Los 50 mejores raperos de todos los tiempos

Los sueños de “Hustlin'” de Rozay se convirtieron en oro cuando sacudió las jaulas del rap mainstream con su himno de verano de 2006 y juró lealtad a Def Jam y su expresidente Jay-Z. Ross demandó atención a través de sus improvisaciones profundas, bruscas y gruñonas, coloridos cuentos callejeros y miradas internas al lujoso estilo de vida de Miami, además de su increíble oído para la producción, más apetecible que una orden de Wingstop con limón y pimienta. Su catálogo reina, especialmente a fines de la década de 2000 y 2010, ya que repartió joyas como Trilla, Deeper Than Rap y God Forgives, I Don’t. Ross ha logrado 58 entradas en el Billboard Hot 100 durante tres décadas, pero su legado no termina ahí: su Maybach Music Group sentó las bases para que Meek Mill y Wale despegaran y se convirtieran en titanes en la década de 2010.

“Yo conduzco un Caddy, tú arreglas un Ford”, alardeó Joseph Simmons en el éxito “Rock Box” de Run-DMC de 1984. Mientras que DMC era la voz majestuosa y el difunto DJ Jam Master Jay el corazón del trío de rap de los años 80, Run era la estrella indiscutible. Llevó a Run-DMC a alturas históricas, ya que se convirtió en el primer grupo de hip hop en llevar el minimalismo de B-Boy a las masas (“Sucker MC’s”), alcanzar el oro (King of Rock de 1984), aparecer en MTV, lograr el estatus de multiplatino (con el hito de 1986 Raising Hell, que incluyó la innovadora colaboración de Aerosmith “Walk This Way”), encabezar giras por estadios y firmar un importante acuerdo de patrocinio (Adidas). Después de encontrar a Dios, el reverendo Run se reinventó a sí mismo como una estrella de telerrealidad en la serie Run’s House de MTV de 2005.

Antes de la revolucionaria carrera de Melle Mel con Grandmaster Flash & The Furious Five, el rap todavía estaba limitado a sus orígenes de park jam. Luego vino “The Message” (1982), la sísmica grabación GOAT del hip hop, elevada por el rapero nacido Melvin Glover y su vívido retrato del gueto. Un año después, el primer Dios MC aclamado universalmente desmitificó el encanto de la Gran Manzana (“New York, New York”) y destiló la crisis de la epidemia de cocaína (“White Lines [Don’t Don’t Do It]”) antes de irrumpir en la radio pop en 1984 en el éxito de Chaka Khan ganador del Grammy “I Feel for You”, que llegó al No. 3 del Hot 100 y marcó un momento decisivo para el cruce entre los mundos del hip hop y el R&B.

En 1987, MC Lyte se abrió rápidamente paso en el club de chicos del hip hop con una voz nasal y letras dinámicas que la hacían sonar de mucho más que sus 16 años. La canción debut de la adolescente de Brooklyn fue “I Cram to Understand U (Sam)”, que hablaba sobre los peligros de enamorarse de un adicto al crack. Incluso el título del primer álbum original de la reina del rap de 1988, Lyte as a Rock, era metafóricamente pesado. Desde rimas de batalla (“Shut the Eff Up-Hoe”) hasta narraciones conmovedoras (“Poor Georgie”), Lyte rugió en los años 90 acumulando tres sencillos de oro, más notablemente “Cold Rock a Party” (1996), producido por Puffy Combs y junto a la entonces prometedora Missy Elliott.

La risa característica de Jadakiss y el chillido “ah-ha” han señalado durante décadas que una clase lírica magistral estaba en camino. El líder de LOX fomentó su éxito en el hip hop con una colaboración con The Notorious B.I.G., y siguió su camino hacia la prominencia con sus Timberlands y sus raps duros. Su intensidad lírica y agresividad intrépida están probadas en batalla, ya que se enfrentó con gente como 50 Cent y Beanie Sigel en la década de 2000 antes de desmantelar a Dipset sin ayuda en una batalla de Verzuz en 2021. Jada cumple casi todos los requisitos como miembro del Salón de la Fama del Hip Hop, aunque un álbum solista clásico habría podido colocar a la leyenda de Yonkers entre los primeros 20 lugares de esta lista.

El desgarrador “6 N the Mornin’” (1986) de Ice-T puso para siempre a la costa oeste estadounidense en el mapa del hip hop. Para la mayoría moral, el padrino del gangsta rap — que allanó el camino para los MC de la costa oeste, desde N.W.A y Snoop Dogg hasta The Game y el difunto Nipsey Hussle — era una etiqueta ambulante de advertencia para los padres. Sin embargo, al igual que “Colors”, el magistral relato en primera persona de Ice de 1988 sobre la violencia de las pandillas Crips y Bloods que se apoderó de Los Ángeles, manifiestos callejeros como Rhyme Pays (1987), Power (1988) y Iceberg /Freedom of Speech… Just Watch What You Say! (1989) fueron elocuentes testimonios de barrio. Cuando el incendiario “Cop Killer” (1992) de su banda de metal Body Count estuvo a punto de descarrilar su carrera, Ice también ayudó a abrir un nuevo camino para el hip hop: la actuación (New Jack City, Law & Order: SVU).

“Who you calling a b–ch?!”  (“¿¡A quién llamas perra!?”). Con esas palabras icónicas de la poderosa declaración contra la violencia doméstica de 1993 “U.N.I.T.Y.”, ​​Queen Latifah atravesó todo el ruido misógino. No era nada nuevo para la propia Dana Owens de Nueva Jersey: su álbum debut esencial de 1989 All Hail the Queen no solo incluyó el clásico himno feminista negro “Ladies First” con Monie Love, sino que comenzó la fiesta (“Come Into My House”) y sacó a los MC locos (“Wrath of My Madness”). El salto posterior de Latifah a Hollywood resultó igual de impresionante, ganando elogios por su trabajo televisivo (Living Single) y una nominación al Oscar (el musical de 2002 Chicago), y convirtiéndose en una de las primeras MCs con el poder estelar para demostrar cuán profundo puede calar un rapero en la cultura pop estadounidense, incluso fuera del mundo del hip hop.

Como el legendario dúo de rap UGK, Bun B y el difunto Pimp C mantuvieron el foco en Texas mientras tomaban el relevo de la tríada Geto Boys liderada por Scarface. Sin embargo, el flow vibrante de Bernard James Freeman, nacido en Port Arthur, terminó siendo mucho más influyente que sus aspiraciones iniciales de tener una carrera clandestina. Una llamada aleatoria de Jay-Z en 1999 terminó rompiendo las barreras de exposición regional cuando el jactancioso “Big Pimpin'” de Jay le valió a UGK su primer éxito en el top 40 del Hot 100. Después de que Bun demostró sus habilidades como solista con Pimp C tras las rejas, UGK se reunió para crear su obra magna del Billboard 200, Underground Kingz, lanzada solo unos meses antes de la muerte de Pimp C a los 33 años en 2007. El set fue impulsado por el majestuoso “Int’l Players Anthem” con OutKast. Hoy un veterano estadista del rap, Bun mantiene un ojo atento al talento de la próxima generación, ofreciendo colaboraciones clave a estrellas contemporáneas como Drake y Kodak Black.

Las rimas fuertes pero divertidas de Redman y su personalidad contagiosa lo convierten en uno de los MCs más queridos del hip hop. De hecho, Reggie Noble encabezó la lista de Eminem de los mejores MCs dentro de la perenne “Till I Collapse” de este último. Con Erick Sermon de EPMD como mentor, Redman (también conocido como Funk Doc) superó las expectativas en 1992 cuando su proyecto debut de estudio Whut? Thee Album se convirtió instantáneamente en un clásico del hip hop con su uso temprano de samples de funk y chistes graciosos. La popularidad de Redman se disparó cuando unió fuerzas con Method Man a finales de los 90 y lanzaron el primero de sus dos álbumes juntos: Blackout!, que debutó en el No. 3 del Billboard 200. Los fans parecían obsesionados con el libertinaje del dúo despreocupado y fumador de marihuana, que protagonizó el largometraje clásico de culto de 2001 How High, titulado en honor a uno de sus éxitos perdurables de los años 90.

El área de la Bahía de San Francisco siempre ha sido un lugar de nacimiento clave para el talento único del hip hop, desde MC Hammer y Tupac Shakur hasta Too $hort. Pero pocos raperos, si es que hay alguno, han representado la región por más tiempo o intensidad que E-40. Con uno de los catálogos más profundos en la historia del hip hop, que incluye 18 top 10 en la lista Top Rap Albums de Billboard, Forty Water personifica la lucha por forjar una exitosa carrera independiente. Sus rimas extravagantes lo ayudaron a convertirse en uno de los primeros raperos de la costa oeste en firmar un contrato importante cuando firmó con Jive Records a principios de los 90. Y no ha pasado más de cuatro años sin lanzar un álbum desde 1993. Las contribuciones de E-40, incluido su éxito top 10 de 2006 y el himno del movimiento Hyphy “Tell Me When to Go”, ayudaron a llevar el hip hop del área de la bahía al mainstream.

Dr. Dre sería el primero en decir que no es un MC tradicional. Durante su carrera de más de 30 años, el exitoso productor internacional, a menudo citado como el GOAT del hip hop, cuenta con un tesoro de letristas que han escrito para él, desde Ice Cube, the D.O.C. y Snoop Dogg, hasta Eminem, Jay-Z y Kendrick Lamar. Sin embargo, el legado de Andre Young como rapero principal en tres álbumes que definieron una era — Straight Outta Compton de 1988 con N.W.A. y sus discos de estudio en solitario The Chronic y 2001 — no se pueden negar. En Chronic, su obra de gangsta rap de 1992 certificada triple platino, Dre también exhibe una entrega natural en el micrófono, con una voz dominante que es una de las más reconocibles del género. Y escucharlo dominar el flow de doble tiempo en “Forgot About Dre” con Slim Shady de 1999, de la obra maestra seis veces certificada platino 2001, sigue siendo un shock para el sistema.

Ludacris se convirtió en la primera superestrella crossover de Atlanta de la década del 2000, dominando las ondas radiales y la escena de los clubes con un arsenal de himnos de Dirty South a su disposición, junto con su acento carismático único. Sus ingeniosas rimas y referencias a la cultura pop se sintieron tan gigantescas como los famosos brazos enormes que lució en el video de “Get Back” de 2004. Con cinco No. 1 en el Billboard Hot 100 y otros cuatro en la lista de álbumes Billboard 200 no son motivo de risa, Ludacris puede hacer frente a casi cualquiera de sus contemporáneos del rap. La aclamación de la industria del cofundador del sello discográfico Disturbing Tha Peace finalmente alcanzó su cumbre cuando obtuvo los premios Grammy al mejor álbum de rap y mejor canción de rap en 2007, gracias al introspectivo Release Therapy y su exitoso sencillo con Pharrell “Money Maker”.

Gucci Mane pasó de traficante de drogas adolescente a deidad del rap de Atlanta en la década del 2000, con raps sedados y una historia de Hollywood que Spike Lee no pudo haber escrito. Guwop surgió inicialmente junto con su otrora adversario Jeezy con su colaboración de 2005 “So Icy”, antes de que su relación se fuera a pique. Después de cumplir una sentencia de prisión de dos años en 2016 por posesión de armas de fuego como delincuente convicto, un Guwop rejuvenecido posteriormente entró al mainstream como si fuera un nuevo artista. La mentalidad de adicto al trabajo del pionero del trap lo llevó a inundar las calles con más de 70 mixtapes, y su sed de grandeza no ha disminuido ahora que está en sus 40. Su sólida producción arrojó un récord de 20 entradas en el top 10 de la lista Top Rap Albums en 2019, quitándole el título a Tech N9ne. Antes de eso, en 2016, Mane obtuvo su primer No. 1 en el Hot 100 como invitado en “Black Beatles” de Rae Sremmurd.

Lonnie Rashid Lynn aparentemente llevaba sobre sus espaldas las esperanzas, los sueños y las aspiraciones de toda la comunidad rapera de Chicago en Can I Borrow a Dollar? de 1992. Tomó un tiempo, pero Common (entonces Common Sense) finalmente obtuvo elogios a nivel nacional tras lanzar uno de los tres álbumes más celebrados en la historia del rap: Resurrection de 1994, One Day It’ll All Make Sense de 1997 y Like Water for Chocolate del 2000. Pocos letristas poseen la destreza para lograr la alegoría brillante sobre la historia del hip hop de “I Used to Love H.E.R.” y al mismo tiempo derribar a un temible Ice Cube en “The B-ch In Yoo”, y luego convertirse en creador de éxitos nominado al Grammy con “The Light”. Y en 2017, Common se convirtió en el primer rapero en estar a 3/4 de camino de un EGOT (como se conoce a los ganadores de los premios Emmy, Grammy, Oscar y Tony) al recibir un Emmy (“Letter to the Free”, de 13th), un Grammy (“Love of My Life” con Erykah Badu) y un Oscar (“Glory” con John Legend, de Selma).

Bajo su antiguo apodo de Mos Def, el nativo de Brooklyn Bey irrumpió en la escena underground en la influyente compilación de 1997 de Rawkus Records, Soundbombing, con una presencia carismática que recordaba los primeros días de rockero de Busy Bee Starski en los 80. Sin embargo, en el hito colaborativo de 1998 Mos Def & Talib Kweli Are Black Star, Bey demostró ser mucho más: una revelación amplificada aún más en su debut en solitario de 1999 Black on Both Sides, que se certificó oro. Podía maniobrar sin esfuerzo desde una narración subida de tono (“Ms. Fat Booty”) hasta la lucha interior espiritual por la liberación negra (“UMI Says”). Tras su regreso al formato en The Ecstatic de 2009, el revitalizado MC convertido en actor (Brown Sugar, Dexter) cambió su nombre a Bey en 2011.

Adoptando su apodo como el “rey tóxico” del rap, Future y sus flows almibarados fueron una fuerza impulsora para que Atlanta reclamara el trono del hip hop en la década de 2010. El épico mixtape de Pluto de tres partes, Monster, Beast Mode y 56 Nights, seguido por el aclamado DS2 y su proyecto con Drake What a Time to Be Alive — todo esto en el 2015 — podría considerarse el mejor uso que el rap haya visto de 365 días. Y esa fue solo la punta del iceberg: después de lanzar I Never Liked You de 2022, con el sencillo No. 1 actualmente nominado al Grammy “Wait for U” con Drake y Tems, ahora cuenta con ocho álbumes No. 1 y 10 top 10 en el Hot 100. Después de una década de prolífica carrera, Future Hendrix tiene más relevancia comercial que nunca: la leyenda del trap de Atlanta se convirtió en el único artista que apareció en el Hot 100 todas las semanas en el 2022.

Describir a Chuck D como rapero sería un eufemismo tan descarado como etiquetar a Jimi Hendrix como guitarrista. En “Rebel Without a Pause” de Public Enemy de 1987, el poderoso orador del grupo seminal — respaldado por la energía del rapero Flavor Flav — dejó en claro que el hip hop nunca volvería a ser igual. “Destituyan al presidente, sacando mi RAY-GUN/ Zap el siguiente, yo podría ser su shogun”, explotó sobre una producción revolucionaria y deconstruida de Bomb Squad. Chuck continuó señalando a todos: traficantes de crack en la comunidad negra (“Night of the Living Baseheads”); racistas sistémicos (“Fight the Power”); una prensa voraz (“Welcome to the Terror”) y corporaciones codiciosas (“Shut ‘Em Down”).

La participación estelar de Busta Rhymes en el sencillo “Scenario” de A Tribe Called Quest de 1992 dio a conocer a un MC de Brooklyn que se adueñó de finales de los 90 y principios de los 2000 con su voz animada y rimas exuberantes. The Coming, el álbum debut de Rhymes en 1996 con un sello importante, no podría haber sido un mejor título (en español “la llegada”) para describir su explosiva entrada. Su visión imaginativa también lo llevó a la tradición del hip hop, ya que él y el director Hype Williams crearon algunos de los videos más innovadores del género, incluidos “Put Your Hands Where My Eyes Could See” y “Dangerous”. Además de sus versos traviesos, Rhymes brilló en colaboraciones con grandes del R&B como Mariah Carey (“I Know What You Want”) y Janet Jackson (“What’s It Gonna Be?!”).

Tras un debut decepcionante con I’m Serious de 2001, T.I. se recuperó con su exitoso álbum Trap Muzik de 2003. A través de historias callejeras vívidas y una producción rimbombante, Tip se convirtió en uno de los padres ​​del trap, junto con otras estrellas de Atlanta como Jeezy y Gucci Mane. Incluso cuando se batía en duelo con grandes del rap como Jay-Z (“Swagger Like Us”), Eminem (“Touchdown”) y Kanye West (“Welcome to the World”), T.I. eliminó cualquier duda sobre su credibilidad como MC a través de su valor y precisión lírica. Uno de los eruditos pioneros del hip hop, T.I. ha ganado tres premios Grammy y ha colocado siete álbumes en el top 5 de la lista Billboard 200, además de forjarse una exitosa carrera en el cine y la TV.

Las rimas obscenas y viciosas de Lil Kim pusieron patas arriba el hip hop. Bajo la tutela del difunto Notorious B.I.G., Queen Bee debutó como miembro de Junior M.A.F.I.A., convirtiéndose en un ícono después de su excitante álbum debut en solitario de 1996, Hard Core. Certificado como doble platino, el álbum obtuvo tres No. 1 consecutivos en la lista Hot Rap Songs de Billboard: “No Time”, “Not Tonight (Ladies Night Remix)” y “Crush on You”, convirtiéndola en la primera rapera en lograrlo. Su tono irreverente destrozó las barreras para las mujeres en el hip hop, permitiéndoles ser más expresivas y liberadas sexualmente. Si bien el look de estrella de cine de Kim y su sentido de la moda provocativo acapararon las miradas, su pronunciación brusca y rimas contundentes despertaron el miedo y el respeto de los MC rivales, como lo demuestran sus mordaces participaciones en clásicos de Bad Boy como “Money, Power & Respect” de The LOX e “It’s All About the Benjamines”.

La atemporal Sra. Lauryn Hill puede abarcarlo todo, desde el soul de Motown, hasta el boom bap, el R&B, el jazz y el rap, desafiando las convenciones e introduciendo un nuevo estándar para los raperos que van más allá del género. Ya sea por su trabajo en el exitoso álbum de 1996 de Fugees, The Score, o por su revolucionario debut de 1998, The Miseducation of Lauryn Hill, ha influido en una gran cantidad de artistas de hip hop a lo largo de las décadas. Su rap melódico en “Doo Wop (That Thing)” llevó a la canción a ser la primera de una rapera en encabezar el Hot 100. Recibió 10 nominaciones al Grammy y ganó cinco por Miseducation, incluyendo a mejor artista nuevo y álbum del año. Incluso si Hill nunca lanza un segundo álbum formal, sigue siendo un talento incomparable capaz de superar a cualquiera, como lo demuestra su memorable verso en la joya de KD2 de Nas, “Nobody”, de 2021.

Como fuente de talento, Virginia ha tenido una gran influencia en la música popular. Y no se puede tener una conversación al respecto sin mencionar a The Neptunes, Clipse y la perdurable estrella emergente del último dúo, Pusha T. Después de alcanzar el estatus de leyenda en los años 2000 junto a su hermano mayor Gene, también conocido como No Malice, Pusha comenzó a desarrollar una carrera en solitario, firmando con G.O.O.D. Music en 2010 y participando como invitado en “Runaway” de My Beautiful Dark Twisted Fantasy de Kanye West ese mismo año. A partir de ahí, Pusha se convirtió en un ícono de la moda y se desempeñó como presidente del sello de West, mientras continuaba lanzando álbumes en solitario bien recibidos, llenos de vívidas descripciones de su tráfico de drogas y luchas emocionales. It’s Almost Dry de 2022 le valió al rapero su primer No. 1 en el Billboard 200.

Escuchar a Black Thought es como inscribirse en una clase magistral de lirismo. Tariq Trotter, cofundador del legendario grupo The Roots y el MC principal de la longeva banda de Filadelfia, sigue asombrando a los fans del rap con freestyles de radio electrizantes y actuaciones en vivo brillantes. Cuando Black Thought une fuerzas con letristas supremos como Eminem (“Yah Yah”), Royce da 5’9″ (“Rap on Steroids”), Big Pun (“Super Lyrical”) o Joey Bada$$ y Russ (“Because ”), la combinación eleva el arte y la técnica del rap a otro nivel. Black Thought, que rapeando desde 1993, continúa creciendo como uno de los mejores MCs del género. “You Got Me”, su dúo con Erykah Badu del álbum platino de The Roots Things Fall Apart, sigue siendo un momento brillante gracias a su rico barítono y su fascinante narración.

Q-Tip, cofundador del grupo de hip hop alternativo A Tribe Called Quest, ha sido impecable durante más de 30 años. Es el rapero artístico, esotérico y filosófico que yuxtapuso la entrega humilde y callejera del difunto Phife Dawg del grupo. El flow relajado y fluido de Tip vino salpicado de letras inmortales en canciones divertidas como “Bonita Applebum”. Su cuerpo de trabajo ayudó a nutrir aún más el vínculo creativo entre el hip hop y el jazz. Estableció un nuevo punto de referencia para borrar los límites musicales e ignorar las tendencias populares, influyendo en una gran cantidad de talentos de la próxima generación como Pharrell Williams, Kanye West y Tyler, the Creator. Junto a Phife, Ali Shaheed Muhammad y Jarobi White, ATCQ, que también forma parte del colectivo Native Tongues (Queen Latifah, De La Soul, Jungle Brothers, Monie Love), llegó dos veces al No. 1 del Billboard 200, mientras que todos los seis álbumes del grupo se certificaron oro o platino.

“No soy un Don Juan, solo tengo mucho sexo”, declaró Big Pun en el gran éxito de 1998 “Still Not a Player” de su álbum debut Capital Punishment. Un remix del sencillo principal del álbum “I’m Not a Player”, transformó un sample de Brenda Russell en un jam con sabor a salsa y consolidó a Big Punisher como una fuerza comercial. Luego que el álbum se certificara platino, se convirtió en el primer rapero solista latino en vender más de un millón de copias. Capital Punishment también encabezó la lista Top R&B/Hip-Hop Albums y alcanzó el No. 5 en el Billboard 200 gracias a las habilidades narrativas vícidas de Big Pun y a su capacidad de crear ritmos pegadizos. El difunto rapero sigue siendo una inspiración para olas de raperos, en particular MCs criados en el Bronx como Fat Joe, Remy Ma y Cardi B.

Method Man es la versión hip hop de perfección para crear un jugador. El miembro de Wu-Tang Clan lo tiene todo: una voz inconfundible, un flow impenetrable, rimas ingeniosas, un sentido del humor oscuro, encanto y una buena apariencia que también le mereció el éxito en Hollywood. El paquete completo de Meth de raps callejeros y sex appeal lo convirtió en una fuerza dominante en los años 90 y 2000: podía colaborar con sus hermanos del Wu-Tang Clan, escupir rimas poderosas junto a Notorious B.I.G. y 2Pac, mostrar su lado romántico en la exitosa colaboración de Mary J. Blige “All I Need” y simplemente divertirse con Redman en las películas How High y los álbumes Blackout! sin perder el ritmo. Más de 20 años después de su debut en Enter the 36 Chambers de Wu, no ha terminado: su verso en el sencillo “Lemon” de Conway the Machine de 2020 mostró que mantiene el ingenio de siempre.

KRS-One pasó de ser The Blastmaster a The Teacha, un testimonio de su propio desarrollo lírico y personal. Y si le preguntas a él, también es un testimonio del poder del hip hop. Como proveedor lírico de la violencia en su barrio del Bronx, KRS-One comenzó su carrera a finales de los años 80 en el clásico Criminal Minded de Boogie Down Productions. Sin embargo, tras el asesinato del DJ del grupo Scott La Rock, comenzó a hacer rap con conciencia social destinado a empoderar a los negros y resolver los males que aquejan a las comunidades del centro de la ciudad. Obras como By All Means Necessary de BDP y el sencillo de 1989 “Self-Destruction” de Stop the Violence Movement, formado por KRS, son algunos de los momentos más poderosos que el hip hop haya presenciado. KRS-One también está probado en batalla: “The Bridge Is Over” de 1987, grabado en respuesta a “The Bridge” de MC Shan, es una de las pistas diss más respetadas (y referenciadas) de todos los tiempos.

Antes de que el rap se convirtiera en una potencia cultural y comercial, Kurtis Blow proporcionó una muestra temprana de las capacidades futuras del género. Fue el primer rapero que firmó con un sello importante, creó uno de los primeros éxitos del hip hop con “Christmas Rappin'”, se apuntó el primer oro por un sencillo de rap con “The Breaks” y se convirtió en el primer rapero en embarcarse en una exitosa gira nacional (y luego internacional). Puede que Blow no posea las complejas habilidades para rimar de sus descendientes, pero fue una estrella por derecho propio gracias a una voz magnética y una presencia carismática en el escenario. Además, sus canciones eran divertidas y familiares a la vez: “The Breaks” hablaba ingeniosamente de los días malos; “Christmas Rappin'” todavía suena como un jam navideño; e “If I Ruled the World” mostró las primeras aspiraciones del rap. Su impacto es innegable: Nas, Jay-Z, De La Soul, KRS-One y Redman son solo algunos de los raperos que han sampleado la música de Blow.

Con una colección de álbumes brillantes en solitario y uno de los estilos más inconfundibles en la historia del hip hop, Ghostface Killah es posiblemente el rapero más consumado dentro de Wu-Tang Clan, que ya tiene su propia participación en cualquier lista de los mejores grupos de rap de todos los tiempos. El letrista de Staten Island usa una jerga Technicolor inimitable, coloridos perfiles de personajes, productos de lujo y flows resbaladizos para crear historias vibrantes e imaginativas. Logró una química especial con su compatriota de Wu, Raekwon, cuando ambos adoptaron papeles prominentes en los debuts clásicos de los 90, Ironman y Only Built 4 Cuban Linx, respectivamente. Ghost continuó la racha ganadora hasta bien entrado el siglo XXI, primero con su segundo trabajo de 2000, Supreme Clientele, y luego con los brillantes Fishscale de 2006 y Twelve Reasons to Die de 2013.

Con un estilo de rima voraz y el poderoso uso recurrente de perros como motivo lírico, DMX tuvo la presencia más dominante que el rap jamás haya visto. Su par de álbumes clásicos de 1998, It’s Dark and Hell Is Hot y Flesh of My Flesh, Blood of My Blood, junto con el seguimiento de 1999 …And Then There Was X, encabezaron las listas con historias callejeras sombrías e implacables, procesando el dolor de una infancia traumática y recurriendo a la espiritualidad para consuelo. Cuando no estaba desnudando su alma, DMX demostró constantemente que podía pasar el rato con lo mejor del rap: LL Cool J, Jay-Z, Nas, Busta Rhymes y otros han experimentado la agresión indomable de X de primera mano. Desafortunadamente, los mismos demonios que acarrearon su arte provocador lo llevaron a su desafortunado fallecimiento: murió de un ataque al corazón provocado por el consumo de cocaína en 2021.

Big Daddy Kane fue uno de los primeros arquetipos de estrella del rap gracias a actuaciones impactantes a fines de los 80. Pionero en la creación del estilo de rap acelerado y de doble tempo, atrajo a las damas con su machismo convincente y autoritario y su sentido de la moda. También trabajó estrechamente con Juice Crew, el escuadrón de Marley Marl en Queens cuyos miembros incluían a MC Shan, Biz Markie, Kool G Rap y Roxanne Shante. Pero incluso entre esos grandes, Kane mantuvo con creces su peso: temas como “Ain’t No Half Steppin'”, “Set It Off” y “Smooth Operator” suenan tan enérgicos hoy como hace décadas. Y sus habilidades siguen igual de agudas, ya sea abordando la brutalidad policial, como en “Enough” de 2020, o haciendo un fantástico cameo como invitado, en la canción de 2022 de Busta Rhymes “Slap”.

Una de las visionarias más creativas del hip hop, Missy “Misdemeanor” Elliott comenzó a perfeccionar sus habilidades como rapera, cantante, compositora y productora como miembro del colectivo de R&B/hip-hop Swing Mob a principios de los 90 con su amigo de la infancia, el productor Timbaland. Después de colaborar en proyectos de Aaliyah y otros, el par centró su atención en la carrera en solitario de Elliott, comenzando con su deslumbrante debut en 1997, Supa Dupa Fly. Mientras llamaba la atención con sencillos exitosos (“The Rain”, “Hot Boyz”, “Get Ur Freak On”, “Work It”) y álbumes aclamados (Da Real World, Miss E… So Addictive, Under Construction, This Is Not a Test), creó un estilo de hip hop único, futurista, funky y totalmente único en el que rimaba, cantaba, hacía scat o cualquier otra cosa que el ritmo pudiera provocar espontáneamente. Líricamente, llevó el hip hop más allá de sus límites en lo que respecta al empoderamiento femenino, con una valentía también reflejada en sus videos musicales innovadores e influyentes. En 2020, Elliott ocupó el quinto lugar en la lista de Billboard de los 100 mejores artistas en videos musicales de todos los tiempos.

Antes de que Ice Cube (verdadero nombre O’Shea Jackson) se convirtiera en un peso pesado de Hollywood y propietario de la liga de baloncesto, escribió versos brillantes e incisivos para sus compañeros de grupo de la N.W.A (Dr. Dre, Eazy-E, Arabian Prince, DJ Yella y MC Ren) y para él mismo en Straight Outta Compton, el clásico debut del grupo en 1988. El álbum, que sirvió como una de las plataformas fundamentales del gangsta rap, presentó los controvertidos himnos “Fuck Tha Police” y “Gangsta Gangsta”, y fue certificado triple platino a pesar de una promoción mínima en radio o MTV. Pero incluso después de escribir rimas que llamaron la atención del FBI y llevaron a prohibiciones en la radio, Ice Cube lanzó una carrera en solitario aún más extraordinaria. Álbumes como AmeriKKKa’s Most Wanted y Death Certificate siguen siendo unos de los trabajos más provocativos del rap, y cuando no estaba afilando sus comentarios pro-negros contra el racismo sistémico, era igualmente versado equilibrando ideas irónicas con narraciones optimistas, como en su éxito atemporal de 1993 “It Was a Good Day”.

Luego que un atentado contra su vida lo dejara acribillado a nueve balas, Curtis Jackson III tuvo una meteórica resurrección. Su mixtape de 2002 Guess Who’s Back? lo impulsó a firmar con Shady Records de Eminem bajo el sello Aftermath Entertainment de Dr. Dre, y a esto siguió su debut No. 1 en el Billboard 200 con Get Rich or Die Tryin’ en 2003. El álbum ofreció rimas callejeras irreverentes, humor negro y algunos de los los coros más pegajosos de ese año, gracias a dos No. 1 del Hot 100: “In da Club” y “21 Questions” con Nate Dogg. Reviviendo el gangsta rap en el proceso, Get Rich también obtuvo una impresionante certificación RIAA de nueve veces platino. Antes de impulsar su imperio televisivo, 50 Cent continuó encabezando los charts con álbumes como The Massacre y Curtis, al tiempo que convirtió en estrellas a compañeros del sello G-Unit, incluidos Lloyd Banks, Young Buck y The Game.

Nombra un tema tratado por tu rapero favorito, y Scarface probablemente lo abordó primero. ¿Raps sobre experimentar una crisis de salud mental? Oye “Mind Playing Tricks on Me”, su clásico éxito de 1991 como miembro de los Geto Boys de Houston, o “I’m Dead”, de su álbum debut ese mismo año, Mr. Scarface Is Back. ¿Versos sobre invertir y ahorrar dinero? Escucha “Safe” de su álbum The Fix de 2002. Entre su tiempo en Geto Boys a finales de los 80 y su ilustre carrera en solitario que se extendió hasta la década de 2010, Scarface puso al descubierto las trampas de la vida callejera al presentar un enfoque estoico y pragmático de la estafa que difería de las atractivas imágenes glamorizadas por otros artistas. Y lo hizo como una de las primeras verdaderas estrellas del rap del sur estadounidense, mostrando una complejidad lírica y profundidad emocional en una región que alguna vez fue completamente descartada, y al mismo tiempo creando temas clásicos con leyendas como Jay-Z, Nas y 2Pac.

Un derivado definitorio de la era de los blogs del rap, J. Cole se hizo un nombre con mixtapes célebres como The Come Up de 2007, The Warm Up de 2009 y Friday Night Lights de 2010. La historia de Cole es bien conocida: Hov lo firmó con Roc Nation como su primer artista en 2009 tras llamar su atención con “Lights Please” y lanzar algunos versos abrasadores como invitados (“Beautiful Bliss” de Wale, “Looking for Trouble” de Kanye West). Con los pies en la tierra y humilde, Cole posee una pasión que late a lo largo de sus raps y ritmos. Criado en Fayetteville, Carolina del Norte, es sureño hasta la médula, pero también representa a Queens como graduado de St. John. Puede convertir lo mundano en algo dulce (“Foldin Clothes”) o actuar en rebeldía (“Fire Squad”). Mostró su conexión genuina con los fans al rapear sobre un “J. Cole Type Beat” de un productor de YouTube en “procrastination (broke)”. También obtuvo discos de platino con sus cinco álbumes de la década de 2010, los últimos tres (2014 Forest Hills Drive, 4 Your Eyez Only y KOD) sin colaboraciones, por supuesto.

LL Cool J firmó con Def Jam Records como su primer artista en 1984 y lanzó “I Need a Beat” de su álbum de estudio debut, Radio, producido en su totalidad por Rick Rubin. Durante la época dorada del rap, “I Need a Beat” abrió la puerta al estilo b-boy, con una energía inigualable y un lirismo agresivo que se convirtió en un sello distintivo del género. Radio, el primer álbum del incipiente sello en llegar al top 50, pasó 38 semanas en el Billboard 200 y se certificó platino en 1989. LL pasó toda su carrera en Def Jam, convirtiéndose en su experto en todo: un creador de éxitos para las damas y un pionero multiplataforma para que los artistas crucen otros campos como la televisión y la filantropía. La lista de logros de LL incluye ser el primer rapero en recibir el prestigioso premio del Kennedy Center. En 2022, relanzó el Festival Rock the Bells en Queens, que incluyó actuaciones de Rick Ross, The Diplomats, Ice Cube y más.

Cuando consideras la evolución del hip hop, Rakim es parte esencial del origen como pionero en el uso de rimas internas y polisilábicas, letras intrincadas y el uso de flows más complejos. Cuando se asoció con su compañero nativo de Long Island Eric B., se convirtieron en el poderoso combo de DJ y MC Eric B. & Rakim, produciendo álbumes clásicos como Paid in Full de 1987 y Follow the Leader de 1988 con sencillos eternos como “Eric B. Is President”, “Paid in Full” y “Microphone Fiend”. La influencia de Rakim se siente en todos los rincones del hip hop: A$AP Rocky, nacido Rakim Mayers, lleva su nombre, DMX y Eminem son fans autoproclamados y raperos tan grandes como 50 Cent (a través de “Hate It or Love It” de The Game) y Lil Wayne (en “Girls Around the World” de Lloyd) han rendido homenaje a su flow distintivo.

“El Sur tiene algo que decir”, dijo André 3000 en refutación a la multitud de Nueva York que abucheaba a OutKast por su premio al mejor grupo nuevo de rap en los Source Awards de 1995. Tenía razón, y OutKast sin duda desempeñó un papel clave en eso. El debut del dúo en 1994, Southernplayalisticadillacmuzik, usó pistas influenciadas por el góspel (producidas por Organized Noize) para presentar los muchos matices y personajes de Atlanta. El grupo logró tres éxitos No. 1 en el Hot 100, vendió 25 millones de álbumes y obtuvo el más reciente Grammy al álbum de rap del año. André emergió como la estrella del grupo por su estilo singular; lamentablemente, el dúo tomó caminos separados y los fans aún anhelaban un álbum en solitario de él. Aún así, en algunas colaboraciones como invitado, la resistencia y el fervor lírico de André siguen siendo de primer nivel, características aplastantes para Jeezy (“I Do”), DJ Unk (“Walk It Out”) y UGK (“Int’l Players Anthem”). En general, el eclecticismo, la excentricidad y las rimas alucinantes de 3000 demuestran que puedes ser de otro mundo y aún así abrirte camino.

Comenzando a principios de la década del 2000 con la producción de éxitos para Jay-Z, Beanie Sigel y Talib Kweli, Kanye West se colocó frente al micrófono en 2003 con su debut en solitario, “Through the Wire”, y luego obtuvo su primer No. 1 en el Hot 100 junto a Twista y Jamie Foxx en “Slow Jamz”. Entonces vino un torrente de álbumes aclamados (Graduation, 808s & Heartbreak y My Beautiful Dark Twisted Fantasy). Si bien su ascenso de productor a artista ha sido notable, la búsqueda de West como magnate de la moda y los negocios, especialmente con su imperio Yeezy, lo convierte en uno de los pioneros más impactantes del género. A fines de la década de 2010, West (conocido legalmente como “Ye”) se convirtió en uno de los artistas más divisivos del mundo debido a sus posturas políticas y declaraciones provocativas (ocasionalmente antagónicas). Desde su comentario de que “la esclavitud es una elección” en 2018 hasta su más reciente dependencia de los tropos antisemitas (que comenzó durante un preocupante aumento mundial de los crímenes de odio contra el pueblo judío), la caída en desgracia de Ye, en medio de problemas de salud mental reportados, lamentablemente ha sido tan monumental como su producción artística.

Proveniente de South Jamaica, Queens, pasando por Trinidad y Tobago, Nicki Minaj se ganó la corona como la Reina del Rap que ostenta hoy con su espíritu feroz y fanfarrón. Su mixtape Beam Me Up Scotty de 2009 la estableció como una potencia lírica, poco antes de que emergiera como la First Lady of Young Money (Primera Dama del Dinero Nuevo), solidificando la inefable trinidad de la discográfica de bestias del rap conquistadoras de charts con Lil Wayne y Drake.

A lo largo de una gran cantidad de álbumes que van más allá del género (Pink Friday, Pink Friday: Roman Reloaded, The Pinkprint) y versos asesinos como invitada (el más famoso en “Monster” de Kanye West), Nicki ha defendido su título durante más de una década, con flows increíblemente animados y alter egos que van desde la Barbie Harajuku de cabello rosa y voz suave hasta el volátil Roman Zolanski con acento británico. Sin lugar a dudas, abrió el camino para la próxima generación de MCs femeninas, mientras que al mismo tiempo construyó un legado cuyo impacto no se limita al mundo del hip hop: Nicki es una de las pocas artistas que tiene más de 100 entradas en el Billboard Hot 100 y recibió el MTV Video Vanguard Award en 2022 por sus provocativos videos musicales.

Snoop Doggy Dogg. Snoop Lion. Snoop Dogg. No importa el apodo, no se puede negar el impacto de Calvin Broadus Jr. como uno de los padres fundadores del rap de la costa oeste y el gangsta rap. Junto a su mentor Dr. Dre, el rapero larguirucho de Long Beach presentó su actitud ultra cool y su flow relajado como invitado en el sencillo debut en solitario del primero en 1992, “Deep Cover”. The Chronic, el clásico de G-Funk con certificación multiplatino de Dre (influenciado por el sonido psicodélico de Parliament-Funkadelic) llegó poco después ese mismo año, encabezado por uno de los himnos característicos del par, “Nuthin’ But a ‘G’ Thang”. El proyecto fue el trampolín que catapultó a Snoop y G-Funk a la cima del Billboard 200 con su debut en solitario de 1993 en Death Row Records, Doggystyle. El álbum producido por Dre consolidó aún más el estatus de la costa oeste estadounidense como un jugador importante en el mundo del rap y presentó éxitos tan duraderos como “Gin and Juice” y “Who Am I? (What’s My Name?)”, entre los sencillos más pegadizos de la historia del hip hop.

A esto siguieron más álbumes seminales con más de un millón de copias vendidas, como Tha Doggfather, Da Game Is to Be Sold, Not to Be Told; R&G (Rhythm and Gangsta): The Masterpiece y Tha Last Meal cuando Snoop pasó de la era G-Funk a hacer álbumes con No Limit, anotar éxitos con The Neptunes e incluso convertirse en uno de los primeros en adoptar Auto-Tune. Mostrando aún más su versatilidad, el rapero se desvió hacia el reggae como Snoop Lion en Reincarnated de 2013, antes de recuperar su personalidad de Snoop Dogg para Bible of Love de 2018, que debutó en el No. 1 de la lista Top Gospel Albums. Snoop Dogg, emprendedor en serie y activista, le dio un giro completo a su carrera al comprar su alma mater, Death Row, en 2022.

Drizzy Drake Rogers pronosticó su ascenso a superestrella cuando era Wheelchair Jimmy en el popular programa para adolescentes de los años 2000 Degrassi: The Next Generation. Desde su exitoso mixtape clásico de 2009, So Far Gone, la capacidad de Drake para entrar y salir de géneros y la mezcla de canturreos azucarados con compases afilados lo convirtió en una fuerza intocable con el toque de Midas: todo lo que toca se convierte en oro y platino.

Con su impenetrable racha de éxito comercial (actualmente es el líder de éxitos de todos los tiempos del Hot 100, con casi 300 entradas en su haber), se niega a darle un respiro a su oposición, lanzando proyectos constantemente cada año, incluidos álbumes que definen a una generación como Take Care de 2011 y Nothing Was The Same de 2013. Ya sea cantando sus dolores y molestias en joyas atemporales (“Marvin’s Room” y “Jaded”) o atacando a MCs desventurados (“5 AM in Toronto” y “Omerta”), el conjunto de habilidades virtuosas de Drake han hecho de él uno de los artistas más talentosos y destacados que jamás se hayan visto en la música.

“Trae a la multitud y soy ruidoso a color en vivo / Es Weezy F-kin’ Baby, tengo a estos raperos en mi estómago”, Lil Wayne abre su incisivo “Best Rapper Alive” de 2005, presagiando los años venideros. Blandiendo palabras como espadas, Wayne es uno de los letristas anglo más magistrales de nuestro tiempo, entregando versos alucinantes durante el último cuarto de siglo. El estudiante de honor abandonó la escuela a los 14 años para concentrarse en su carrera musical, cinco años después de ingresar a la tutoría del cofundador de Cash Money Records, Birdman. Alrededor de ese tiempo, Wayne se unió a The Hot Boys con sus compañeros raperos Juvenile, B.G. y Turk y encabezaron la lista Top R&B/Hip-Hop Albums de Billboard en 1999 con Guerilla Warfare. Sería el primero de doce álbumes de Wayne que llegaron a la cima, incluida su icónica serie Tha Carter, que recibió gran cantidad de placas de platino.

Con la primera semana de ventas millonarias de Tha Carter III y sus grandes éxitos “A Milli” y “Lollipop” en 2008, el último de los cuales fue su primer No. 1 en el Hot 100, Wayne explotó con éxito en el mainstream, preparando el escenario para los aspirantes al rap y las estrellas de las listas de todos los tiempos de Billboard, Drake y Nicki Minaj, a quienes Wayne ayudó a convertirse en los íconos globales que son hoy a través de su sello discográfico Young Money/Cash Money. Pero a pesar de esos éxitos, Wayne siguió alimentando a su base de fans de Mixtape Weezy con series favoritas de culto como Da Drought, No Ceilings y Sorry 4 the Wait, y se reinventó sin miedo con un sonido de rap-rock a través del álbum Rebirth de 2010, que sigue inspirando a raperos de la nueva escuela como Lil Uzi Vert y Playboi Carti. La influencia cultural, sonora y lírica de Lil Wayne quedará incrustada para siempre en la estructura del hip hop, a través de su talento como artista y como A&R.

Christopher “The Notorious B.I.G.” Wallace es el máximo fenómeno del rap. Comenzando con el desenfrenado “Party and Bullshit” de 1993, el capo de Brooklyn, Nueva York, firmó más tarde con Diddy’s Bad Boy Records. Biggie se ganó la reputación de contar historias crudas en un estilo relajado, acentuado por voces profundas y retumbantes y un característico sentido del humor oscuro. Biggie obtuvo 16 éxitos en el Hot 100, incluidos dos No. 1 con “Mo’ Money Mo’ Problems” e “Hypnotize”. Big completó dos álbumes en solitario clásicos, Ready to Die de 1994 y el disco doble Life After Death de 1997, que pasó cuatro semanas en el No. 1 del Billboard 200. Su estatus de productor ejecutivo creció a medida que creó su camarilla Junior Mafia, escribiendo y produciendo su álbum Conspiracy de 1995, y luego lanzando el debut Hard Core de la estrella emergente de JM, Lil Kim, en 1996.

Seis meses después de la muerte de Tupac Shakur, Biggie fue asesinado en un tiroteo desde un vehículo en movimiento en Los Ángeles en 1997. Así que nunca sabremos qué pudo haber logrado el entonces joven de 24 años si hubiera tenido el tiempo. Pero a través de dos álbumes de estudio que todavía resuenan casi 30 años después, Wallace demostró que un gran hombre carismático capaz de mezclar rimas callejeras con sensibilidad y humor, e impregnar el mainstream con estilo.

Tras comenzar en batallas de freestyle rap, Eminem usó continuamente el micrófono como su arma preferida y aniquiló a cualquiera que se interpusiera en su camino, como se ve en las innumerables peleas en las que se ha involucrado a lo largo de los años. Con compases irreverentes, polémicos y macabros (pero con frecuencia hilarantes) y esquemas de rimas y síncopas incomparables, ha disfrutado interpretando el papel del supervillano del rap. Em también rapea a una milla por minuto, rompiendo los récords mundiales Guinness como el más rápido en un sencillo exitoso, “Godzilla”, donde rapeó 225 palabras en un segmento de 30 segundos.

Con 15 premios Grammy, 10 álbumes No. 1 en el Billboard 200 y tres sencillos certificados diamante por la RIAA (“Lose Yourself”, “Love the Way You Lie” y “Not Afraid”), su éxito comercial sin precedentes lo convierte en uno de los cuentos de la pobreza a la riqueza más notables en la música popular. Su galardonada película biográfica de 2002, 8 Mile, describió la lucha del MC criado en Detroit para ser aceptado como un rapero blanco en el hip hop, un género creado y dominado por los negros. Pero con sus habilidades técnicas incomparables, su personalidad exuberante y su serie de álbumes clásicos de principios de siglo, Slim Shady se ha ganado legítimamente su lugar en el escalón superior de las listas de los raperos más grandes de todos los tiempos.

El poeta, actor, activista y rapero Tupac Amaru Shakur fue el gran erudito de los 90. Una vez miembro acompañante en Digital Underground, su exuberacia fue imposible de contener tras su destacada participación en el éxito de 1991 “Same Song”. La dualidad de Pac como artista en solitario fue notable: en un minuto, era entrañable, escribiendo clásicos empáticos como “Dear Mama” y “Keep Your Head Up”; el otro, era explosivo, atándose las botas de guerra, listo para cabalgar sobre sus enemigos (“Hit ‘Em Up” y “Hail Mary”). No era necesariamente el mejor letrista, ni poseía el flow más impresionante. Pero sus limitaciones, de hecho, fueron las que convirtieron al niño prodigio de 25 años en uno de los mejores MCs que hayan pasado por la tierra del Señor: conocía sus defectos, pero confiaba en su voz y mensajes motivacionales para resonar y vencer a los pandilleros más duros.

Al firmar con Death Row tras salir de prisión en 1995 formó el triunvirato más fuerte del hip hop junto a Dr. Dre y un floreciente Snoop Dogg. Su proyecto más potente llegó al año siguiente con el álbum doble All Eyez On Me. Su cuarto álbum de estudio tenía los ingredientes de un clásico, con sencillos increíbles (“How Do You Want it”, “California Love” y “I Ain’t Mad at Cha”) y una producción superior, y reinó durante ocho semanas en el No. 1 del Billboard 200. A pesar de sus llamativas victorias, el mercurial MC tuvo una buena cantidad de batallas, sobre todo con el titán de Brooklyn The Notorious B.I.G, que se convirtió en un rompecorazones a ambas costas del país. Su escaramuza lírica terminó en tragedia cuando Pac fue asesinado a tiros en Las Vegas en el 96, sacudiendo al mundo de la música. Incluso después de su muerte, su legado siguió adelante con siete álbumes póstumos (incluidos tres que encabezaron el Billboard 200), su incorporación al Salón de la Fama del Rock e incluso un lugar en el Registro Nacional de Grabaciones de la Biblioteca del Congreso (para “Dear Mama”). Y, a pesar de su corta vida y carrera, Pac continúa resonando hoy tanto como cualquier rapero.

A estas alturas, los puristas del hip hop conocen muy bien el camino de Nas a la grandeza. En 1991, Large Professor le lanzó un alley-oop en el tema de Main Source “Live at the Barbeque”, y Escobar (apodo de Nas debido a su fascinación con Pablo Escobar) entregó una actuación espectacular. Fue coronado como El Elegido, y tenía que superar expectativas similares a las de LeBron. Pero al igual que King James, disfrutó de la presión y lanzó su álbum debut Illmatic en 1994, una obra de hip hop por excelencia que trascendió el género y se convirtió en la Santa Biblia para todos los letristas en ciernes. Hasta el día de hoy, el álbum sigue siendo un clásico indiscutible, y Nas continuó evolucionando y manteniéndose relevante, logrando álbumes No. 1 hasta bien entrada la década de 2010.

Sus narraciones vívidas (“Black Girl Lost” y “I Gave You Power”) y su dicción precoz (“Nas Is Like” y “Made You Look”) son de las mejores, y con su resiliencia ha demostrado ser digno del Salón de la Fama, especialmente cuando anotó un nocaut técnico contra Jay-Z y agregó un nuevo verbo al léxico del hip hop con su regreso mordaz de “Ether” en 2001. Incluso con esos logros brillantes, es la longevidad y adaptabilidad de Nasir Jones lo que lo hacen un ser único en su especie. Desde que se asoció con Hit-Boy en 2020 para su primera entrega de su bien recibida serie King’s Disease, Nas ha lanzado tres proyectos más y obtuvo su primer Grammy, demostrando que su espada lírica sigue tan afilada como siempre.

El nativo de Compton se ha convertido en uno de los artistas más influyentes de la música gracias a letras vívidas y a veces controvertidas que invitan a la reflexión, a su intrépida experimentación de géneros y a un flow magistral. Lamar llamó la atención por primera vez como el rapero adolescente K.Dot a través de varios mixtapes antes de lanzar su primer álbum de estudio en el sello independiente Top Dawg Entertainment, Section.80 de 2011. Después de firmar con el sello Aftermath Entertainment de Interscope de Dr. Dre un año después, Lamar lanzó su segundo álbum de estudio, good kid, m.A.A.d City, convirtiéndose en una fuerza creativa y cultural al instante. Su segundo proyecto, que señalaba un gran renacimiento en la costa oeste y el gangsta rap, fue aclamado por la crítica y produjo varios éxitos comerciales: “Swimming Pool” (Drank), “Backseat Freestyle” y “Bitch, Don’t Kill My Vibe”. Luego vino To Pimp a Butterfly, su álbum de 2015 influenciado por el jazz que le mereció su primer No. 1 en el Billboard 200.

La evolución continuó con DAMN, un disco de R&B, soul psicodélico e infusión de pop. Con el primer sencillo No. 1 en solitario de Lamar, “HUMBLE”, el álbum ganó el Premio Pulitzer de Música en 2018, la primera obra no clásica o de jazz en obtener el reconocimiento. Ese año también marcó su gran incursión en el cine con Black Panther the Album. Su más reciente álbum es Mr. Morale & the Big Steppers, una obra de rap consciente lanzada el año pasado. Ahora, el ganador de 17 Grammys (Mr. Morale se coronó como mejor álbum de rap) y ganador del Emmy por el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl del año pasado, está enfocando su visión empresarial en pgLang, su colectivo de cine, televisión y música que ya ha logrado el éxito con el rapero de próxima generación Baby Keem. Mientras tanto, su combinación perdurable de destreza lírica, álbumes clásicos y evolución que rompe esquemas continúa respaldando el consenso generalizado de que es el mejor rapero de su generación.

“No voy a perder”. La declaración desafiante pero segura de Shawn “Jay-Z” Carter de Brooklyn ha demostrado ser cierta a lo largo de su legendaria carrera. La historia también está de su lado: tiene 14 álbumes No. 1 en el Billboard 200 (la mayor cantidad entre los solistas) y más de 140 millones de discos vendidos. Cofundó Roc-A-Fella Records, ha ganado 24 premios Grammy, dirigió el legendario Def Jam Records del hip hop como presidente, llevó al superestrellato a Rihanna y Ye, fundó una gigantesca agencia de entretenimiento/deporte en Roc Nation y las exitosas marcas de licores D’usse y Armand de Brignac… e incluso hoy, todavía tiene tiempo para lanzar versos de rap de cuatro minutos que rompen el internet (como lo hizo en “God Did” de DJ Khaled en 2022). El esposo de Beyonce Knowles-Carter ha tenido éxito en todas las épocas, escupiendo rimas que hablan con honestidad de la lucha y la opulencia que conllevan alcanzar por uno mismo la grandeza.

Jay-Z, el primer rapero incorporado al Salón de la Fama de los Compositores, cree que todo el mundo tiene el talento de un genio. Por suerte para nosotros, Jay encontró el suyo temprano en la vida y desde entonces se ha convertido en el rapero favorito de tu rapero favorito. Tal vez haya otros raperos que puedan presumir de igualar a Jay en su apogeo. Pero ninguno podría igualar toda su carrera: su longevidad, la amplitud de sus logros y lo que ha significado para el hip hop desde un punto de vista musical, cultural y financiero durante las últimas tres décadas.