in ihren Träumen 

And if it wakes up, it will be only Und wacht sie auf, dann nur um 

To sing 'Twinkle, twinkle, twinkle' ‘Funkel, funkel, funkel’ zu singen 

Or to tell you a senseless story Oder mit einem Schmarrn zu kommen 

About sisters drawing everything Von Schwestern die alles zeichnen 

That begins with an M, like 'muchness' Das mit M anfängt, wie ‘Manches Mal’ 

So let's save the glorious Dormouse Lasst uns die prächtige Schlafmaus schützen 

Let's not put it away in a teapot, Wir wollen sie nicht in ne Teekanne stecken 

Because teapots will fly away to Denn Teekannen fliegen davon und 

Leave us behind with our nighmares Lassen uns mit unseren Alpträumen allein 

Let's put our trust in the Dormouse Wir wollen der Schlafmaus vertraun 

Let us place our fate in his dreams Unser Schicksal ihren Träumen überlassen 

Save the Dormouse, let's pay the Dormouse Schützt die Schlafmaus, zahlt an die Schlafmaus 

Our life insurance premiums Unsre Lebensversicherungsprämien 

82

- Miliz und Namensschild evozieren einen Schauplatz in Ex-Jugoslavien - Sein oder 

Nichtsein in konkretester Form 

- Vor dem Hause stand ein gedeckter Teetisch, an welchem der Märzhase und der 

Hutmacher saßen; eine Haselmaus saß zwischen ihnen, fest eingeschlafen, und die 

beiden Andern benutzen es als Kissen, um ihre Ellbogen darauf zu stützen... "Sehr 

unbequem für die Haselmaus" dachte Alice; "nun, da sie schläft, wird sie sich wohl 

nichts daraus machen." 

(Alice im Wunderland Die tolle Teegesellschaft) 

- Apropos Türschild: Neben dem Haus von Winnie-The-Poohs bestem Freund Piglet 

steht ein kaputtes Schild auf dem steht: "Trespassers W". Ferkel sagt, das wäre der 

Name seines Großvaters, und sei die Kurzform zu "Trespassers Will", was wiederum 

die Kurzform von "Trespassers William" sei. Übrigens hat auch A.A. Milne die Haselmaus 

poetisch verewigt: What shall I call My dear little dormouse? His eyes are small, 

But his tail is e-nor-mouse... 

- Sein oder Nichtsein, das ist hier die Frage: / Ob's edler im Gemüt, die Pfeil’ und 

Schleudern / Des wütenden Geschicks erdulden, oder, / Sich waffnend gegen eine 

See von Plagen, / Durch Widerstand sie enden... Sterben – schlafen - Schlafen! Vielleicht 

auch träumen! 

- Twinkle, twinkle, little bat! / How I wonder what you’re at! / Up above the world you 

fly, / Like a tea-tray in the sky. Die Alice-Übersetzungen parodieren ersatzweise ‚O 

Tannenbaum’ mit O Papagei, o Papagei! Wie grün sind deine Federn! oder singen 

Tanze, tanze, Fledermaus. Das Original-Lullabye wurde eingedeutscht als ‚Funkle, 

funkle kleiner Stern, was du bist, das wüßt ich gern.’ Die Verwirrung komplett macht 

unser Hymnendichter Hoffmann v. Fallersleben, der zur gleichen Melodie ‚Morgen 

kommt der Weihnachtsmann‘ getextet hat, wobei auch hier die 1. Strophe nicht mehr 

gesungen wird. Der aus Alicens Wunderland entflogene ‚Flying Teapot‘ landete bekanntlich 

bei Gong. 

- …they drew all manner of things—everything that begins with an M—’…, such as 

mouse-traps, and the moon, and memory, and muchness— you know you say things 

are “much of a muchness“… (dt. ...und sie zeichneten Allerlei -; Alles was mit M anfängt 

-…wie Mausefallen, den Mond, Mangel, und manches Mal -, wobei ‚much of a 

muchness’ so viel wie ‚eins wie‘s andere’ heißt und das eigentlich gemeinte M-Wort 

‚mustard’ ist, Senf, dessen Schärfe bei Shakespeare schon die Augen wässerte und 

dadurch Titania so blind machte wie die Liebe blind macht, der bei Carroll jedoch als 

verdauungsfördernder Traumarbeiter fungiert, als Gegengift gegen den Schlafmohn 

und die Pilzoptik, die Alice gefangen halten. 

83

Einen Moment, sagte der Fuchs zum Hasen 

2002 war schon? Na und? Ich kenne dieses aus der Bahn geradene 

Einmannorchester erst seit Kurzem. Und bin nach einem verwirrten 

Telefonat mit dem Künstler im unterfränkischen Euerhausen 

doppelt verwirrt. Statt wirrer und sonderbarer Töne eines Dilettanten 

auf der Suche nach Genialität sind UDO MADER mit seinen 

Fuchsbaumelodien (2002, Selbstverlag) im Mehrspurverfahren 

Songs & Instrumentals gelungen mit soviel Lo-Fi-Charme und 

musikalischem Einfallsreichtum, dass sich Ironie und falsche 

Rücksicht erübrigen. Mader ist kein völlig unbeschriebenes Hinterwaldblatt. 

Der Dylan- und Dunaj-Fan mit Neigungen, seinen inneren 

Zengarten zu rechen, gleichzeitig aber die Verhältnisse, die 

nicht so sind, mit Kaurismäkiblick zu registrieren, hat in der Berliner 

Volksbühne und im Club der Polnischen Verlierer gespielt, Musik 

für internationale Modeschauen geschrieben und an der Musik 

für die ARD/BR-Doku Unter Deutschen Dächern (2000) mitgewirkt. 

Er ist Multiinstrumentalist mit einem Faible für Sperrmüllfunde 

oder Sammlerstücke, speziell für eine Naturfellrahmentrommel, 

ein kaputtes Hohner E-Piano und ein Knopfakkordeon mit klemmenden 

Knöpfen, die er neben Melodica, klassischer Gitarre, Kontrabass 

und Percussion verwendet. Für seine Bosselei bezeichnend 

ist z. B., dass er die Drumparts separat spielt und overdubt. 

So entstanden mit viel Liebe zum Detail eine Reihe von Stücken, zu 

straight für Antivolk, zu schräg für irgendwas Gängiges. Die 

Fuchsbaumelodien sind versponnen-fantasyhaft bei ‚Ice Palace‘, 

wüstenhaft-verdaddelt bei ‚Desert Desperado‘, mit schmachtendem 

Akkordeon bei ‚Na also, es geht doch!‘, schnurrendem bei 

‚The Big Move‘, marschgetrommeltem bei ‚Karfreitag‘, gleichzeitig 

unamerikanisch und undeutsch, so dass sich schwer sagen lässt, 

wo dieser Fuchs sein Revier hat. Wäre ‚1-2-3 und nocheinmal‘ 

nicht die perfekte Folklore für Heckenwirtschaftsgemütlichkeit? 

‚Fuchs‘ selbst und ‚Einen Moment‘ sind asiatisch getüpfelt, mit 

Gong und plonkiger Minimalpercussion, nur dass dazwischen 

‚Freiheit auf unserem Schiff‘ gegröhlt wird. Scherz? Ironie? Höherer 

Blödsinn? Was wäre dann das jazzige Schubidu von ‚Schoki 

Boki‘? Namen wie Karl Valentin oder Wolfgang Neuss nennt Mader 

mit mehr als nur Respekt. Seit Melchior (Aufmarsch der Schlampen) 

von H.N.A.S. war Germany selten so seltsam. ‚Lonesome Space‘ 

pfeift sich eins in seiner Einsamkeit und auch der Vogel beim 

‚Konzert für einen ...‘ ist Mader selbst, der ‚Trickster‘ all dieser 

ausgefuchsten Melodien, der den Kragen hoch schlägt und pfeifend 

von dannen schlendert, während ENDE über die Leinwand 

flimmert. 

Seit 2003 feilt Mader an seinem Live-Programm „Ausser der Bahn 

is alles ausser der Bahn“ mit markanten Details wie einer Werksglocke 

beim Shanty ‚Freiheit auf unserem Schiff‘, das er mit Achim 

Reichel-Gusto vorgeträgt, oder Jagdhorn und Treibertrommel 

beim kindergeburtstagssimplen ‚Lied der Elefanten‘. ‚Lied für meine 

Schwestern und Brüdern‘ nutzt wieder die gespitzten Lippen 

als Melodieinstrument wie auch das zu einem Mader-Standard gewordene 

‚Konzert für einen Vogel‘, ein Prachtstück von Musica 

Nova im New Simplicity-Stil. ‚Karen‘ wiederum, mit dunklem Timbre 

direkt von Herz zu Herz gesungen, kann mit jedem Singer / Songwriter-Lovesong 

konkurrieren. Obwohl vertraut mit Aera-, Missus 

Beastly-, Embryo-Urgestein wie Freddy Setz, Jürgen Benz und Locko 

Richter, stellen sich keinerlei Kraut-Düfte ein. Mader ist auf 

seine eigene Weise eigen. Kein Wunder, dass er auf Kriegsfuß 

steht mit den normierten Freiheiten des Supermarktes, der sogar 

Individualität schon abgepackt zur Auswahl stellt. 

84

K O N T A K T A D R E S S E N 

12k/LINE - 63 Old Stone Hill Rd, Pound Ridge, NY 10576, U.S.A.; www.12k.com 

23five - www.23five.org 

7272 Music - 182 Mt. Tom Road, Northamton, MA 01060-4270, U.S.A.; www.7272music.com 

1000füssler c/o Gregory Büttner, Talstr.16, 20359 Hamburg, Germany; www.1000fussler.com 

Absinth Records - www.absinthrecords.com 

All About Jazz - www.allaboutjazz.com 

Alluvial Recordings - www.alluvialrecordings.com 

AltrOck - www.myspace.com/altrockproductions 

Ambiances Magnétiques - www.actuellecd.com 

A-Musik ( + Laden + Mailorder) - Kleiner Griechenmarkt 28-30, 50676 Köln, Germany; www.a-musik.com 

Antiinformation - www.0000-anti.info 

Aposiopèse Rec. - www.aposiopese.org 

Auf Abwegen - P.O. Box 100152, 50441 Köln; www.aufabwegen.com 

Avantgarde History / Rock History / Encyclopedia of New Music - www.scaruffi.com 

Ayler Records – www.ayler.com 

Bagatellen (Online-Magazin) - www.bagatellen.com 

Benbecula Records - www.benbecula.com 

Beta-Iactam Ring Records - www.blrrecords.com 

Bip_Hop - www.bip-hop.com 

CIMP/Cadence - www.cimprecords.com / www.cadencejazzrecords / www.cadencebuilding.com 

Collection cq - www.actuellecd.com 

Confront - www.confront.info 

Creative Sources Recordings - www.creativesourcesrec.com 

Cut - http://cut.fm 

D‘Autres cordes - Voie Romaine, 48100 La Monastier, France; www.myspace.com/dautrescordes 

Discographien - www.discogs.com 

Distile Records - www.distilerecords.com/ 

Drone Records (+ Mailorder) c/o S.Knappe, Celler Str. 33, 28205 Bremen, Germany; www.dronerecords.de 

Editions Mego - www.editionsmego.com 

Empreintes Digitales - www.empreintesdigitales.com 

Euphonium - www.euphoniumrecords.com 

European Free Improvisation - http://www.shef.ac.uk/misc/rec/ps/efi/ 

Extreme - PO Box 147, Preston VIC 3072, Australia; www.xtr.com 

Experimental Music Chronicled Hertz-Lion YIELD - www.hertz-lion.com 

Farai-Records - Stargarderstr.38, 10437 Berlin; www.farai-records.com 

Firework Edition Records - Sigfridswägen 6, 126 50 Hägersten, Sweden; www.fireworkeditionrecords.com 

For 4 Ears - Paradiesweg 10c, CH-4419 Itingen; www.for4ears.com 

Foxy Digitalis (Online-Magazin) - www.digitalisindustries.com/foxyd/index.php 

Geometrik Records - www.geometrikrecords.com 

Hausmusik - Waltherstr.1, 80337 München, Germany; www.hausmusik.com 

High Mayhem - www.highmayhem.org 

Honest Jons Records - www.honestjons.com 

Hux Records - www.huxrecords.com 

Intakt Records - Postfach 468, 8024 Zürich, Schweiz; www.intaktrec.ch 

Jazzland - www.jazzlandrec.com 

Korm Plastics - www.kormplastics.nl 

Last Visible Dog Records - PO Box 2631, Providence, RI 02906, U.S.A.; www.lastvisibledog.com 

The Leaf Label - www.theleaflabel.com 

Leo Records - 16 Woodland Avenue, Kingskerswell, Newton Abbot TQ12 5BB, UK; www.leorecords.com 

Lumberton Trading Company - www.lumbertontrading.com 

Marsh -Marigold Records - www.marsh-marigold.de 

Noble Records - www.noble-label.net 

No Man's Land (+ Mailorder) - Straßmannstr. 33, 10249 Berlin, Germany; www.nomansland-records.de 

NurNichtNur - Gnadenthal 8, 47533 Kleve, Germany; www.nurnichtnur.com 

Open Door (Mailorder) - Lauterbadstr. 12, 72250 Freudenstadt, Germany; www.open-door.de 

Ouie/Dire Production - 11 Rue St Louis, F-24000 Périgueux; http://ouiedire.com 

Own Records – PO Box 135, 4002 Esch/Alzette, Luxembourg; www.ownrecords.com 

Paris Transatlantic (Online-Magazin) - www.paristransatlantic.com/magazine 

pfMentum - www.pfmentum.com 

Pingipung c/o Dittberner, Bertha-von-Suttner-Str.10, 21335 Lüneburg; wwwpingipung.de 

PNL Records - www.paalnilssen-love.com 

Psi Records - www.emanemdisc.com/psi.html 

Quatermass - www.myspace.com/quatermassrecords 

Ragazzi Website für erregende Musik (Online-Reviews) - www.ragazzi-music.de 

RecRec (Laden + Mailorder) - Rotwandstr.64, 8004 Zürich, Schweiz; www.recrec.ch / www.recrec-shop.ch 

RéR Megacorp (+ Mailorder) - 79 Beulah Road, Thornton Heath, Surrey CR7 8JG; www.rermegacorp.com 

85

"revue & corrigée - 17, rue Buffon, 38000 Grenoble, Frankreich; revue-corrigee@caramail.com 

RytRut – http://rytrut.free.fr 

Der Schöne-Hjuler-Memorial-Fond - www.asylum-lunaticum.de 

Seven Things - www.seventhings.com 

Sijis Records - 2A Ropery Street, Mile End, London E3 4QF, UK; www.sijis.com 

Smalltown Superjazz - www.smalltownsupersound.com 

Soleilmoon Recordings- www.soleilmoon.com 

Sonic Arts Network - www.sonicartsnetwork.org 

Terrascope Online - www.terrascope.co.uk 

Third Ear Recordings - www.third-ear.net 

Tinstar Creative Pool - www.tinstarcreativepool.com 

Tocado-Records - www.tocado.com; www.myspace.com-tocadorecords 

Tosom Records - www.tosom.de 

Touch - www.touchmusic.org.uk 

Transacoustic Research - www.transacoustic-research.com 

Type Records - www.typerecords.com 

Tzadik - www.tzadik.com 

Unhip Records - www.unhiprecords.com 

Ventil Verlag - www.ventil-verlag.de 

VIA - www.vialka.com 

Victo - www.victo.qc.ca 

Vital Weekly (Online-Reviews) - www.vitalweekly.net 

club W71 - www.clubw71.de; http://de.wikipedia.org/wiki/Club_W71 

HERAUSGEBER UND REDAKTION: 

Rigo Dittmann [rbd] (VISDP) 

REDAKTIONS- UND VERTRIEBSANSCHRIFT: 

R. Dittmann, Franz-Ludwig-Str. 11, D-97072 Würzburg 

E-mail: bad.alchemy@gmx.de • www.badalchemy.de 

BAD ALCHEMY # 55 (p) Juli 2007 

MITARBEITER DIESER AUSGABE: 

Guido Zimmermann, Michael Zinsmaier 

Fotos:: Schorle Scholkemper 3, 5, 6, Gerard Anderson 22, Caroline Forbes 36, 

Anna van Kooji 43, Claudio Casanova 47, GZ 56 

Illustrationen: Jeffrey Cathrine Jones 73, John Tenniel 1, 81, Ror Wolf 88 

Alle nicht näher gekennzeichneten Texte sind von rbd, alle nicht anders bezeichneten Tonträger sind 

CDs, was nicht ausschließt, dass es sie auch auf Vinyl gibt 

BAD ALCHEMY erscheint ca. 3 mal jährlich und ist ein Produkt von rbd 

Zu BA 55 erhalten Abonnenten die Fuchsbaumelodien von UDO MADER 

Für BA 56 geplant ist eine Rmx-CD-R des Memminger Labels TOSOM 

Als back-issues noch lieferbar -Magazin mit 7" EP: BA 32, 33, 35 bis 42 

nur Magazin: BA 43, 45, 46, 52 - 54 

Einige Leseproben findet man unter http://stefanhetzel.de/esszumus.html, 

die vergriffenen Nummern BA 44, 47, 48, 49, 50 als pdf-download auf www.badalchemy.de 

......................................................................................................................................................................... 

Preise inklusive Porto 

Inland: BA Mag. only = 3,85 EUR Back-issues w/CD-r = 7,45 EUR Abo: 4 x BA w/CD-r = 27,80 EUR* 

Europe: BA Mag only = 5,- EUR Back-issues w/CD-r = 10,50 EUR Abo: 4 x BA w/CD-r = 40,- EUR ** 

overseas: BA Mag only = 5,- EUR Back-issues w/CD-r = 12,- EUR Abo: 4 x BA w/CD-r = 46,- EUR*** 

[* incl. 5,80 EUR / ** incl. 18,- EUR / *** incl. 24,- EUR postage] 

Payable in cash or i.m.o. oder Überweisung auf nachstehendes Konto: 

R. Dittmann, Sparkasse Mainfranken, Konto-Nr. 2220812, BLZ 790 500 00 

IBAN: DE08 7905 0000 0002 2208 12 SWIFT-BIC: BYLADEM1SWU 

86

I N H A L T: 

3 PAAL NILSSEN-LOVE 

5 THE THING vs ZU: LIVE IM W71 

7 JOHN ZORNS POSSESSIONS 

10 BELGIAN SOUNDSCAPES: HALF ASLEEP - IGNATZ (Michael Zinsmaier) 

49 DAS POP-ANALPHABETH: BEINS - RLW 

56 DER PROVOKATEUR UND DIE DAME: KOMMISSAR HJULER UND FRAU 

75 SOUND AND VISION 

77 LEST, IHR RATTEN: DISCO EXTRAVAGANZA - SURF-BEAT ABC 

80 COR GOUT: SAVE THE DORMOUSE 

84 UDO MADER: FUCHSBAUMELODIEN 

ALTrOCK 15 - CIMP/CADENCE 16 - CREATIVE SOURCES 19 - CUT 20 - EMPREINTES 

DIGITALES 21 - EXTREME 22 - FARAI 23 - FIREWORK EDITION 24 - HIGH MAYHEM 25 

INTAKT 26 - LAST VISIBLE DOG 27 - LEO 30 - pfMENTUM 34 - PSI 35 - RUNEGRAMMO- 

FON 38 - 7HINGS 40 - TOCADO 42 - TOSOM 44 - TOUCH 45 - VICTO 46 

ALLEN, MARSHALL 18 - ALOG 38 - AREA C 28 - ASHEIM, NILS HENRIK 45 - ATOMIC 3 - BALANESCU, 

ALEXANDER 33 - BARK! 36 - BEINS, BURKHARD 49 - BERTHIAUME, ANTOINE 49 - BESSER, JO- 

NATHAN 34 - BISIO, MICHAEL 17 - BORBETOMAGUS 48 - BRAXTON, ANTHONY 32 - THE BRILLIANT 

DULLARDS 25 - BROWN, CHRIS 19, 26 - BRZYTWA, MARYCLARE 49 - BÜTTNER, GREGORY 73, 76 - 

CAN_OF_BE 42 - CARROLL, ROY 30 - CASSERLEY, LAWRENCE 35 - CATLIN, TIM 49 - CHISHOLM, HAY- 

DEN 64 - CLINE, NELS 46 - COPELAND, DARREN 21 - DAS SYNTHETISCHE MISCHGEWEBE 50 - DEL- 

BECQ, BENOIT 35 - DESORGHER, SIMON 35 - DOMNITCH, EVELINA 75 - DÖRNER, AXEL 50 - DOW- 

LING, PETER 40 - EASTLEY, MAX 66 - EGLE SOMMACAL 51 - DIETER EICHMANN ENSEMBLE 31 - ELEC- 

TRIC MASADA 7 - ELGGREN, LEIF 24 - ELLIS, BRIAN 51 - ENDERS, ERIKA 75 - ERGO PHIZMIZ 61 - 

EYES LIKE SAUCERS 29 - FAGO SEPIA 51 - FENNESZ 45 - FERRARI, LUC 41 - FILIANO, KEN 16 - 

fORCH 37 - FORMICATION 52 - FRITH, FRED 26 - SATOKO FUJII MIN-YOH ENSEMBLE 47 - FULLMAN, 

ELLEN 20 - FUNCTION 52 - GAUCI, STEPHEN 17 - GELFAND, DMITRY 75 - GENARO 53 - GIES, JOA- 

CHIM 30, 31 - GRASSI, LOU 18 - GRATKOWSKI, FRANK 31 - GRID MESH 23 - GRIENER, ULRICH 26, 31, 

68 - GROSSE ABFAHRT 19 - GUILLAMINO 53 - GUMPERT, ULRICH 26 - GUY, BARRY 37 - HALF ASLEEP 

11 - HANEY, DAVID 16 - HANNAFORD, MARC 22 - HARRY MERRY 42 - HATANO, ATSUKO 75 - HAUSS- 

WOLFF, CM v. 24 - HIJOKAIDAN 48 - HOLMES, A.J. 54 - HOULE, FRANÇOIS 35 - HUHTA, JEAN-LOUIS 

53 - THE IDLE SUITE 27 - IGNATZ 13 - IRVINE, ZOE 40 - KATAMINE 54 - KELSEY, CHRIS 17 - KEUNE, 

STEFAN 19 - KOMMISSAR HJULER 57 - KRÄMER, ACHIM 19 - KTL 55 - KYRIAKIDES, YANNIS 40 - LANE, 

ADAM 18 - THE LATE SEVERA WIRES 25 - LES KLEBS 55 - LEWIS, GEORGE 37 - STEUART LIEBIG MI- 

NIM 34 - LILJENBERG, THOMAS 24 - LOPEZ, RAMON 33 - LUSHUS 43 - LYTTON, PAUL 37 - MACHINE- 

FABRIEK 58 - MANDERSCHEID, DIETER 31 - MARHAUG, LASSE 4, 45 - MARTIN, AARON 58 - MARUCCI, 

MAT - 16 - MATTIN 41 - MEEHAN, SEAN 20 - MERKEL, CLEMENS 58 - MIKHAIL 59 - MOHA! 39 - MOOR, 

ANDY 40 - MOORE, ADRIAN 21 - MORGENSTERN, JÜRGEN 59 - MURCOF 60 - NABAKAN 75 - NABA- 

TOV, SIMON 31 - NAD SPIRO 60 - NAMCHYLAK, SAINKHO 30 - NEWTON, LAUREN 30, 31 - NMPERING 

40 - SEAN NOONAN BREWED BY NOON 61 - OPSVIK & JENNINGS 38 - ORIGINAL SILENCE 4 - PALES- 

TINE, CHARLEMAGNE 40 - PARKER, EVAN 35, 36, 37 - PARKINS, ANDREA 46, 47 - PASK, ANDREW 34 - 

PEOPLE LIKE US 61 - PETROVA, EVELYN 33 - PHONO 62 - PINX 23 - PJUSK 62 - PRIESTER, JULIAN 

16 - PURE SOUND 63 - PUSH THE TRIANGLE 63 - RAINEY, TOM 46 - RATIONAL DIET 15 - 

REVUE&CORRIGÉE 79 - RIBOT, MARC 7, 61 - RICHTER, MAX 41 - RLW 72 - ROBERTSON, HERB 31 - 

RST 28 - SAKAMOTO, RYUICHI 45 - SAUNDERS, JAMES 64 - SCHMICKLER, MARCUS 64 - SCHNEIDER, 

HANS 19 - SIGNAL QUINTET 20 - SIGNAL TO NOISE 65 - SIX TWILIGHTS 65 - SOFT MOUNTAIN 66 - 

SPACEHEADS 66 - THE STILETTOS 43 - STÖMA 43 - THE STUMPS 28 - SUICIDAL BIRDS 43 - SVENS- 

SON, PER 24 - SWIMS 67 - TARAB 67 - THE TERMINALS 29 - THIEKE, MICHAEL 68 - THE THING 5 - 

THIS YEARS‘S MODEL 68 - TROYER, ULRICH 69 - ULTRALYD 39 - UNDERGROUND JAZZ TRIO 33 - V/A 

CAMERA LUCIDA 75 - V/A CROWS OF THE WORLD VOL.1 27 - V/A DAS DIETER ROTH ORCHESTER 

SPIELT KLEINE WOLKEN, TYPISCHE SCHEISSE UND NIE GEHÖRTE MUSIK 73 - V/A DESERT SPACE 

44 - V/A FREE ZONE APPLEBY 2006 36 - V/A FREIBAND RMX 71 - V/A HEIZUNG RAUM 318 73 - V/A LEO 

RECORDS 25TH ANNIVERSARY LOFT, KÖLN 31 - V/A OTHERNESS 74 - V/A SCHAFFHAUSER JAZZGE- 

SPRÄCHE 79 - V/A STAINLESS 42 - VIALKA 70 - VINCS, ROBERT 22 - VINTAGE 909 41 - VÖLKER, UTE 

75 - WAARD, FRANS DE 71 - WEBB, DOUG 16 - WEBER, CHRISTIAN 20, 65, 68 - WESTON, MATT 69 - 

WHITE, SIMONE 69 - YUGEN 15 - Z‘EV 71, 74 - ZORN, JOHN 7 ff - ZU 5

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